CineAdicto

2011-10-31T20:23:00.000-07:00

“Contagio”: miedo a lo que no podemos ver

Cada cierto tiempo el cine nos entrega historias que nos hablan del fin del mundo, ya sea a través de increíbles desastres naturales o guerras nucleares. Este último argumento proliferó en los años ochenta, lo que se comprende por el clima político en medio de los últimos capítulos de la Guerra Fría. El invierno nuclear era el epítome de la raza humana y los sobrevivientes a duras penas tenían que luchar nuevas batallas, algunas más bestiales que las anteriores en torno a las sobras del mundo civilizado (Mad Max y El Día Después de Mañana por citar algunos ejemplos).

Con el desarrollo de la “aldea global”, en medio del auge de las redes sociales y de la conectividad sin límites, el mundo se ha ido transformando en un lugar mucho más sofisticado. Aquella complejidad también ha sido transversal a filmes sobre el fin de los tiempos, siendo una de las temáticas principales la destrucción de la sociedad a manos de enfermedades y virus de extrema violencia. “Contagio” pertenece a dicha categoría, en donde el protagonista es un asesino desconocido y silencioso, el cual apenas logra ser encarado por un galardonado reparto que se debate entre la vida y la muerte en impasibles laboratorios.

Lo más interesante de la última apuesta de Steven Soderbergh, director que ha cimentado una interesante filmografía, es el “ojo clínico” de su tratamiento. Con pulso acertado y con especial cuidado en los detalles, el director de “Tráfico” muestra qué sucedería si la humanidad tuviese que enfrentar una de las peores pandemias de su historia. El filme es un ejercicio periodísitico, cuyos antecedentes se pueden encontrar en películas del estilo de la “La Amenaza de Andromeda”, obra de culto a cargo de Robert Wise. La similitud se puede apreciar en el detalle de laboratorios y procedimientos ante casos de virus de gran letalidad.

“Contagio” bien podría ser un filme de terror y, en cierta forma, no es casualidad su estreno en los días previos a la celebración de Halloween. La película tiene poca acción, pero sí toneladas de suspenso a través de conversaciones sobre un asesino invisible que en pocos días tiene la capacidad para diezmar a países del primer o tercer mundo. Omite categorías sociales y fronteras, y de paso nos enseña la vulnerabilidad de hombres y mujeres ante la posibilidad de contraer enfermedades con sólo tocar la mano de otra persona o el pasamanos de una escalera.

En ocasiones el filme se siente un poco lejano. Probablemente porque las historias de superación contra la adversidad son un poco frías. La empatía no es el fuerte de quienes están a cargo de este relato coral. Sin embargo, al final de la película se agradece la distancia hacia el sentimentalismo que generalmente suele redundar en este tipo de historias. El valor de “Contagio” está en los temas de fondo que plantea, desde el oportunismo comercial de los laboratorios médicos hasta el caos social frente a la pérdida del orden público y el difícil trabajo de quienes se dedican a inventar vacunas contra virus y enfermedades. “Contagio” es una carrera contra el tiempo que abre el debate sobre si la sociedad está preparada o no ante la aparición de nuevas infecciones. Esta realidad no es ajena para nosotros, ya que pudimos sentir en 2011 un profundo miedo ante el peak de la gripe AH1N1 o hace algunos años frente a la temida gripe aviar que azoto a gran parte del continente europeo.

La autenticidad de “Contagio” nos muestra uno de los filmes más interesantes del año. Probablemente es una de las historias más reales sobre un evento que podría convertirse en el exterminio del ser humano. Es imposible quedar indeferente, lo que pude constatar al término de la función. Casi la totalidad del público se fue en silencio. Seguramente salieron del cine pensando sobre los peligros de estrechar la mano a otra persona o al utilizar un baño público. La escena final del filme, es decir, el primer día del contagio quizá es una de las secuencias más impactantes que se han visto en años. No hay efectos especiales y sólo predominan movimientos de cámara bastante sencillos. Lo que asombra y perturba no es el lenguaje cinematográfico, sino el inicio del fin a través de una situación que seguramente hoy está sucediendo en muchas partes de nuestro endeble mundo.

Título: Contagio / Director: Steven Soderbergh / Año: 2011 / Intérpretes: Matt Damon, Jude Law, Kate Winslet, Laurende Fishburne, Marion Cotillar, Elliot Gould, John Hawkes y Gwyneth Paltrow.

2011-07-16T20:14:00.000-07:00

Dark City: ciudad en tinieblas

Hace algunos días vi la versión del director de Dark City y la experiencia fue literalmente sublime. Sin duda, este filme con olor independiente es una de las obras de ciencia ficción más complejas y fascinantes de los últimos 25 años, sobre todo por su impecable diseño de arte y fotografía. Dichos elementos se sustentan en una historia que hace referencia a diferentes universos creativos, entre ellos, el estilo kafquiano, la pintura minimalista de Hopper y ciertos planteamientos tomados de la psicología tales como el intercambio de identidades y el desarrollo de rasgos mesiánicos en sociedades al borde de la extinción.

Cinta rechazada por la crítica e incomprendida por el público durante su estreno, pero que con los años y la masividad del formato DVD se ha convertido en un filme de culto, de esos que son materia obligada para cualquier cinéfilo. Dark City es la obra cumbre de Alex Proyas, director que a partir de “El Cuervo” (The Crow) se hizo un nombre en el cine fantástico y de ciencia ficción, y que antes de los 90´ era terreno exclusivo de tipos de la talla de Terry Gilliam y Ridley Scott.

En Dark City se produce una combinación precisa entre imagen, diálogo y banda sonora. El dinámico score de Trevor Jones alimenta la frenética confusión de John Murdoch (Rufus Sewell), quien es el protagonista de un relato que contiene varios arquetipos hitchkoneanos: identidades erróneas y el síndrome del hombre injustamente acusado. El magnetismo de este filme está en su estilo, en ese barroquismo visual que rememora clásicos contemporáneos tales como Brazil del citado Gilliam.

Proyas se dio el tiempo para la construcción de una épica futurista y eso se agradece. En Dark City se pueden admirar hermosas tomas y la acertada utilización de maquetas, recurso que transmite una autenticidad que los efectos digitales de hoy no han podido igualar. Esta película es filme noir puro en una ciudad en donde sus habitantes son piezas de un tablero de ajedrez que se caracteriza por su determinismo y privación del pasado.

Dark City es uno de mis filmes de ciencia ficción favoritos, ya que es una metáfora mesiánica sobre la preservación de la historia y el ser del hombre, de aquellos recuerdos y el libre albedrío que hacen posible nuestra esencia y humanidad.

Título: Dark City / Director: Alex Proyas / Año: 1998 / Intérpretes: Rufus Sewell, Kiefer Sutherland, Jennifer Connely, Richard O´ Brien, Melissa George y William Hurt.

2011-04-22T18:30:00.000-07:00

Romeo is Bleeding

Reflexiones de un policía corrupto, cuya ausencia de moralidad nace de amantes y tratos con la mafia. “Romeo is Bleeding” es un extenso racconto sobre la antigua vida de Jack Grimaldi (Gary Oldman), un gran perdedor que respira sin medir riesgos hasta que la suerte le da la espalda, siempre al ritmo de un jazz melancólico y de las bocanadas de humo que impregnan a los viejos hoteles y calles de Brooklyn. Este pequeño gran filme, del cineasta húngaro Peter Medak (“The Ruling Class”), se alimenta de los elementos del cine negro y de aquellas epopeyas individuales que toman reminiscencias de cintas de la talla de “Sunset Boulevard”.

“Romeo is Bleeding” tiene muchos elementos que podrían situarlo como uno de los mejores filmes independientes de la década del 90´, precisamente de aquellos que surgieron bajo el alero de la productora Polygram (responsables de “Fargo” y de “Cuatro Bodas y Un Funeral” por nombrar algunos logros). El relato de esta película es vertiginoso, cuyo crédito va para el editor Walter Murch (“Apocalypse Now”, “El Paciente Inglés”) y también para giros argumentales que penetran como una bala en la mente. Además, Oldman se luce como un antihéroe de poca monta que vive de inciertos sueños y que finalmente traiciona a todos quienes le rodean. Pero los bonos de este filme suben aún más con la presencia de Lena Olin, quien nos ofrece un tour de force interpretativo a través de su personaje Mona Demarkov. Su peligrosa sensualidad y frío carácter la convierten en una de las mejores asesinas del cine contemporáneo y en un nuevo arquetipo de femmes fatales heredero del estilo de Lana Turner y de Rita Hayworth.

La filosofía de la calle y de un policía que colinda con los engaños de la mafia están presentes en cada línea de la historia de “Romeo is Bleeding”. De la boca de Jack Grimaldi salen frases ingeniosas y probablemente la mejor de ellas es cuando se refiere al vínculo que se produce entre una persona que ha disparado a otra y viceversa. Al escuchar dichas palabras se logra entender mejor la esencia de este filme de perdedores, si bien al final proyecta cierto optimismo en medio de un melancólico y adusto paisaje. Las últimas imágenes se amparan en un protagonista que termina esclavo de retratos de fantasmas y de recuerdos casi olvidados.

La primera vez que tuve la experiencia de “Romeo is Bleeding” fue gracias a un roñoso videoclub de barrio. En una estantería me llamó la atención una carátula de video con la cara de Oldman junto a los ojos penetrantes de Lena Olin. Pasaron los años y el impacto de este filme permaneció en mi memoria hasta que nuevamente lo encontré en un local parecido al de la primera vez. A veces creo que uno no selecciona las películas, sino que éstas lo escogen a uno. “Romeo is Bleeding”, sin duda, llegó a mis manos en el lugar y momento oportuno.

“Romeo is Bleeding” es cine negro a colores, con un Gary Oldman en el peak de su carrera como actor junto a una asesina que sólo tiene fuego en las entrañas. Peter Medak demuestra que es un hábil cineasta, sobre todo al contar con trabajos tales como “The Changeling”, excelente película de terror y una de las mejores en cuanto al subgénero de casas embrujadas se refiere. La reflexión final está en que vale la pena redescubrir y analizar “Romeo is Bleeding”, ya que es uno de esos filmes que sitúan al cine como lo que debiera ser, es decir, historias e imágenes de la condición humana sin adornos y vacíos. ¡Imperdible, genuina y entrañable!

Título: “Romeo is Bleeding” / Director: Peter Medak / Año: 1993 / Intérpretes: Gary Oldman, Lena Olin, Anabella Sciorra, Juliette Lewis y Roy Scheider.

2011-03-27T12:50:00.000-07:00

De repente…Elizabeth Taylor

Cuando supe que Elizabeth Taylor había fallecido pensé en todas aquellas leyendas del cine que han pasado a mejor vida. Que triste darse cuenta de que todos aquellos talentos del celuloide, precisamente del viejo Hollywood, se han ido o bien están muy cerca de tener que enfrentar dicho final irremediable. Con el fallecimiento de Taylor se apaga la llama de una de las últimas leyendas del cine clásico estadounidense, si bien su recuerdo permanecerá a través de un abultado legado cinematográfico que incluye la elogiada “La Gata sobre el Tejado de Zinc Caliente”, la perturbable “¿Quién le Teme a Virginia Woolf?” y la extravagante “Cleopatra”, entre muchas otras películas fundacionales del cine del siglo XX.

Para recordar a la actriz de los sublimes ojos violeta me quiero detener en la filosa “De Repente El Verano” (Suddenly, Last Summer), uno de los mejores filmes basados en una obra de Tennessee Williams (“Un Tranvía Llamado Deseo”, “La Noche de la Iguana”). En esta película, dirigida por Joseph L. Mankiewicz, Taylor encarna a una perturbada mujer que fue testigo de la extraña muerte de su primo. Temáticas tales como la homosexualidad, el canibalismo, la hipocresía de la aristocracia, la locura y la sexualidad reprimida son los principales elementos de un filme provocador y que se sustenta principalmente en la interacción de su trío protagónico (Taylor, Montgomery Clift y Katharine Hepburn).

Los personajes de las obras de Williams se mueven generalmente en el terreno de la locura. Son hombres y mujeres que viven prisioneros de sus convencionalismos y apetitos, casi siempre sexuales, y que además se avergüenzan de aquellas conductas ajenas a su condición social o creencia religiosa. En esta oportunidad, la heroína de Williams está en manos de Catherine Holly (Elizabeth Taylor), cuyo trauma deja entrever cierta relación incestuosa entre su tía Violet Venable (Hepburn), y su difunto hijo Sebastian. La única persona capacitada para escudriñar en la verdad detrás del trauma de Catherine es el Dr. Cukrowicz (Clift), un médico especialista en la realización de lobotomías.

Lo interesante del relato es que éste coloca a la medicina y a determinados procedimientos clínicos como el gran silenciador de psicopatías que son totalmente explicables, pero que para la moral de fines de los 50´ eran sinónimo de tabúes o bien de simples enfermedades que debían ser ignoradas por la alta sociedad norteamericana, en este caso la de una pudiente familia de Nueva Orleans. Pero “De Repente El Verano” también pone atención en el tema de la muerte. El gótico jardín de la casa de los Venable´s no es más que el simbolismo de los secretos que esconde la familia y también evoca lo exótico del lugar en donde pereció Sebastian. A ello se suma la estatua del Ángel de la Muerte, la que personifica al custodio de las excentricidades de la familia Venable y de sus comportamientos distantes de la realidad.

La compleja perturbación de Catherine traspasa la pantalla gracias al talento y precisión de Elizabeth Taylor. Cuando protagonizó este papel apenas tenía 28 años, pero ya era una mujer que había enfrentado varios matrimonios (incluido el prematuro accidente fatal de su tercer marido, el productor Mike Todd). A lo anterior se suma la fragilidad de la actriz, quien también era consciente de su iconográfica belleza y de los tormentos personales de muchas de sus amistades, las que tenían más de alguna semejanza con la película del mismo director de “La Malvada”.

Para quienes deseen interiorizarse en el legado de Elizabeth Taylor ver y analizar “De Repente El Verano” puede convertirse en un recomendable primer acercamiento a una de las últimas leyendas del cine (sólo comparable al estatus de James Dean, Paul Newman y Marilyn Monroe). Sin duda, Elizabeth Taylor fue una actriz que no titubeó al tomar riesgos artísticos, los que siempre encaró con elegancia y estilo, y en ese sentido “De Repente El Verano” es uno de los puntos más altos de su carrera. Me dio mucha tristeza enterarme que aquellos ojos violetas se iban para siempre, pero al verlos nuevamente en la pantalla los sentí tan vivos e intensos como antes. Si miran con atención el cielo en la noche verán el brillo de una nueva estrella. Es Liz, quien nos recuerda su gran humanidad, su increíble belleza, pero por sobre todas las cosas, su inmortal talento. “De Repente El Verano” es un pequeño testimonio de aquellas grandes características.

Título: “De Repente El Verano” (Suddenly, Last Summer) / Director: Joseph L. Mankiewicz / Intérpretes: Elizabeth Taylor, Montgomery Clift, Katharine Hepburn / Año: 1959.

2011-03-07T17:19:00.000-08:00

Inside Job: “advertencia cruda y dolorosa”

Charles Ferguson obtuvo el Oscar al Mejor Documental este año por “Inside Job”. El premio fue más que merecido para este realizador y economista norteamericano, quien en menos de dos horas logró explicar las causas de la crisis económica mundial de 2008. Lo interesante es que dicha tarea la consiguió con precisión quirúrgica de la mano pocos recursos audiovisuales. En vez de los golpes efectistas al estilo de Michael Moore, Ferguson privilegió la investigación, la narración y el reporteo duro, en donde los propios entrevistados, a través de sus silencios y la falta de argumentos, dan cuenta de la perversión detrás del sistema económico estadounidense.

“Inside Job” es la historia de un crimen, quizá el más grande de los últimos 50 años. ¿Responsables? ¡Muchos! Ferguson lo sabe y con su cámara aprovecha la oportunidad de mostrar a cada una de las entidades bancarias y ejecutivos que condujeron a miles de personas en todo el mundo hacia el desempleo. A lo anterior se suma la atónita influencia de Wall Street en las últimas administraciones de la Casa Blanca, lo que produjo el terreno fértil para la desregulación y, por ende, el desplome del sector financiero occidental a partir de una burbuja financiera imposible de sostener.

JP Morgan, Credit Suisse, Riggs Bank, Merril Lynch, Citigroup, Goldman Sachs, Morgan Stanley y UBS, entre otros, son algunos de los perpetradores de este crimen, cuyas herramientas fueron la especulación, la desregulación sin límites, el apalancamiento sin sustento y la comercialización de volátiles derivados (activos financieros, cuyo valor de cotización se basa en el precio de otro activo). Ferguson despliega toda su habilidad para explicar estos conceptos y las fechorías de los ejecutivos de cada una de las compañías citadas. El tema es complejo, si bien el realizador de “No End in Sight” privilegia por sobre los números la humanización detrás de la teoría financiera.

La ambición incontrolable de cientos de ejecutivos materializada en sus mansiones en The Hamptons (una de los lugares más exclusivos de EE.UU) contrasta con las miles de casas hipotecadas y el creciente desempleo de la clase media estadounidense. Dicho material resalta por su crudeza, si bien los mejores momentos del documental provienen de las entrevistas. Es impresionante ver a ejecutivos que operan como verdaderas mafias, quienes transitan con absoluta indiferencia entre cargos públicos y privados. Alan Greenspan, el llamado gurú de la economía moderna, no es más que un viejo decrépito que vive obcecado por la desregulación financiera. A su vez, Larry Summers y Henry Paulson, ex – secretarios de la Tesorería de EE.UU., han sido verdaderos matones financieros que aún hoy no sienten vergüenza por las millonarias indemnizaciones e ingresos que han recibido a lo largo de sus respectivas carreras.

“Inside Job” evidencia el origen, los síntomas, las advertencias y la enfermedad de la economía contemporánea sin la necesidad de recurrir a teorías socialistas. De ninguna manera es un ataque al capitalismo y tampoco pretende serlo, sino más bien se centra en la necesidad de poner límites a un sistema económico, cuyo soporte (todos nosotros) pide a grito una mayor supervisión. Incluso, Ferguson va más allá al plantearnos un nuevo cuestionamiento en el último tercio de su documental, el cual corresponde al conflicto de interés entre asesores financieros y la educación superior norteamericana. Lo más llamativo es que en lugares como Harvard, universidad que constantemente se jacta de sus altos estándares éticos, aceptan como profesores a economistas y asesores financieros involucrados directamente con la crisis financiera de 2008.

Este magro panorama demuestra la volatilidad de los preceptos morales en todos los estamentos de la sociedad estadounidense, sobre todo cuando Ferguson demuestra que ni siquiera una persona como Barack Obama y su eslogan de cambio son capaces de hacer frente a los vicios que se arrastran desde la época de Ronald Reagan.

“Inside Job” no sólo es un material obligatorio a nivel cinematográfico, sino también un documento audiovisual sobre el ámbito económico de hoy. Lo más triste es darse cuenta de que tal vez otra burbuja financiera, ya sea en el mediano o largo plazo, va a reventar en nuestras caras probablemente con un impacto mucho más nocivo. Ferguson tiene claro dicho panorama, sobre todo al señalar que los ejecutivos que propiciaron la crisis económica continúan impunes. De este modo, “Inside Job” es una advertencia clara, pero también muy dolorosa sobre un sombrío futuro que está a pocos pasos de nosotros, es decir, a la vuelta de la esquina.

Título: Inside Job / Director: Charles Ferguson / Narrado por: Matt Damon / Año: 2010.

2011-02-19T19:14:00.000-08:00

“El Discurso del Rey”

Este es un perfecto ejemplo de filme oscarizable. Actuaciones conmovedoras, momentos de excesiva solemnidad, una puesta en escena exquisita hasta en el más mínimo detalle, un elenco fogueado hasta la médula en filmes de época y con varios premios a cuestas, y para rematar una historia a lo película de Hallmark Channel, es decir, basada en hechos reales. Debo decir que cuando vi el filme hubo escenas con las que me emocioné, lo que suele suceder ante aquellas historias que hablan de la superación, en este caso de la tartamudez del futuro rey Jorge VI en los años previos a la Segunda Guerra Mundial.

Las mejores escenas de “El Discurso del Rey” son aquellas en que el futuro monarca es tratado por un experto en dicción. Sin duda que la química entre Colin Firth y Geoffrey Rush se siente en sus intervenciones. La relación entre ambos es auténtica, visceral y muy llamativa por tratarse de la interacción entre un noble y un plebeyo, situación que aún en los tiempos de hoy es un tema que atrae fuertemente a las audiencias (“La Reina”, “Elizabeth”). Sin embargo, al estar frente a estos verdaderos duelos interpretativos sentía que esta relación paciente – médico la había visto en otros contextos y con otras caras. Los fantasmas de Robin Williams y Matt Damon en “Busco mi Destino” y de Judd Hirsch y Timothy Hutton en “Gente como Uno” se me venían a la mente mientras veía a Firth y Rush, lo que me hizo pensar en lo increíblemente sugestivas y convencedoras que son las historias de este tipo.

Como espectadores nos sentimos conectados con personas que deben vencer sus temores y traumas, sobre todo si se trata de algún impedimento de carácter físico. Con “El Discurso del Rey” no podemos quedar ajenos a las dificultades de quien vive bajo la sombra de un severo padre, además de la incertidumbre de un pueblo ante la amenaza de las huestes de Hitler en Alemania. Sin embargo, y por muy interesante que sea ver algunos de los episodios más oscuros para la monarquía británica (el bullado romance entre el rey Eduardo VIII con Wallis Simpson), el filme favorito de la próxima entrega de los Oscar es una obra que huele más a fórmula que a cine.

En el filme, ya sea en forma consciente o inconsciente, todo está cuidadosamente orquestado. Cada escena está filmada con excesiva pulcritud, en especial aquella en que el rey Jorge VI se enfrenta a su gran prueba ante toda una nación que anhela escuchar sus palabras. Reconozco que me conmoví con la secuencia final del filme a la que se le sumó el acompañamiento musical de la séptima sinfonía de Beethoven, pero cuando me quedé frente a los créditos finales también pensé en lo manipulador de dicho cierre. Por eso, creo que “El Discurso del Rey” más que un ejemplo de cinematografía corresponde a una estrategia audiovisual para las grandes masas, quizás para las mismas que consideraron sublimes películas como “Chicago”, “Shakespeare in Love”, “Una Mente Brillante” y “Crash”.

Tampoco quiero ser injusto. Esta es una película que vale la pena ver y que seguramente agradará a muchos amantes del cine. Es una obra entretenida y muy bien interpretada (más que justa la nominación de Colin Firth al Oscar como mejor actor). Tom Hopper, el director, reúne un casting de ensueño y demuestra su gran capacidad para retratar historias de época (la miniserie John Adams). Sin embargo, me gusta creer que uno va al cine por aquellas obras que permanecen en la memoria, incluso aún después de haber abandonado la sala de cine. A mí, lamentablemente, no me sucedió.

Título original: The King´s Speech / Director: Tom Hooper / Intérpretes: Colin Firth, Helena Bonham Carter, Geoffrey Rush, Guy Pearce, Michael Gambon, Jennifer Ehle y Derek Jacobi / Año: 2010.

2011-02-13T18:34:00.000-08:00

Temple de Acero

El “Temple de Acero” de Henry Hathaway respira y se siente a John Wayne. Es un buen filme con excelentes secuencias, si bien se debe tomar en cuenta como una obra para el lucimiento de una de las leyendas más imperecederas del cine. Nadie duda del valor de Wayne y de su rol clave para el desarrollo del western norteamericano (su colaboración con John Ford). Wayne era un actor que tenía una gran presencia en pantalla y junto a su característica voz hoy es considerado como uno de los íconos del patrimonio cinematográfico mundial. Sin embargo, también fue uno de los símbolos del patriotismo estadounidense y de los valores políticamente correctos (siempre bajo la influencia del conservadurismo del partido republicano). Esas características están presentes en su caracterización de Rooster Cogburn, las que probablemente han envejecido prematuramente el “Temple de Acero” del siempre solvente Hathaway.

Es difícil apreciar en su justa medida la versión de 1969, cuya mejor definición podría ser entretenimiento puro. Es un filme más blanco y distante si lo comparamos con los western crepusculares de Anthony Mann (Winchester 73, El Hombre de Laramie), quien se atrevió a explorar un poco más en la dualidad entre los grises del ser humano.

El “Temple de Acero” de los hermanos Coen está más cerca de las preocupaciones de Mann que de la nobleza de la versión de Wayne. Los Coen fueron más lejos, ya que tomaron la novela homónima en la que se basa el filme para transformarlo en la nueva visión de una cruda y vengativa historia que sucede entre pecadores y justicieros en distintos grados. Lo anterior no es casualidad, ya que dicha connotación representa las motivaciones de casi toda la filmografía de los creadores de “El Hombre que Nunca Estuvo”.

Joel y Ethan Coen han logrado en muchas oportunidades revitalizar el cine contemporáneo por medio de relatos que se identifican con el humor negro y el suspenso, y en donde sus personajes suelen estar sujetos casi siempre a un destino trágico. Los hombres y mujeres de los filmes de los Coen suelen pagar sus faltas. No hay malos o buenos, sino la ambivalencia entre ambiciones, egoísmos y venganzas. Su versión de “Temple de Acero” sitúa dichos elementos en el viejo oeste, en polvorientos pueblos que cobijan la mezquindad de justicieros y en páramos que esconden a ladrones de poca monta. Esta es la historia de una venganza en manos de una obstinada y madura joven que busca al asesino de su padre. Para llevar a cabo dicha misión contrata a Rooster Cogburn, un alcoholizado U.S. Marshall a quien se suma un orgulloso texas ranger.

“Temple de Acero” es un filme sobre la aniquilación sin límites morales. Es la justicia ciega sin predicamentos, tan pueril como inclemente en la tosquedad de un terreno incivilizado en donde quien desenfunda más rápido es el ganador indiscutido. Jeff Bridges proporciona a su Rooster Cogburn la simplicidad del hombre de ley que ha llevado a la tumba a innumerables forajidos, pero también representa la complejidad de quien ha bailado con el Diablo y con Dios, y de quien también ha sido protagonista del salvajismo del ser humano.

En el último filme de los hermanos Coen todos pagan su deuda, incluso quienes disfrazan la venganza de justicia. Esta es una cinta que podría considerarse una variación, aunque lejana, de “Fargo” y de “Sin Lugar para los Débiles”. Estamos ante uno de los mejores estrenos del año con un Jeff Bridges en su peak como actor junto a un Matt Damon que se consolida como el gran intérprete que es. A ello se suma el asombroso despliegue de talento de Hailee Steinfeld, quien con apenas 14 años sustenta el hilo conductor de un filme complejo y de muchos símbolos que nos demuestra que el western aún tiene unas cuantas cabalgatas y disparos que dar. "Temple de Acero" es, sin duda, la película menos oscarizable de la temporada (superior a la sobrevalorada Red Social de Fincher), pero la que más merece, y por lejos, el Oscar a la Mejor Película de 2010. ¡Ojala que la Academia no se equivoque esta vez!

Título original: "True Grit" / Director: Joel y Ethan Coen / Intérpretes: Jeff Bridges, Matt Damon, Josh Brolin, Hailee Steinfeld y Barry Pepper / Año: 2010.

2011-02-06T07:24:00.000-08:00

“The Office”

El debut de Michael Scott en “The Office”, el 24 de marzo de 2005, podría ser considerado como la arremetida del submundo de las oficinas corporativas en la televisión occidental. Sin restarle importancia a la versión original del inglés Ricky Gervais -quien también es productor ejecutivo de la edición estadounidense-, “The Office U.S.” ha conseguido captar la esencia del trabajo diario que se experimenta en una oficina. Obviamente todo este universo de cubículos y reuniones innecesarias está retratado en tono de comedia, si bien deja entrever unas cuantas verdades que suelen experimentar millones de trabajadores en todo el mundo.

En cada capítulo de esta serie somos testigos, en formato docureality, del día a día de los trabajadores de la compañía papelera Dunder Mifflin, específicamente de la sucursal de Scranton. Sin duda, uno de los aspectos notables de esta serie está en sus protagonistas. Algunos de ellos son más caricaturescos que otros, si bien todos representan arquetipos que son propios de las oficinas de cualquier rubro.

En alguna medida, todos nos hemos topado en nuestras oficinas con compañeros de trabajo incompetentes y que pierden el tiempo en constantes nimiedades. También nos ha tocado enfrentar situaciones absurdas e incómodas con clientes y que de una u otra forma provienen de la ausencia de criterio y sentido común. “The Office” aglutina todas estas situaciones y experiencias, y de pasada se hace cargo del sin sentido que puede prevalecer en un lugar de trabajo.

Michael Scott puede ser considerado el tipo con menos criterio del planeta, cuyos comportamientos se sustentan en su inseguridad, egolatría y búsqueda constante de aceptación. Pero a pesar de sus faltas, uno no puede quedar ajeno a cierta sabiduría inconsciente detrás de sus actos. No siempre sucede, pero quien observa con detención la serie podrá apreciar que las acciones de Michael Scott y de sus empleados pueden servir de ejemplo para cualquier taller de habilidades comunicacionales o de crisis corporativa (más para ejemplos malos que buenos). Cada capítulo de “The Office” se basa en situaciones exageradas, pero que igualmente son totalmente verosímiles.

Cuando veo “The Office” me es imposible no asociarla a personas que he conocido en mi trabajo o bien a situaciones que me ha tocado enfrentar en mi vida laboral, ya sea con mis compañeros o clientes. Por ejemplo, una vez me ascendieron al mismo cargo dos veces (situación incomprensible e hilarante) y en otra ocasión tuve una jefa que decía que Los Simpson eran la encarnación del mal. Por estas razones o coincidencias entre ficción y realidad, considero que “The Office” es una de las series a las que más le tengo cariño porque es demasiado cercana y real. Dunder Mifflin podrá ser un caos, un cóctel de infinitas carcajadas y momentos embarazos, pero a quién no le gustaría trabajar en un lugar así de loco y divertido durante unas semanas. Michael Scott es irresponsable y poco acertado en sus decisiones, pero finalmente es el líder de una oficina repleta de personajes entrañables.

Nunca me había reído u obsesionado tanto con una serie. Los capítulos están muy bien escritos y resueltos, y cuando te enfrentas a la experiencia de ver una temporada completa, lo único que deseas es seguir viendo las aventuras de Michael y compañía. A lo anterior se suma la cualidad del docureality, que aunque en este caso sea simulado logra incrementar la complicidad entre los protagonistas de la serie y el espectador.

Cómo no dejar de reír con las excentricidades de Dwight, la turbiedad de Creed, los arrebatos de Michael, la ira de Andy o la rigidez de Angela. Tampoco podemos quedar ajenos a la relación entre Pam y Jim, quienes han cimentado uno de los romances, y en esto coincido con otros fanáticos de la serie, más auténticos de la televisión por cable (legendario es el capítulo del matrimonio).

Cuando pienso en “The Office” recuerdo al instante cada uno de sus capítulos. El simulacro de incendio de Dwight, los premios dundies, la quiebra de Dunder Mifflin, el fugaz éxito de Ryan, la partida y retorno de Toby Flenderson, el día en que Michael atropella a Meredith y tantos otros momentos que con sólo recordarlos me producen una gigante sonrisa en el rostro.

“The Office” es un evento social que hoy ya tiene su sitial en la cultura pop. Vale la pena ver esta serie por sus infinitas cualidades, entre ellas, el notable trabajo de Steve Carrell como Michael. A título personal considero que esta es la mejor serie cómica que he visto en años y uno de los grandes aciertos de la televisión estadounidense. Quien vea un capítulo de “The Office”, estoy seguro, no quedará ajeno a esta espectacular y absurda experiencia.

Título: The Office / Intérpretes: Steve Carrell, Rainn Wilson, John Krasinski, Jenna Fischer, B.J. Novak, Leslie David Baker, Brian Baumgartner, Angela Kinsey, Phillys Smith, Kate Flannery, Mindy Kaling, Creed Bratton, Oscar Nuñez, Paul Lieberstein, Ed Helms, Carig Robinson, Melora Hardin, Amy Ryan y Ellie Kemper. / Temporadas: 1-2-3-4-5-6-7 / Estudio: NBC – Universal.

2011-01-14T17:35:00.000-08:00

“Más Allá de la Vida”

Con su última película Clint Eastwood expande su filmografía hacia nuevos ámbitos. A pesar de contar con más de 30 películas como director en el cuerpo y el estar en una edad en la que la mayoría de los cineastas consideran el retiro (80 años), el realizador de “Río Místico” desarrolla un relato que profundiza en la trascendencia después de la muerte. Es natural que en esta etapa de su vida Eastwood se sienta atraído por historias más audaces y que en esta ocasión se alimenta de lo paranormal, además de cierta contemplación y ritmo que está más arraigada en el cine europeo que en el americano.

Eastwood sabe cómo emocionar, más aún cuando lo hace a partir de una brutal secuencia que recrea el tsunami de Indonesia en 2004. A partir de ese trágico momento se presentan en paralelo las experiencias de tres personas que han tenido que lidiar con la idea de un posible “más allá”. Una periodista que sobrevive al tsunami, un psíquico que tiene el don de hablar con los muertos y un niño que debe enfrentar la pérdida de su hermano gemelo son los protagonistas de sucesos carentes de lógica, pero que también son avalados por la fe y la ciencia.

El cine de Eastwood es delicado y preciso. Con pocos recursos es capaz de sostener películas que sobresalen por la elegante forma que tienen para desarrollar sus conflictos. No hay apuros, las escenas se toman su tiempo y hay espacio para el diálogo, además de una autenticidad reflexiva y adulta. Hoy el espectador lamentablemente se desenvuelve en el infantilismo cinematográfico. Queda poco espacio para mostrar aquellas cualidades que hicieron al cine una manifestación tan especial en sus inicios. Por eso, Eastwood podría ser considerado uno de los pocos bastiones que protegen la identificación del espectador con lo que ve en la pantalla. “Más Allá de la Vida” consigue dicha conexión, ya que todos en alguna oportunidad de nuestras vidas hemos reflexionado acerca de la muerte, de lo efímero que es nuestra desamparada existencia y de aquellas interrogantes que de una u otra forma siempre nos acechan, a veces en forma de pensamientos fugaces o bien en nuestra propia cotidianeidad.

A nivel de comentario más personal puedo decir que con “Más Allá de la Vida” me conecté de inmediato, algo que me suele suceder con la mayoría del cine de Eastwood. La obra de esta leyenda viviente me ha acompañado siempre y cuando en el cine veo en los créditos el nombre de Malpaso (la productora de Eastwood) sé que estoy a punto de ser testigo del talento de un autor muy especial y que desde mi humilde punto de vista se ha convertido en el heredero indiscutible del gran cine americano clásico (al nivel de John Ford y Sidney Lumet).

“Más allá de la Vida” es un buen testimonio sobre un filme que se la juega por sus personajes y por historias que conmueven por su honestidad, sin olvidar el cariño y la pasión de Eastwood al filmarlas. Es interesante ver el punto de vista de un director sobre la muerte, más aún cuando proviene de una persona que se encuentra en plena etapa crepuscular. Sin embargo, el público puede quedarse tranquilo porque Eastwood ha dicho que no pretende retirarse y actualmente está desarrollando nuevos proyectos, entre ellos, un biopic sobre J.Edgar Hoover. En una crítica sobre “Gran Torino” señalé que mi gran temor era la edad avanzada de Clint Eastwood, pero al ver los nuevos terrenos en los que profundiza me quedo más tranquilo. Es cosa de ver el ejemplo del cineasta portugués Manuel de Oliveira, quien con más de 100 años continúa dirigiendo. Como pueden ver el cine tiene algo especial que logra energizar tanto a cinéfilos como a los creadores de esta gran industria. Este ejemplo me hace reflexionar que sin duda Eastwood tiene mucha energía para seguir sorprendiéndonos. “Más Allá de la Vida” es un filme totalmente recomendable para estas cálidas noches de verano, sobre todo porque contiene la perspectiva de un curtido autor y la jovialidad de un atrevido realizador. ¡Imperdible!

Título original: “Hereafter” / Director: Clint Eastwood / Intérpretes: Matt Damon, Cécile De France, Bryce Dallas Howard, Jay Mohr, Frankie McLaren, George McLaren y Marthe Keller / Año: 2010.

2011-01-03T07:50:00.000-08:00

Incident at Loch Ness

Ver a un cineasta venerado como Werner Herzog en momentos triviales de su ámbito privado puede transformarse en una experiencia más que deleitable para cualquier cinéfilo, sobre todo si se trata de un realizador a quien muchos consideran uno de los auténticos filósofos del cine. En “Incident at Loch Ness” podemos presenciar aquellos momentos y mucho más a través de un documental que combina el mito con la farsa descarada.

Con la premisa de un documental del realizador alemán sobre Nessie, aquel extraño mito del monstruo marino escoses que ha deleitado a generaciones de científicos y exploradores, nos adentramos en una pieza audiovisual delirante en ideas. A esto se incluye un documental en paralelo sobre el propio Herzgov y su proceso creativo, que medio en broma y medio en serio contribuye a humanizar la leyenda detrás del realizador de “Fitzcarraldo”.

En “Incident at Loch Ness” podemos ver a Herzog en la intimidad de su casa mientras cocina yuca (tubérculos de origen peruano) a reconocidas celebridades o cuando sale a comprar a un supermercado gillettes para afeitarse. La sola imagen de Herzog confundido ante la gran variedad de gillettes es una experiencia extraña, ajena e incluso algo ridícula, pero también poderosamente fascinante.

Junto a Herzog está Zach Penn, quien es el productor de esta nueva aventura (y también el director de “Incident…”). Lo interesante está en que Penn es la antítesis de Herzog, ya que es la encarnación de la industria, del espectáculo, en definitiva, del maquillaje y del efecto. En cambio, el director de “Cobra Verde” es el autor-defensor de la narrativa cinematográfica real y sin ornamentos. El antagonismo de estas fuerzas termina por hundir, literalmente, el proyecto de Herzog. Poco a poco nos adentramos en las discusiones y en las sandeces que suceden entre los miembros de esta fallida expedición, quienes son personalidades de la industria.

Debo confesar que hace años que no me reía tanto gracias a un documental. Ni siquiera con las cruzadas personales de Michael Moore he sentido dicho efecto. La razón está en que es muy raro ver el registro de fracasos fílmicos en documentales. Lo más cercano ha sido “The Man of La Mancha”, donde Terry Gilliam (“Brazil”) expuso los macabros acontecimientos que entorpecieron su visión sobre el Quijote junto a Johnny Depp. En “Incident…” este fenómeno va más lejos, porque aunque se trate de un mockumentary (un documental falso disfrazado de verdadero) nos reímos de los problemas que a veces tienen que enfrentar las producciones cinematográficas, en donde sus integrantes tienen que convivir entre diversos egos, obsesiones y, a veces, con delirios de grandeza.

“Incident…” es un producto atípico e hilarante, pero que más allá de las carcajadas que origina hace una crítica descarnada sobre el cine y sus protagonistas. Hay momentos en donde Herzog abiertamente se burla de sí mismo (espectacular el testimonio cuando amenaza a su productor), o cuando un criptozoólogo (un estudioso de animales ocultos) le roba cámara al director de “Encounters at the end of the World”. Todos los que alguna vez hemos trabajado en un cortometraje hemos vivenciado momentos de caos y de mucho delirio porque finalmente en el desarrollo del cine, o de cualquier producto audiovisual, hay algo de cirquero y de improvisación.

En medio de la bruma de los lagos escoceses surge una verdadera joya de los mockumentary, la que lamentablemente pasó desapercibida en los circuitos de cinéfilos latinoamericanos (para que hablar de Chile). “Incident at Loch Ness” es una gran broma, por lo demás muy bien resuelta, pero también es una crítica solapada sobre la excesiva ficción con la que convivimos en nuestros días. ¡Una gran experiencia que hay que tomar en cuenta!

Título original: “Incident at Loch Ness” / Director: Zach Penn / Productores: Zach Penn y Werner Herzog / Año: 2004.

2010-12-29T13:17:00.000-08:00

The Day of the Jackal

Para la última crítica del año traté de pensar en algún filme preferido, de esos que están en mi lista de los top ten o bien de aquellas películas que considero que deben ser vistas antes de morir, y que además siempre han contado con mi cariño y aprecio. La elección fue “The Day of the Jackal”, aquella obra crepuscular de un asertivo Fred Zinnemann y un ejemplo de meticulosidad cinematográfica tanto en el plano sonoro como visual.

El filme, basado en la novela homónima del popular Frederick Forsyth, sigue a “El Chacal”, un asesino a sueldo interpretado con frialdad magistral por el inglés Edward Fox (probablemente en el rol de su vida). La trama se centra en su misión más importante que es eliminar nada menos que al primer ministro francés, Charles de Gaulle, quien a principio de la década del 60` contaba con varios detractores que se opusieron a su decisión de aprobar la independencia de Argelia (hasta ese momento una de las colonias más grandes de Francia).

Estos antecedentes ambientan en gran parte el tono del filme, el que se construye en torno a los mejores elementos del cine de suspenso. Pero Zinnemann va más allá de las credenciales y exigencias de cualquier buen thriller, ya que elabora un filme extremadamente audaz en su planteamiento visual y narrativo. Privilegia la preparación de “El Chacal” con todos sus silencios. Con una cámara que colinda con el voyerismo vemos todo lo que hace el asesino. Lo observamos cuando estudia y planifica su último trabajo, y también contemplamos su autocontrol cuando cruza fronteras de Europa con la ayuda de falsas identidades.

En “The Day of the Jackal” la imagen reemplaza al diálogo y lo magistral está en que logramos conocer a su protagonista, gracias a sus actitudes y reacciones. Nunca sabremos quién es o cuál es su nombre verdadero, pero eso no importa porque la cámara consigue interpretar lo que piensa. “El Chacal” se mueve en el mundo como una pieza de ajedrez, cuyo oponente es el legendario actor francés, Michael Lonsdale.

Fred Zinnemann, a quien le debemos aquella gran obra que es “A la Hora Señalada”, se mueve a través de planos extensos, que a veces pueden ser extenuantes, si bien en ellos está su valor como cineasta. Estamos ante un filme que a medida que transcurre va sumando más suspenso. Como espectadores sentimos la ansiedad de los protagonistas, sean estos buenos o malos. También empatizamos con “El Chacal”. Queremos que cumpla su objetivo, sobre todo después de haber presenciado su inquebrantable disciplina y dedicación. Incluso, aunque anticipemos el final de la película nos tragamos el cuento de que la vida de Charles de Gaulle efectivamente está en peligro. En ese sentido, Zinneman nos vende la historia con convicción.

A fines de los 90` Universal Pictures consideró que era tiempo de estrenar un remake de “The Day of the Jackal”. Así, lo que podría haber sido una promesa se transformó en un producto infame titulado “The Jackal” (1997) en donde Bruce Willis se quedó con el rol de “El Chacal”. A dicha propuesta se sumó Richard Gere y una de las últimas apariciones del legendario Sydney Potier. Lamentablemente, y como suele suceder con los remakes, se olvidaron de la esencia del filme original. Aquí el asesino se transformó en una caricatura y la pirotecnia técnica se comió cualquier rastro de suspenso. Recuerdo que cuando asistí al estreno de esta “actualización” me dije a mí mismo que podía ser un producto distinto y que se le podía dar una oportunidad, pero la verdad resultó ser más triste. Sólo encontré un bodrio que en ningún sentido le rendía honores al original y que al final sólo tenía un alcance de nombre con el filme original.

Este ejemplo, sin duda, nos hace valorizar aún más al “The Day of the Jackal” de Zinnemann. También nos demuestra que los thrillers antes eran más inteligentes y más astutos. Considero que este filme es una gran obra cinematográfica que conserva en forma intacta su elegante narración audiovisual. Incluso, voy más allá al afirmar que es difícil como espectador quedar indiferente a su impacto visual y, más que nada, a la forma en que juega con el suspenso. Estamos ante una obra sugerente, compleja y esencial. Imperdible con ganas y un broche de oro para terminar el 2010 con buen cine.

Título original: “The Day of the Jackal” / Director: Fred Zinnemann / Intérpretes: Edward Fox, Michael Lonsdale, Derek Jacobi / Año: 1973.

2010-12-17T10:22:00.000-08:00

Contacto en Francia

Dirigido por William Friedkin, el filme que catapultó a la fama mundial a Gene Hackman fue una de las obras setenteras que durante su estreno disfrutó de gran prestigio y de varios premios, si bien como producto audiovisual no ha logrado envejecer como se hubiese esperado. También se debe tomar en cuenta que este filme hoy convive con grandes epopeyas de la escala de “Heat” (1995, Michael Mann), película que es parte de trabajos policiales más sofisticados que probablemente se acercan a la perfección. Sin embargo, y dejando de lado cualquier tipo de comparación, es indudable que “Contacto en Francia” es una película demasiado entretenida y que aún sobresale por ciertas secuencias y personajes.

Friedkin siempre ha sido considerado como uno de los realizadores más reconocidos de “Hollywood Town”, si bien su fama de cascarrabias, manipulador y controlador excesivo, a lo que se suma el estruendoso fracaso de algunos de sus trabajos (“Sorcerer” y la controversial “Cruising” con Al Pacino), han afectado seriamente su carrera como director, en especial durante la última década. Pero a pesar de las malas decisiones y de sus problemas de carácter, el talento de Friedkin en “Contacto en Francia” tiene bastante valor. El realizador de “El exorcista” creó un filme con atmósfera que huele y que se siente a calle. Cada avenida, almacén y callejón condensa la crudeza del trabajo policiaco, en este caso de la rutina diaria de Popeye Doyle (Gene Hackman) y de su compañero Buddy Russo (Roy Schrider).

La convivencia de Doyle con los bajos fondos proporciona a “Contacto en Francia” cierto carisma en su puesta en escena, ya que pone al espectador ante una fauna de variopintos personajes que incluye drogadictos, gansters, informantes y prostitutas. Finalmente, es en este submundo donde Doyle descubre una red internacional de comercialización de estupefacientes que lo enfrenta a Alain Charnier (Fernando Rey). En dicho momento comienza la clásica persecución entre el gato y el ratón, si bien ambos roles se invierten entre Doyle y Charnier a medida que se avanza en el metraje.

Friedkin muestra a Charnier como una poderosa presencia en el encuadre, la que derrocha sofistificación, poder y presencia, y eso se debe en gran parte al talento de Fernando Rey, quien utiliza hábilmente recursos corporales para caracterizar a su personaje (un estilo de vida pulcro y sofisticado en contraposición al desorden, improvisación y falta de higiene que representa Hackman). Doyle aguarda paciente la posibilidad de cualquier descuido de parte de Charnier, lo sigue y lo observa -notable la escena del metro-, pero siempre se le escapa. Estamos ante un duelo (como en “Heat” entre Pacino y De Niro) que destaca por la astucia de sus contendores.

Pero “Contacto en Francia” es un filme más orientado a la violencia y a la acción pura, y quizá aquella característica lo ha debilitado en los últimos años. Estamos ante un filme que contiene profundidad, pero desde el punto de vista del género cinematográfico que representa. Es adrenalina y suspenso visual a partir de códigos y sintaxis audiovisuales que son muy propias del cine americano de los setenta. Sin embargo, el valor de “Contacto en Francia” debe ser comprendido como una saga en dos partes, cuya espesura se puede apreciar en su secuela: “Contacto en Francia II”.

Bajo el alero de John Frankenheimer (“El Candidato de Manchuria” y “Birdman of Alcatraz”), un director más preparado y también más agudo que el propio Friedkin, las aventuras de Popeye Doyle se adentran un poco más en sus obsesiones. Como espectadores probablemente recordamos más la primera parte de esta saga, en especial por la habilidad de Friedkin para las persecuciones en auto (secuencia perfeccionada en forma magistral por Friedkin en “To Live and Die in L.A”). Sin embargo, es en la secuela en donde se pueden encontrar mayor cantidad de complejidades narrativas tanto en Doyle como en Charnier. Así, “Contacto en Francia II” se convierte en una excusa para ahondar en las motivaciones y orígenes de ambos protagonistas.

“Contacto en Francia” (entendido como la unión entre el trabajo de Friedkin y el de Frankenheimer) es una gran saga policial. Es cierto que ha perdido un poco de frescura con los años, pero ante ello hay que comprender que en la cinematografía hay obras que envejecen unas mejor que otras. En todo caso, ambas partes se centran en una entretenida historia de género representativa del estilo de la década del 70`, y que seguramente continuará sorprendiendo a nuevos adeptos.

Título: “The French Connection I y II” / Directores: William Friedkin y John Frankenheimer / Intérpretes: Gene Hackman, Roy Schrider, Fernando Rey, Tony Lo Bianco, Bernard Fresson / Años: 1971 y 1975.

2010-12-07T05:01:00.000-08:00

Two Mules for Sister Sara

La experiencia al ver un buen western puede compararse a la de tomar un whisky de gran calidad. Te deja un gusto que permanece por mucho tiempo y, sin duda, consigue despabilar todos tus sentidos. Este género siempre me ha gustado porque tiene la capacidad para sostener relatos intimistas, además de grandes epopeyas, en un ambiente que representa la lucha por la soberanía del ser humano en un territorio que usualmente es hostil.

La vastedad de la pradera, la habilidad para arriar ganado, el patrimonio de la tierra, la protección de la familia, la nostalgia de las cabalgatas al atardecer, el surgimiento de nuevas ciudades y, finalmente, la conquista del oeste americano son algunos de los principales símbolos del western, el único y genuino género del cine estadounidense que sustentó gran parte de los cimientos de la cinematografía mundial.

Desde los tiempos de “La Diligencia” (John Ford), y mucho antes, el western fue madurando a nivel visual y narrativo. Los clásicos enfrentamientos entre la caballería montada y los comanches dieron paso a historias más íntimas en torno a grandes hacendados, y a temáticas relacionadas con la corrupción de la justicia y las tribulaciones de héroes y villanos, así como la temeridad y cobardía de vaqueros enceguecidos por la codicia. El western es esto y mucho más, sobre todo porque representa el terreno en donde nos podemos encontrar a nosotros mismos, lo que somos y lo que podemos llegar a ser a partir de nuestros miedos y virtudes.

“Two Mules for Sister Sara” contiene algunas de las características señaladas, pero propiamente tal es una comedia contextualizada en un western. También es un `buddy movie`, definición popularizada en los años ochenta con sagas del tipo “Arma Mortal”, pero que para esta película calza perfectamente. Los protagonistas son una monja (Shirley Maclaine) y un buscavidas (Clint Eastwood), quienes deben enfrentar diversas aventuras para ayudar a un ejército de soldados revolucionarios mexicanos en su lucha contra tropas colonialistas franceses. Ambos personajes destacan por sus diferencias y, en particular, por la química entre McClaine y Eastwood. En la época en que se rodó el filme (1970) el realizador de “Los Imperdonables” estaba buscando cimentar su libertad creativa luego de su exitosa participación en la “Trilogía del dólar” (“Por un Puñado de Dólares”, “Por unos Dólares más”, “El Bueno, el Malo y el Feo”), la que fue dirigida por el gran cineasta italiano Sergio Leone.

“Two Mules for Sister Sara” estuvo bajo la batuta de Don Siegel, director que se convertiría en uno de los principales colaboradores e influencias en la carrera posterior de Eastwood, y que actualmente es reconocido por obras de la talla de “Invasores de Usurpadores de Cuerpo”, “Dirty Harry” y “Alcatraz, Fuga Imposible”. Lo interesante de esta obra se encuentra en sus constantes guiños al “Spaghetti Western”, lo que se puede apreciar, por dar algunos ejemplos, en el score de Ennio Morricone y en la utilización de algunos encuadres influenciados por dicho estilo cinematográfico. En cuanto a su historia, esta presenta ciertas deficiencias. Sin embargo, el equilibrio interpretativo entre Eastwood y Maclaine consiguen superarlas. De este modo, son los momentos en que ambos protagonistas comparten escena cuando disfrutamos al máximo del filme, que en manos de otro director y actores podría haberse transformado en una mera declaración de buenas intenciones. “Two Mules for Sister Sara” está lejos de ser un western perfecto, si bien tiene la capacidad para posicionarse como una película entrañable.

Otro aspecto interesante es la caracterización de Eastwood, quien emula en parte al “hombre sin nombre” de las obras de Leone. En “Two Mules for Sister Sara” tiene un nombre (Hogan) y en sus intervenciones es mucho más expresivo, pero finalmente la templanza y actitud de Eastwood son los elementos que han hecho de él, hasta el día de hoy, una leyenda de sí mismo. El veterano actor y director surgió en los sesenta como una alternativa más representativa de la juventud contestataria de aquellos años, la que estaba algo cansada de la figura patriotera y discursiva de John Wayne.

A lo anterior se suma la comicidad de Shirley Maclaine, quien logra enternecer con su disfraz de monja, a la vez que asume la fortaleza y vulgaridad de su verdadera identidad. En 1969 McClaine estaba en el máximo de su popularidad y su talento como actriz le proporcionó a Eastwood la posibilidad de incursionar en nuevos registros como actor.

“Two Mules for Sister Sara” es la aventura de dos personas que son parecidas tanto en sus faltas como en sus virtudes. Aquí no prima la moralidad o las moralejas, pero si el sentido de entretención y espectáculo propio del western, un género que proliferó en la década del 50` (más de 50 producciones al año) y del que hoy apenas se estrenan un par de filmes. El trabajo de Don Siegel nos recuerda la grandeza de las historias de vaqueros, de aquellos que eran esperados por el público cuando debían enfundar su arma. “Two Mules for Sister Sara” es una obra que fácilmente se recuerda con alegría y también con la nostalgia de otros tiempos.

Título original: “Two Mules for Sister Sara” / Director: Don Siegel / Intérpretes: Clint Eastwood y Shirley Maclaine / Año: 1970.

2010-12-03T10:25:00.000-08:00

“Raveneous”

Sin duda que este filme fue una de las obras más inusuales de fines de los 90`. Primero porque su historia se centró en el tema del canibalismo junto con algunos elementos fantásticos ambientados en el año de la guerra entre EE.UU. y México (1846-1848). Otro antecedente de esta película se encuentra en la historia de la célebre “Partida Donner”, una expedición de colonos por las montañas del estado de California y que a causa de las inclemencias del invierno de 1846-1847 recurrieron al canibalismo para sobrevivir. También cabe destacar que “Raveneous” fue dirigido por una mujer, la cineasta Antonia Bird, lo que proporcionó al filme de cierta identidad que no suele verse en este tipo de historias.

“Raveneous” es un filme atípico en muchos sentidos, sobre todo por las características señaladas. Es un producto independiente disfrazado de gran estudio, ya que no tiene grandes estrellas, el score es totalmente experimental (cortesía de Michael Nyman y el ex vocalista de Blur, Damon Albarn) y su resolución dramática está amparada en el humor negro y en el malogrado destino de todos sus protagonistas.

Además de sus cualidades atípicas, “Raveneous” es ante todo un estudio sobre las conductas humanas en un ambiente aislado, en donde convergen los deseos y la lucha de poder entre sobrevivientes. Lo interesante de la historia es su protagonista: el teniente Boyd (Guy Pearce) que vive atribulado por la cobardía que experimenta durante una batalla, si bien debido a ciertas circunstancias logra transformarse en un héroe accidental. A lo largo del relato Boyd vive acongojado por sus miedos, los que consigue superar sólo por medio de la ingesta de sangre y carne humana.

La adicción de “Raveneous” es el canibalismo, y que en otro contexto podría haber sido cualquier tipo de droga. Ambos son condicionantes de la deshumanización y de la pérdida de civilidad del hombre, si bien el canibalismo aporta originalidad al relato, además de algunos guiños al género de terror y de aventuras.

Pero el verdadero punto de partida del filme sucede con la aparición de F.W. Colqhoun (un sólido Robert Carlyle), en quien se pueden encontrar símbolos de la nueva creencia que representa. Es el predicador de una fe sobrenatural que desde su posición de semidiós ve al resto de la humanidad como un recurso tanto necesario como descartable. Son las escenas en que éste manifiesta su nihilismo y desdén hacia el ser humano cuando “Raveneous” alcanza su máximo valor.

La película tiene muchas secuencias destacables, como aquella en que Colqhoun revela sus verdaderas intenciones. Antonia Bird le saca brillo y ritmo al clima de caos de esta escena por medio de persecuciones hábilmente acompañadas por la delirante banda sonora de Nyman y Albarn.

“Raveneous” es una comedia y a la vez un drama con tintes de cine gore. En el año de su estreno (1999) no tuvo buenos resultados en boleterías, pero con el tiempo se ha posicionado como una película de culto. Los personajes que integran esta historia son verdaderos outsideres, cuyas excentricidades conviven con la rutina y la tensión del aislamiento.

El escenario natural de esta historia es el lugar en donde Boyd, a pesar de su rango, es visto como un relegado que carece de respeto. Sin embargo, y a pesar de enfrentar trágicas situaciones, consigue poco a poco reconstituirse como persona, soldado y hombre, hasta el punto de transformarse en un mártir. El sacrificio de Boyd es su única posibilidad de redención, lo que enfrenta al espectador a un final que sobresale por su miseria y, sobre todo, por su elegante ironía. “Raveneous” es la antítesis del cine de hoy, característica que define su perdurabilidad y valor.

Título: “Raveneous” / Director: Antonia Bird / Intérpretes: Guy Pearce, Robert Carlyle, Jeffrey Jones, David Arquette, Jeremy Davis, John Spencer, Stephen Spinella y Neal McDonough / Guión: Ted Griffin / Año: 1999.

2010-11-24T17:44:00.000-08:00

“Los mejores años de nuestra vida”

Conmover a través de un filme es un arte, más aún cuando éste tiene la capacidad de integrar de manera efectiva imagen con narración cinematográfica. Desde que existe el cine los espectadores han visto muchas escenas de profunda tristeza y nostalgia, si bien la mayoría de ellas suelen ser demasiado edulcoradas y comunes. Es verdad que hay gente que es más propensa a emocionarse frente a una película y otras que son más reticentes a la lágrima fácil, pero finalmente la capacidad para producir una respuesta afectiva en los espectadores es un don que pocos cineastas han podido desarrollar con elegancia y estilo.

William Wyler, director que aún hoy genera debates sobre su legado fílmico y, en especial, en su categoría de realizador autor, fue uno de los cineastas que tuvo la virtud de “tocar la tecla” exacta en la emotividad del público. Además, al igual que Kubrick, se desempeñó en casi todos los géneros cinematográficos y a través de algunas de sus películas impuso un estilo propio que hoy es objeto de estudio para críticos y cinéfilos.

En esta oportunidad hablaré sobre uno de los filmes fundacionales de Wyler: “Los mejores años de nuestra vida” (1946), una de las primeras obras sobre el periodo de post- Segunda Guerra Mundial en la sociedad estadounidense. Este filme tiene muchos elementos valiosos, partiendo por la forma en que retrata la readaptación de soldados después de la guerra. En aquella época el ejército estadounidense era visto como el libertador de Europa y del sudeste asiático, cuyos jóvenes soldados eran considerados como verdaderos héroes del mundo libre. Sin embargo, Wyler se atrevió a explorar en sus heridas físicas y, sobre todo, en sus traumas psicológicos.

A lo anterior se sumó cierta influencia del neorrealismo italiano, aquel movimiento fílmico que surgió en la abatida Italia en 1945 y que el realizador Vittorio De Sica popularizó con “El Ladrón de Bicicletas”. La crudeza, el realismo y las problemáticas de la vida diaria se pueden apreciar, en menor medida, en la historia de “Los mejores años de nuestra vida”. Wyler comprendió que el triunfo de su país también implicó muchas pérdidas, y que era el momento de sopesar y entender las secuelas del patriotismo.

A través de este filme, Wyler profundiza en las historias de tres ex combatientes: un capitán en cuyos sueños es acosado por traumas de la guerra, un sargento que vuelve más crítico y cansado de la ingenuidad de los civiles, y un marino que se debe enfrentar tanto a una discapacidad física como psicológica. Entre estos tres hombres crece la amistad en medio de un entorno que sienten ajeno y hóstil. Wyler demuestra su habilidad como director de actores por medio de una historia que habla de las mismas personas, pero también de hombres comunes que después de enfrentar eventos extraordinarios dejaron de ser quienes eran. “Los mejores años de nuestra vida” es un símbolo sobre la destrucción y reconstrucción que experimentaron cientos de soldados junto a las familias que tuvieron que lidiar con dicho proceso. Lo anterior, siempre acompañado de agudos y acertados diálogos que se echan de menos en los dramas contemporáneos.

Wyler incluso va un poco más lejos al dirigir un filme que explora en temáticas que están al filo del conservadurismo de la época de Truman, y que bien podría ser un antecedente lejano de algunas obras antibélicas de los 70` (“Regreso a Casa” de Hal Ashby y “El Francotirador” de Michael Cimino). En todo caso, es importante precisar que “Los mejores años de nuestra vida” no es una película contra la guerra, sino un mensaje sobre la actitud discriminatoria de la sociedad civil, y que en ocasiones se manifiesta como un hábito difícil de cambiar.

“Los mejores años de nuestra vida” habla de aquellos momentos en donde más dolor experimentamos, pero también cuando más nos conocemos a nosotros mismos, ya sea por medio de nuestras vergüenzas, faltas, frustraciones y anhelos.

Este es un filme con muchos simbolismos (partiendo por aquella magnífica secuencia en el cementerio de aviones que evoca las pesadillas de uno de los protagonistas). Es verdad que es una película que privilegia un cierre bastante convencional, y quizá algo esperable, para todos sus protagonistas, pero es en su totalidad como obra donde adquiere su mayor valor e impacto fílmico. Wyler nos conduce por escenas de profundo dramatismo, a la vez que nos adentra en la épica personal de tres soldados que han vuelto a casa junto a la pesada mochila que suelen cargar los sobrevivientes de una guerra. Estamos ante un emblema del cine estadounidense que vale la pena ver y honrar, y que después de más de 60 años aún se mantiene vigente. ¡Imperdible para cualquier cinéfilo que se aprecie de tal!

Título original: “The Best Years of Our Lives” / Director: William Wyler / Intérpretes: Dana Andrews, Teresa Wright, Harold Rusell, Myrna Loy, Fredric March y Virginia Mayo / Año: 1946.

2010-11-03T14:21:00.000-07:00

The Walking Dead

El estreno del primer capítulo de “The Walking Dead” podría significar un nuevo parámetro para la televisión por cable. Primero porque en horario prime debutó una serie de características apocalípticas en donde los zombies son los protagonistas. Lo anterior, era un tema impensado para los convencionalismos de la censura televisiva de hace un par de años, pero ahora es una “oportunidad” para profundizar en la psicología de sobrevivientes en situaciones extremas, como sucedió con “Lost”, y en temas relacionados al fin de la sociedad contemporánea.

El género zombie, hablamos de género porque a esta altura tiene códigos independientes del cine de terror, se masificó en la cultura occidental gracias a George A. Romero, quien con “La Noche de los Muertos Vivientes” utilizó a estos seres como metáforas y críticas hacia la Guerra Fría y la sociedad de consumo. Así, el director de “La Mitad Siniestra” construyó una saga de muertos vivientes que se ha transformado en referencia obligada para cualquier acercamiento a la cultura zombie.

¿Pero qué tienen los zombies que atraen a millones de espectadores en todo el mundo? Seguramente la sobrenaturalidad de estos seres, cuyo origen suele ser indeterminado. También están presentes otros factores, entre ellos, la pérdida de humanidad y moralidad tanto de vivos como de muertos. “The Walking Dead” contiene en su estructura todas estas características, además de una cuidadosa puesta en escena. El nivel de realismo de la serie demostró una gran calidad que se pudo apreciar en la desolación de pueblos y ciudades.

El protagonista de “The Walking Dead” -el inglés Andrew Lincoln- encarna al policía Rick Grimes, quien despierta desconcertado en un mundo ajeno, sin reglas y con pocos humanos. Grimes representa la última señal de orden y de justicia en un mundo en donde la meta es sobrevivir a cualquier precio. Seguramente, el rol de líder de Grimes se va a fortalecer en futuros capítulos mediante la incorporación de nuevos secundarios.

Otra de las cualidades de la serie es su espíritu cinematográfico gracias a la mano del director Frank Darabont (“Sueños de Fuga”, “The Mist”), quien la produce (también dirigió el piloto). El debut de “The Walking Dead” se tomó su tiempo para el suspenso y, sobre todo, para los silencios en que Grimes descubre esta nueva realidad (destacable la escena del hospital). También hubo momentos de extrema crudeza que demuestran un proceso de maduración en la televisión por cable, cuya raíz se puede encontrar en Los Sopranos y en Millennium de Chris Carter.

“The Walking Dead” es una apuesta que comenzó demasiado bien y que ha generado muchas expectativas al provenir de un exitoso comic. Estamos ante una obra que no esconde su ambición y carisma, y que demostrará, como antes lo hizo “In Treatmen” y “Damages”, que la televisión por cable hace mucho tiempo que superó al cine en contenidos y en forma. ¡Imperdible!

Título: The Walking Dead / Intérpretes: Andrew Lincoln, Jon Bernthal, Laurie Holden y Michael Rooker / Creador: Frank Darabont / Basado en el comic escrito por Robert Kirkman y dibujado por Tony Moore.

2010-10-23T13:30:00.000-07:00

El Candidato

Estrenado en 1972, este filme fundacional sobre política y asesoría de imagen fue visionario en muchos aspectos. Sus raíces probablemente se pueden encontrar en el famoso debate televisivo entre Richard Nixon y John F. Kennedy, donde el candidato demócrata derrotó a su pálido y sudoroso contrincante en la carrera por la presidencia de EE.UU., en 1960. Para algunos entendidos esa fue la fecha en que comenzaron a proliferar los primeros expertos en asesorías comunicacionales, lo que seguramente sirvió de inspiración para “El Candidato”.

Este filme podría haber sido una obra intrascendente, pero el realizador Michael Ritchie lo convirtió en una narración personal sobre las cúpulas de poder, el rol de los medios periodísticos y los códigos de la política y el servicio público, a lo que se suma un estilo documental de gran realismo que en la década del 70` utilizaron directores tales como William Friedkin y Terrence Malick.

“El Candidato” se sustenta en las acciones y discursos de Bill McKay (Robert Redford), un abogado que decide postularse al cargo de senador por el estado de California. Lo interesante es que al principio vemos a McKay como un hombre con ideas propias y un nuevo talento que podría remecer los cimientos de la política tradicional. Pero esta promesa rápidamente sucumbe ante los movimientos fríamente calculados que exige una candidatura. Michael Ritchie se luce en los momentos en que con la cámara muestra a un incómodo McKay, quien se convierte en un prisionero de las reglas, directas e indirectas, que imponen sus asesores, su padre y los medios.

Como espectadores queremos que McKay gane y que derrote a su veterano contrincante, pero a medida de que las estadísticas lo favorecen sabemos que ya no estamos frente a una identidad, sino a una copia de su rival. La única diferencia es que es más joven y en determinadas ocasiones un poco más rebelde. Pareciera ser que el mensaje es que la política termina por deshumanizar a sus protagonistas, convirtiéndolos en meros predicadores de las esperanzas de pobres y desempleados. La agudeza del filme es tal que en cierto punto Bill McKay comprende este hecho, lo que sucede durante un viaje en auto. Es en dicha escena el flamante candidato ironiza en un monólogo sobre las mejores frases de sus discursos. Pronuncia palabras vacías, se ríe y se desespera, y también sabe que ahora es un producto, cuya originalidad pasó a mejor vida. Esta consciente de que su transición a un "animal político" está casi finalizada.

“El Candidato” es una de las mejores películas sobre la instrumentalización de la política y que además tiene el crédito de haber sido filmada en uno de los países más curtidos, y también más escandalosos, en esta materia. Esta es una obra que ha conservado su vigencia y que para cualquier aspirante a la política puede convertirse en una importante lección o bien en una cruda advertencia.

Título: “El Candidato” (The Candidate) / Director: Michael Ritchie / Intérpretes: Robert Redford, Peter Boyle, Allen Garfield, Don Porter y Melvyn Douglas / Año: 1972

2010-10-20T11:26:00.000-07:00

Twin Peaks: cuando el fuego camina conmigo

Hace tiempo que tenía ganas de comentar sobre esta serie que a principio de los 90` contribuyó al origen de nuevas pautas en la forma de hacer televisión en EE.UU. y en el resto del mundo. Twin Peaks apenas tuvo dos temporadas, pero su trama y personajes causaron mucho revuelo en cada país en que se exhibió. Algunas razones de dicho éxito se pueden encontrar en David Lynch, uno de los creadores junto al productor Mark Frost, y en una historia que constantemente desafiaba el entendimiento de los espectadores.

Twin Peaks comienza con el hallazgo del cuerpo sin vida de Laura Palmer, la muchacha más popular del pueblo y objeto de deseo de muchas personas. Esta es una serie que toma la premisa argumental de “Clue”, aquel popular juego de salón en donde los participantes deben descubrir la identidad del asesino. La diferencia está en que en Twin Peaks pareciera ser que todos sus habitantes son potenciales homicidas, más aún al mostrar sus excentricidades y obsesiones. Estamos ante el universo lyncheano, cuyas raíces se pueden encontrar en “Blue Velvet” y en “Cabeza de Borrador”, y que básicamente responde a la idea de que la maldad se encuentra en forma contenida en el ser humano.

El cuadro se completa con el carisma del agente especial del FBI, Dale Copper, quien es interpretado por un espectacular Kyle MacLachlan. Twin Peaks es una serie coral, donde varios personajes tienen un gran protagonismo. Sin embargo, el hilo conductor de esta serie, y en particular de sus ambientes surrealistas, se ampara en la caracterización de Copper. En él hay elementos bufonescos, pero también está presente la sagacidad y profundidad de los personajes de las novelas de Agatha Christie y de Arthur Conan Doyle.

Otro de los elementos inconfundibles de Twin Peaks es la banda sonora de Angelo Badalamenti. La cadencia jazzística y la sensualidad de sus ritmos transmite esa sensación de estar frente a los mejores elementos del film noir, a la vez que contribuye en la puesta en escena de algunos espacios ajenos a toda lógica que colindan con nuestra realidad. David Lynch tuvo la osadía de introducir evocaciones de sueños que hacían más inquietante esta serie. En cierta medida, consiguió televisar su filmografía para una audiencia masiva y ajena a este tipo de productos audiovisuales.

Twin Peaks es el misterio, la excentricidad y la dualidad del hombre, y el antecedente directo de series tales como Los Archivos Secretos X, Millennium y Lost, entre otras. Lamentablemente tuvo una corta vida, sobre todo porque los espectadores no lograron comprender, en la segunda temporada, que esta serie era mucho más que la identidad del asesino de Laura Palmer.

Sólo 30 capítulos y una precuela en formato cine -Fire Walk With Me- es el legado de de Twin Peaks, cuya síntesis y moraleja se puede resumir en la introducción a cargo de “La Dama del Tronco” al inicio de cada capítulo y que sólo puede ser vista en las ediciones en formato DVD. Probablemente, éste era el personaje más cuerdo de la serie, cuyas palabras permiten dilucidar las luces y sombras que David Lynch nos ha mostrado a lo largo de toda su filmografía. Twin Peaks es una serie de culto imperdible que aún nos sigue provocando.

Título: Twin Peaks / Creadores: David Lynch y Mark Frost / Directores: David Lynch, Lesli Linka Glatter, Todd Holland y otros / Intérpretes: Kyle MacLachlan, Michael Ontkean, Mädchen Amick, Dana Ashbrook, Richard Beymer, Lara Flynn Boyle, Sherilyn Fenn, James Marshall, Sheryl Lee, Grace Zabriskie, Ray Wise, Russ Tamblyn, Piper Laurie, Joan Chen, James Marshall, Jack Nance y Peggy Lipton / Año: 1990-1991.

2010-09-30T14:58:00.000-07:00

La Isla del Dr. Moreau

Este fue uno de los filmes más vilependeados de la década del 90` producto de sus excesos narrativos y de estilo. La tercera adaptación del libro homónimo de H.G Wells combinó con magros resultados los géneros de ciencia ficción, terror y aventuras en un pastiche audiovisual que pasará a la historia como el filme que contó con una de las caracterizaciones más excéntricas de Marlon Brando.

Cuesta creer que esta película estuviese condenada al fracaso desde el inicio, más aún al considerar que entre sus filas contó con el reputado realizador John Frankenheimer (“El Candidato de Manchuria”), los efectos especiales de Stan Winston (“Terminator”), el propio Brando y la presencia de Val Kilmer, quien venía de estrenar la taquillera, pero cuestionable “Batman Forever”.

“La Isla del Dr. Moreau” es un filme con muchas buenas intenciones, pero que finalmente transmite la sensación de que fue un producto inacabado y carente de lógica. Sólo de vez en cuando, y seguramente gracias al oficio como realizador de Frankeinheimer, la película consigue estimular al espectador en algunos buenos momentos, entre ellos, la escena inicial. En ésta vemos a nuestro protagonista (David Thewlis) en un bote salvavidas sobre el Mar de Java, quien lucha a muerte con los demás sobrevivientes de un accidente aéreo. A partir de este punto queda establecido el conflicto entre civilización y bestialidad que antecede a los habitantes de la isla de Moreau. Los primeros 15 minutos son ágiles y cumplen al pie de la letra las reglas del cine de matinée. Además, la apertura incluye una de las secuencias de créditos más estimulantes de la década del 90`, que fue muy atingente a la polémica de la clonación que se discutía en aquella época. Por último, las expectativas por conocer al Dr. Moreau, y sabiendo el público que será representado por Brando, son altas y dota al filme de cierto suspenso.

Pero los problemas de este filme justamente comienzan con la llegada de Brando, cuyo atuendo emula directamente a la figura papal. Aquella característica divina se resalta aún más cuando Moreau pregona sobre la ciencia como si fuese una religión sin límites y que no da cabida a dilemas morales. En las historias de terror y de corte fantástico siempre hay científicos que se destacan por su excentricidad. No obstante, los argumentos y las creaciones de Moreau quedan como un capricho en manos de un Brando que abusa de la caricatura. Es innegable que ver al actor que representó a Don Corleone en un rol tan atípico produce curiosidad e inquietud, pero también le quita peso a la abominación detrás de esta historia: la experimentación con seres humanos y animales. Sin ser una gran película, el “Frankenstein” de Kenneth Branagh logra mostrar la locura de un científico y sus equivocaciones a partir de una obsesión que es vencer a la muerte. En cambio, el Moreau de Brando apenas entrega argumentos sobre sus actos. Así, sus creaciones se convierten en simples deseos, en causas y errores con poco sustento.

Además, “La Isla del Dr. Moreau” desaprovecha la oportunidad de mostrar las relaciones sociales y de castas entre las criaturas que habitan en la isla. Pocas veces vemos en ellos los conflictos entre ser humano y bestia, sobre todo porque después de la primera hora del filme sólo presenciamos algunas escenas de acción que son absolutamente innecesarias. Se percibe al final una sensación de apuro, de necesidad de cerrar el filme, lo que deja poco espacio para el desarrollo de la profundidad narrativa de la obra de H.G Wells.

A pesar de todo lo malo y desarticulado que puede llegar a ser “La Isla del Dr. Moreau”, se ha creado un cierto tipo de culto en torno a este filme. Sin duda, esta película es una de las grandes rarezas cinematográficas de fines del siglo pasado, además de ser el testimonio más bizarro de las capacidades interpretativas de Marlon Brando y una de las obras más erráticas del talentoso John Frankenheimer, quien por suerte se recuperó con bombos y platillos dos años después con el estreno de “Ronin”. “La Isla del Dr. Moreau” siempre tendrá un valor discutible tanto para el público como para la crítica, pero son sus imperfecciones que lo convierten en una experiencia audiovisual única y, a momentos, irrepetible.

Título: La Isla del Dr. Moreau / Director: John Frankenheimer / Año: 1996 / Intérpretes: Marlon Brando, Val Kilmer, David Thewlis y Fairuza Balk.

2010-09-07T19:51:00.000-07:00

Lost: las decisiones que tomamos

Los seis años de “Lost” mantuvieron la atención de millones de espectadores. Aunque el impacto y la vigorosidad de los primeros 24 capítulos no siempre se repitieron en las siguientes temporadas, la totalidad de la serie como una sola unidad demostró la fortaleza de su narración coral. La mayoría de los fanáticos, críticos y detractores de la creación de J.J. Abrams se refirieron, principalmente, a las sorpresas que tenían que enfrentar los sobrevivientes de un accidente aéreo en una isla desconocida. Dichos elementos hicieron de “Lost” un acontecimiento televisivo, si bien su éxito se originó en la complejidad de las historias de sus protagonistas.

Gracias a “Lost” experimentamos impresionantes efectos especiales y, sobre todo, acertijos que sirvieron como base para las probables hipótesis en torno al destino de los sobrevivientes del vuelo Oceanic 815. A lo anterior se agregaron los mejores elementos del cine de matinee y la herencia de productos audiovisuales del tipo “Twin Peaks” y “Los Archivos Secretos X”. Sin embargo, la serie alcanzó su máximo potencial cuando sus personajes tenían que enfrentar momentos cruciales de sus respectivas vidas.

“Lost” se basó en el clásico enfrentamiento entre el bien y el mal, pero a partir de los resultados que originan las decisiones morales que debemos tomar a diario, y que finalmente nos conducen por caminos que afectan la vida de otras personas. La isla no es más que la representación de la sobrevivencia y de la individualidad, que puede ser encarada sólo o de manera colectiva, si bien las grandes encrucijadas provienen de la voluntad de cada uno. La tristeza de Jack frente a la muerte de su padre, el anhelo enceguecido de Locke por ser especial, la relación de Benjamin Linus con el poder, los intentos de Sayid para omitir su pasado o la culpa constante de Kate fueron algunos de los íntimos instantes que nos entregó “Lost”. Lo interesante es que el interés de la serie se sustentó en los defectos de casi todos sus protagonistas en situaciones de extrema dificultad.

Cuando terminé de ver la última temporada de “Lost” en DVD (la mejor forma de ver una serie), y sin haber tomado atención de las noticias en torno al capítulo final, comprobé el impacto de un producto bien escrito y que seguramente se convertirá en una obra perdurable y referencial para el desarrollo de nuevos productos televisivos. Debo reconocer que también fue una experiencia con sentimiento a pérdida porque en el momento en que se reveló el gran secreto de la isla y el destino de sus protagonistas, aunque éste fuera acertado o no, sentí un tremendo pesar. Era la despedida de algunos personajes entrañables y, cabe decir, de un equipo de profesionales de primer nivel que con cariño y dedicación se dieron en cuerpo y alma para la realización de esta serie.

Metáforas, mitología, pistas, el humo negro, Jacob, viajes en el tiempo, miedos internos, la iniciativa Dharma, coincidencias, sueños, vidas paralelas son algunos de los brazos y piernas de “Lost”, pero su alma se encuentra en la nimiedad de cada día, único lugar en donde podemos aspirar a convertirnos en seres especiales. Quizá la emotividad de la serie se puede definir en el excelente trabajo del compositor Michael Giacchino, en particular en las piezas tituladas “Life and Death” y “Oceanic 815” del soundtrack de la primera temporada. Al escuchar las emotivas notas tocadas en un piano lograremos entender lo que es “Lost”: una serie que habla de personas que están perdidas no sólo en el plano terrenal, sino también a nivel emocional y existencial…probablemente como todos lo hemos estado y como seguramente lo volveremos a estar alguna vez.

Intérpretes: Matthew Fox, Josh Holloway, Terry O'Quinn, Michael Emerson, Evangeline Lilly, Henry Ian Cusick, Jorge García, Yunjin Kim, Daniel Dae Kim, Naveen Andrews, Dominic Monaghan, Elizabeth Mitchell, Harold Perrineau, Emilie de Ravin, Ken Leung, Jeremy Davies, Jeff Fahey, Nestor Carbonell.

2010-08-30T19:34:00.000-07:00

John Carpenter`s "THE THING"

No saber quién es el que está a tu lado puede ser el peor de los miedos. El terror toma forma y anida en la interioridad del ser humano. Devora al hombre, lo consume y al final lo destruye. "The Thing" habla de nuestros más profundos temores. Su director, el legendario John Carpenter, retoma la idea de una fuerza desconocida, pero que en esta oportunidad se esconde y ataca desde el interior.

En Hallowen el terreno de la maldad, en este caso de Michael Myers, era un oscuro vecindario. Después vino "The Fog" (La Niebla), donde los habitantes de Bahía Antonio debían enfrentar a una banda de leprosos fantasmas, cuya maldición los confinaba a una espesa y letal neblina. “The Thing” va más lejos, ya que el escenario se reduce a una base de investigación estadounidense en la Antártida. Es aquí, en los gélidos paisajes del Polo Sur, el espacio en que un equipo de científicos deberá preservar los últimos trazos de humanidad contra una fuerza asesina de origen extraterrestre, cuya principal arma es su capacidad para imitar y asimilar cualquier forma de vida, desde un perro hasta un ser humano.

Carpenter siempre ha utilizado en su filmografía al terror como una fuerza indómita, la que determina a todos los personajes de sus filmes, quienes son conducidos por una suerte de fatalismo que dista de finales felices y soluciones redentorias. Además, los protagonistas que populan en la filmografía del director de “Christine” suelen ser antihéroes, herederos del mejor western de Howard Hawks, los que suelen ser cínicos y alejados del gusto masivo del público.

En "The Thing" el rol principal está a cargo de Kurt Russell (actor fetiche de Carpenter), quien interpreta a McReady, un piloto que comparte ciertas cualidades que lo asemejan a los antihéroes de las cintas de John Ford. El mismo Carpenter ha revelado en más de una oportunidad su predilección por los westerns. De esta afición se puede entender la virilidad y aquella sensación de duelo y de confrontación, entre el bien y el mal, al final de cada uno de sus filmes. Pero el mal en el cine carpenteriano suele salir victorioso.

En "The Thing" nunca vemos cuál es la verdadera apariencia de la identidad extraterrestre. Sólo se exhiben trazos que permiten intuir y construir en la mente del espectador el rostro genuino del terror. En dicha característica descansa el ley motiv de la obra de Carpenter, la que se ampara de algunos elementos hitchkoneanos, entre ellos, el principio acción-reacción que logra representarse adecuadamente en las miradas de los protagonistas, que ven como lo desconocido es casi imposible de atrapar. Cualquier persona que se interiorice en este filme se podrá dar cuenta de que el pesimismo marca el ritmo de su historia. A los 20 minutos de “The Thing” se intuye irremediablemente que varias muertes se aproximan y que el destino de la base polar no es otro que su destrucción total. Por ejemplo, la escena final de esta película podría considerarse casi una herejía en el cine de hoy, ya que lamentablemente representa un estilo narrativo actualmente olvidado, pero que para suerte de los cinéfilos fue una característica del cine de los ochenta en cintas como "Videodrome" (de David Cronenberg) y "Blow Up" (de Brian De Palma).

Han pasado 28 años desde el estreno de "The Thing". Corría el año 1982 y los críticos estaban cansados de ver monstruos provenientes del espacio. Quizá de no ser por el espíritu dulzón de cintas como "E.T, El Extraterrestre" (Steven Spielberg), "The Thing" hubiese tenido mejor suerte tanto con la crítica como en la taquilla. Sin embargo, la versión de Carpenter (remake considerablemente superior a la dirigida por Howard Hanks y Christian Nyby) ha recobrado fuerza con los años. Hoy se empina como una obra vigente y de culto, y los mismos críticos que la despreciaron en su tiempo ahora la defienden como una de las mejores películas de ciencia ficción que se han realizado. Mención aparte merece el impresionante trabajo de maquillaje a cargo de Rob Bottin (“The Howling”).

Vale más que la pena repasar "The Thing", lo que permite comprobar el talento de Carpenter, quien es considerado un cineasta autor dentro de los circuitos de cinefilia europeos, sobre todo en el de Francia. Por suerte, su talento aún es reconocido y apreciado en algunos lugares del mundo. Ojo que este año Carpenter estrenará “The Ward”, su primer largometraje en más de nueve años.

Título: "The Thing" (El Enigma de otro Mundo) / Director: John Carpenter / Año: 1982 / Fotografía: Dean Cundey / Música: Ennio Morricone / Intépretes: Kurt Russell, Wilford Brimley, Keith David y Donald Moffat.

2010-08-22T07:55:00.000-07:00

Silent Running: ecología en el espacio

Se imaginan un cruce entre el género de ciencia ficción y la idealización de la vida hippie. Douglas Trumbull lo hizo posible al debutar como director en 1971 con el filme “Silent Running”, la odisea espacial de Freeman Lowell (un más que notable Bruce Dern) para salvar los últimos bosques y especímenes botánicos de la era del hombre.

Douglas Trumbull se hizo famoso al liderar los efectos especiales de “2001: Odisea en el Espacio”. Stanley Kubrick fue el genio detrás de este filme fundacional, si bien los efectos ideados por Trumball aportaron una maduración nunca antes vista en el género de ciencia ficción, alejándolo de los pastiches audiovisuales, algunos casi caricaturescos, de los años 50`.

Pero el realizador de “Brainstorm” también tenía cosas que contar en el espacio. Los inicios de los 70` se situaban como el surgimiento de una nueva generación de espectadores ensimismados en la vorágine pacifista de Woodstock. La Universal Pictures se dio cuenta de dicha realidad con el éxito inesperado de “Easy Rider”, lo que demostraba el cambio radical en los gustos de jóvenes que iban a los autocinemas. Para ello, el estudio decidió dar luz verde a cinco proyectos que no superasen el millón de dólares y que fuesen dirigidos por cineastas noveles, quienes tenían derecho sobre el corte final de sus obras. Era el salto que Trumbull estaba esperando y así nació “Silent Running, en cuyos créditos estaba un joven Michael Cimino como guionista (el realizador de “The Deer Hunter”).

“Silent Running” es una película atípica. La odisea de su protagonista comienza cuando se transforma en un criminal, debido a su enceguecida obsesión por la preservación de la naturaleza. Actúa según un objetivo superior a toda norma moral, si bien el aislamiento propio de un ambiente como el espacio, y que en el filme se podría asemejar a un antagonista, demuestra la facilidad que tenemos al convertirnos en prisioneros de nuestros actos. La única compañía de Freeman en este viaje de autoconocimiento, redención y contemplación son dos androides, los que a nivel metafórico se convierten en los custodios del último edén del ser humano.

Douglas Trumball demostró tener habilidad para equilibrar la técnica con los símbolos y segundas lecturas del primer relato ecologista del espacio. En muchos sentidos esta película se adelantó a varios de los temas que populan en la cinematografía actual: la destrucción de la naturaleza y la deshumanización y sedentarismo del hombre contemporáneo. Esta es una película valiente en todo sentido, que se la jugó al incorporar la música folk de Joan Baez en su soundtrack y que tuvo el mérito de haber cambiado el tópico de la exploración de nuevos mundos por la introspección del ser humano en el espacio.

“Silent Running” es un filme entrañable que nos recuerda el amor, y a veces locura, que todos hemos sentido hacia una pasión. La mayoría de las historias de ciencia ficción que transcurren en el espacio suelen ser demasiado técnicas y usualmente se amparan en la capacidad para asombrar a los espectadores a través de eventos extraordinarios. Douglas Trumbull utilizó todos sus conocimientos en efectos especiales en su primera película, pero fue más astuto al recordar que una buena historia es más importante, aunque ésta suceda en la tierra o en nuestra galaxia.

Título: Silent Running / Director: Douglas Trumbull / Año: 1971 / Intérpretes: Bruce Dern, Cliff Potts, Ron Rifkin y Jesse Vint.

2010-08-16T14:34:00.000-07:00

“El Origen” de un autor

En EE.UU. catalogaron el último trabajo de Christopher Nolan como “un milagro” y en Chile algunos críticos dijeron que era una película demasiado pretenciosa. Después de casi tres horas en el cine creo que “El Origen” no es ni uno ni lo otro.

Hablar de un milagro es un calificativo demasiado grande aún para esta película que tiene secuencias de acción y efectos especiales increíbles, en particular algunas escenas que suceden en ambientes sin gravedad. Sin embargo, sus trucos visuales no son más que el resultado de los últimos avances en materia de efectos por computadoras (CGI). Es verdad que estamos entre un antes y un después en materia de efectos audiovisuales, pero desde los tiempos de “The Matrix” y de “Jurassic Park” que este ámbito del cine ha demostrado su enorme capacidad. Probablemente la última “revolución” del cine digital vino de la mano de James Cameron con aquel cruce maquillado entre “Pocahontas” y “Danza con Lobos” que fue “Avatar”, ya que por primera vez la industria cinematográfica consiguió la digitalización de gestos y actitudes humanas en forma natural y creíble.

Lo que es milagroso en “El Origen” es que es un filme para las masas, pero con una buena historia. La idea de que un grupo de espías pueda explorar el subconsciente de cualquier individuo para introducir una idea o robar secretos corporativos no es algo totalmente desconocido para la cinematografía, pero el mérito está en que dicha historia logra prevalecer sobre la media porque es una película que deja entrever la visión de un autor. Christopher Nolan ha logrado burlar los caprichos de los productores de grandes estudios al conservar su estilo y las principales motivaciones que se encuentran en su filmografía: protagonistas que buscan la redención, los temores al lidiar con ciertos talentos y la utilización de vuelcos narrativos superiores a los utilizados por el fraudulento M. Night Shyamalan ("La Aldea", "La Dama del Agua").

En otro ámbito, decir que “El Origen” es una obra pretenciosa puede sonar antojadizo. Poner en marcha un filme requiere de un enorme esfuerzo, más aún si se trata de un blockbuster con cabeza. A Nolan le ha costado su prestigio y sitial en Hollywood. Tampoco hay que olvidar que fue muy astuto al aceptar liderar las sagas de Batman, lo que le ha permitido interiorizarse con mayor libertad en otros proyectos. Además, y guardando las proporciones, ¿acaso Stanley Kubrick, cuando estrenó “2001: Odisea en el Espacio”, no podría haber sido considerado como un cineasta pretencioso al rodar un filme de semejante magnitud e impacto?

“El Origen” demuestra que Leonardo DiCaprio es un excelente actor que fue capaz de vencer la sombra de “Titanic” hace mucho tiempo. Con poco esfuerzo logra transmitir paranoia y desesperación, sentimientos que antes profundizó en la excelente "La Isla Siniestra" de Scorsese. Además, una destacable anécdota de "El origen" es que resucita a Tom Berenger (“Pelotón”), quien en la última década se había perdido en cintas mediocres (algo similar hizo Nolan con Rutger Hauer y Eric Roberts en las dos partes de Batman).

Sin duda que vale la pena ver esta película, cuya trama puede parecer a ratos un poco confusa, pero que finalmente plantea temas que hoy son del interés de la comunidad científica mundial. Es probable que Christopher Nolan nos vuelva a sorprender en el futuro con nuevos relatos, además de seguir superándose a sí mismo. Dichas expectativas, sin duda, serán muy altas con la tercera parte de Batman, pero más difícil de enfrentar será su habilidad para mantenerse fiel a su visión como director, sobre todo en una industria cada vez más impersonal y efímera. “La vida es sueño” dijo Pedro Calderón de la Barca. Quizá Christopher Nolan piense lo mismo.

Título: “El Origen” (Inception) / Director: Christopher Nolan / Año: 2010 / Intérpretes: Leonardo DiCaprio, Cillian Murphy, Ellen Page, Tom Hardy, Marion Cotillard, Ken Watanabe, Michael Caine y Tom Berenger.

2010-08-09T19:43:00.000-07:00

El Escritor Oculto

Roman Polanski demuestra una vez más su tremenda vitalidad detrás de cámaras al orquestar probablemente uno de los mejores thrillers de la última década. Con “El Escritor Oculto” le devuelve credibilidad a este género, el cual ha sido sobreexplotado en los últimos años a través de historias insulsas y personajes que limitan en lo caricaturesco. Polanski hace todo lo contrario, debido a que aporta frescura a un relato cargado de citas hitchckoneanas, donde el centro de la acción es un escritor por encargo.

“El Escritor Oculto” se vale de un ambiente minimalista, casi desolador, en donde un escritor fantasma (Ewan McGregor) acepta el desafío de reescribir las memorias de Adam Lang (Pierce Brosnan), un ex primer ministro británico envuelto en escándalos de abuso de poder. Con mucha facilidad el espectador podrá encontrar algunas similitudes con la vida del ex primer ministro británico, Tony Blair, pero la capacidad de Polanski como director logra superar dicha anécdota al convertir el filme en un ejercicio visual que podría ser considerado el sucesor de “Búsqueda Frenética” (1988).

Basada en la novela homónima de Robert Harris,”El Escritor Oculto” se nutre de todas las características del cine polanskiano: juegos de identidades, escenarios aislados azotados por inclemencias meteorológicas, personajes atrapados en sus obsesiones, relatos góticos, la pérdida del poder y finales funestos. Polanski ha insistido con estas temáticas en cada uno de sus filmes y eso se debe en parte a la difícil vida del director, quien ha tenido que enfrentar muchos episodios tortuosos, entre ellos, la muerte de familiares en un campo de concentración alemán y, sobre todo, el despiadado asesinato de su esposa Sharon Tate a manos del clan Manson en 1969. Todas estas experiencias han hecho de la obra de este cineasta polaco un espacio para la perversión y también para algunos de los rasgos más despreciables del existencialismo humano.

La historia de “El Escritor Oculto” tiene muchas cualidades, entre ellas, la capacidad de sostener el suspenso a través de la insinuación. La cámara se instala sobre las miradas cómplices y sospechosas de sus protagonistas, cuya opresión no sólo proviene de sus propias mentiras, sino también por el uso del espacio físico como elemento representativo de la psiquis de hombres y mujeres que viven en completo aislamiento. La casa de Lang en la playa actúa como una extensión de su mente, cuyas habitaciones y ambientes son utilizados metafóricamente en relación a los secretos del ex ministro, de su esposa y de sus asistentes. Es una edificación fortificada, cuya vulnerabilidad es descubierta por un escritor fantasma. McGregor se asemeja a un investigador privado que poco a poco profundiza en vidas paralelas, algo que también hicieron en el pasado los personajes de Jack Gittes en “Chinatown” y Dean Corso en “La Novena Puerta”.

Aunque “El Escritor Oculto” se presenta como un entretenido thriller estamos ante una obra muy personal, ya que su historia tiene muchos significados que surgen de la propia vida de Polanski. Adam Lang es un fugitivo de la justicia y hasta cierto punto un expatriado. En comparación, tenemos al director de “Tess”, quien hasta el día de hoy no puede pisar suelo estadounidense a causa de los bullados problemas legales que lo han acosado durante toda su vida, y que lamentablemente lo han obligado a tener una filmografía accidentada.

Los detractores de Roman Polanski lo consideran un cineasta megalómano y violento, a la vez que sus seguidores lo veneran como uno de los máximos exponentes del cine europeo. Ambas posiciones pueden ser ciertas, pero a pesar de que sea buscado o deseado, Polanski demuestra en cada trabajo que su intuición y estética fílmica está en excelente forma.

“El Escritor Oculto” es uno de los grandes estrenos de este año, que nos recuerda que el suspenso aún puede ser tratado de manera elegante y con estilo, y sin la necesidad de recurrir a obviedades. Ojo con la destacable participación de Kim Cattrall, quien demuestra que es mucho más que Sex and the City, y con la breve aparición del legendario Elie Wallach (El Bueno, El Malo y El Feo).

Título: The Ghost Writer / Director: Roman Polanski / Año: 2010 / Intérpretes: Ewan McGregor, Pierce Brosnan, Olivia Williams, Kim Cattrall, Tom Wilkinson, Timothy Hutton, James Belushi, Robert Pugh y Elie Wallach.

Otras películas de Roman Polanski en CineAdicto:
Oliver Twist

2010-08-07T17:29:00.000-07:00

Get Carter

Michael Caine es uno de los pocos actores que se puede jactar de una carrera cinematográfica que integra lo mejor del cine comercial y de las obras de autor. Lo anterior se debe a que el protagonista de “Educando a Rita” siempre consigue imponerse en la pantalla gracias a su versatilidad interpretativa, la que le permite desempeñarse con facilidad tanto en comedias como en dramas. Su registro como actor lo hemos presenciado en casi todos los géneros y en caracterizaciones tan sutiles como violentas. Caine tiene un don interpretativo que no es casual porque desde su salto a la fama en el filme “Zulú” (1964) que ha estrenado una o más películas al año. En dicha cinta sobre una malograda división de soldados británicos en África, Caine no sólo sorprendió con la caracterización de un arrogante capitán inglés, sino que además opacó al protagonista y productor, Stanley Baker.

Cuando Caine irrumpió en la escena fílmica londinense de mediados de los 60` renovó en parte la camada de actores ingleses formados bajo el alero del teatro shakesperiano. A pesar de que la calidad de los Burton, Mason, Andrews y Olivier se mantenía intacta era necesario sumar actores jóvenes que pudiesen ser identificados con las nuevas modas e ideologías de tiempos más contestatarios. Así, junto a David Hemmings, Peter O`Toole y Sean Connery, entre otros, Caine encontró su nicho junto a directores que tenían nuevas ideas para la industria cinematográfica local.

Uno de los cineastas que contribuyó a la fama de Caine fue Mike Hodges con su primera película como director: “Get Carter” (1971). Hasta ese momento, Caine era conocido por “Alfie”, “The Italian Job” y por Harry Palmer, aquel agente secreto icono de la Guerra Fría y que, en cierta medida, era una variación más seria de James Bond.

Si EE.UU. tuvo a Harry Callahan en “Dirty Harry”, el Reino Unido recibió con los abrazos abiertos a Jack Carter (“Get Carter”). Ambos eran sujetos cínicos y de acción, que imponían sus reglas y actuaban por sobre el sistema. Sin embargo, el primero era un hombre de ley en contraposición a Carter, quien provenía de los bajos fondos de la mafia de Newscastle. Así, “Get Carter” se formó bajo el concepto del antihéroe e incluso fue un poco más lejos al incluir en su historia algunos guiños a la violencia sexual y voyeurismo del cine exploitation.

“Get Carter” es la historia de un hombre que retorna a su ciudad natal con el fin de cobrar venganza contra los responsables de la muerte de su hermano. A lo largo del relato, Hodges deslumbra por el uso de cámara, sobre todo en la utilización del montaje. Es un filme atrevido en donde Caine destaca por su parsimonia. Se mueve con naturalidad y seguridad en calles estrechas y sucias, pero siempre vestido de impecable traje y corbata. Jack Carter es un tipo que no duda en arrojar a un tipo de un edificio o al eliminar con absoluta frialdad a prostitutas. Estamos ante un sujeto peligroso, pero que a pesar de todas sus faltas logra captar la empatía del espectador. Se ampara en códigos amorales totalmente irrestrictos, los que finalmente lo llevan a la redención final de su carrera como criminal.

En “Get Carter” no hay finales felices, lo que se anticipa a través del sonido del viento en varias escenas y en el score de Roy Budd. Dichos recursos dotan al filme de un cierto ambiente nostálgico, de tiempos que fueron y que llegan a su fin en la vida de un gángster, pero que en la piel de Caine, a pesar de su arrogancia y violencia, también da espacio para algunos breves momentos de humanidad. Sin duda que esta película es una pieza fundacional del nuevo cine inglés de los 70’, donde las calles y el cielo se ven más grises que nunca. Un filme imperdible sobre la mafia inglesa y que fue anterior a las historias sobre gángsters italo americanos filmadas por Scorsese, lo que es un antecedente no menor.

Título: Get Carter / Director: Mike Hodges / Año: 1971 / Intérpretes: Michael Caine, Ian Hendry, John Osborne y Britt Ekland.

2010-07-31T20:05:00.000-07:00

¿Quién ha visto a Harvey?

En alguna etapa de nuestras vidas, sobre todo en la infancia, tuvimos algún amigo imaginario con quien vivimos aventuras en mundos de eterna fantasía. Pero qué sucedería si en plena adultez tuviésemos un amigo invisible y éste fuese nada menos que un conejo de casi dos metros de altura. Esa es la premisa de “Harvey”, uno de los filmes más emblemáticos de la década del 50´ y uno de los más famosos de James Stewart.

Para los incrédulos espectadores de hoy esta película quizá no tendría mucho impacto, pero en el año de su estreno (1950) fue un tremendo éxito tanto de crítica como de audiencia. “Harvey” es una obra representativa de la ingenuidad de una época en donde la cortesía, las buenas intenciones y la clase trabajadora eran algunos de los sustentos básicos de la sociedad norteamericana y, en cierta medida, de la idiosincrasia occidental. Dichos elementos no podían estar mejor encarnados en la figura de Stewart, quien obtuvo la reputación de haber sido uno de los actores más queridos de la comunidad cinematográfica mundial y de Hollywood. Su aspecto de tipo honrado y su enorme capacidad para representar lo mejor del ser humano, a través de una innegable honestidad en cada una de sus caracterizaciones, lo convirtieron en un símbolo que ha perdurado hasta nuestros días. Basta recordar “Caballero sin Espada” (1939) y “Que Bello es Vivir” (1946) para darse cuenta de su histrionismo e influencia como fenómeno cultural.

En “Harvey” el protagonista es Elwood P. Dowd, un hombre de mediana edad y solteron, cuya máxima alegría es sentarse en un bar a tomar un trago y, sobre todo, ser un sujeto simpático y amable con todas las personas que lo rodean. La singularidad está en que Elwood siempre va acompañado de su gran amigo Harvey, quien es un conejo gigante que sólo él puede ver. James Stewart construye un personaje hilarante, lo que logra gracias a su enorme capacidad para desenvolverse con igual comodidad entre la comedia y el drama. Lo que podría haber sido un personaje caricaturesco en la piel de otro actor, Stewart lo hace creíble. Incluso, deseamos que las alucinaciones de Elwood sean reales.

Se podría decir que “Harvey” tiene algunos elementos quijotescos en su trama, debido a que la lucha entre realidad y fantasía, entre lo clínico y la locura, está representada en muchos de sus personajes, en especial en aquellos que sólo conciben la vida a través de estructuras y moldes prefabricados. Dichas características hacen de este filme una obra extremadamente deleitable, la que también da pie para algunas situaciones paranormales detrás de la esquizofrenia que supuestamente padece Elwood P. Dowd. El espectador se pregunta si Elwood tiene razón, si el conejo es verdadero y si tener este tipo de alucinaciones es algo tan malo en una sociedad cada día más incrédula y desesperanzada.

“Harvey” es una película entrañable que nos devuelve la fe en lo improbable, además de hacernos mirar hacia una época en que la ingenuidad era un valor que permitía a hombres y mujeres desahogar sus alegrías y miserias por medio de una conversación desprejuiciada. Para cualquier persona que haya visto un documental o leído una biografía sobre James Stewart se dará cuenta que él es Elwood P. Dowd, y también aquel Harvey que alguna vez todos hemos imaginado.

Título: “Harvey” / Director: Henry Koster / Año: 1950 / Basada en la obra ganadora del premio Pulitzer escrita por Mary Chase / Intérpretes: James Stewart, Josephine Hull, Charles Drake, Cecil Kellaway, Jesse White, Victoria Horne, Wallace Ford y Peggy Dow.

2010-07-25T16:02:00.000-07:00

Los demonios de Frank Black

Millennium (1996-1999) permitió que la audiencia viera y sintiera el mal en todas sus dimensiones. La creación de Chris Carter fue una de las primeras series que se atrevieron a explorar y profundizar en la maldad humana, en sus orígenes y en su cotidianeidad. Asesinos en serie, psicópatas, cultos basados en el Apocalipsis y algunos demonios escondidos en gente común y corriente desfilaron por los capítulos de las tres temporadas de vida que tuvo la producción, la que en su tiempo fue venerada por la crítica y el público.

Chris Carter, quien se hizo mundialmente famoso por haber posicionado a Los Archivos Secretos X (1993-2002) en nuestra cultura popular, nos adentro en la frescura narrativa de Millennium. Este mundo estilizado con toques de expresionismo alemán, a veces melancólico, irónico y también opresivo no sería nada sin Frank Black. Interpretado por Lance Henriksen, Black mostró a la audiencia que una serie dramática podía estar liderada por un protagonista atípico, cuyas raíces se podían encontrar en el personaje del antihéroe del film noir o del western americano.

Gracias a Millennium, Henriksen pudo demostrar su talento y de una vez por todas quitarse el estigma del actor secundario conocido sólo por cintas como Aliens o Terminator. Por medio de Frank Black, Henriksen construyó un personaje lacónico, cuya expresividad facial demostraba la presencia del mal en el corazón de todos los hombres. Probablemente este factor fue parte de las características más perturbadoras de la serie. Ver como una mujer decide descuartizar a sus hijos o a un hombre que disfruta incinerar en un horno a sus víctimas dejó entrever que la crueldad está presente en todas partes. De todas las series que se han realizado ninguna se ha podido acercar a la brutalidad y violencia de Millennium, sobre todo al exponer las psicopatías de asesinos en serie en forma real y sin la necesidad de recurrir a caricaturas.

La principal línea argumental de Millennium era el fin del mundo, el poco tiempo que quedaba para el año 2000 y el advenimiento del Apocalipsis. Era una serie que contenía premisas más complejas, más febriles en las que se manifestaba la omnipresencia del mal. Frank Black nos demostró que aunque estemos ajenos a lo que pasa a nuestro alrededor, que aunque vivamos en nuestros pequeños castillos de marfil o estemos ensimismados en nuestra arrogancia y egoísmo, la perversidad, la locura y la putrefacción que consume nuestra voluntad se encuentra tanto afuera como adentro de nosotros. Es un evento interno que sólo espera la oportunidad para manifestarse.

Millennium sentó las bases para otros productos audiovisuales como C.S.I., Cold Case y Profiler. Sin embargo, dichas series no han sido capaces de igualar el impacto y profundidad de la creación de Carter, ya que sólo se quedan en los procedimientos, casi clínicos, de forenses e investigadores sobre los criminales.

Lamentablemente Millennium sólo duró tres temporadas. Las causas de tan corta existencia se pueden encontrar en el ambiente opaco y sombrío de los capítulos protagonizados por Frank Black, sobre todo en escenas que recreaban lo peor de nuestros temores con un cierto sentido de naturalidad detrás de la destrucción. Eran capítulos difíciles de digerir y a veces podían transformarse en experiencias tortuosas, debido a que las historias se sentían reales. Millennium llevó a la televisión a nuevos terrenos al confrontar al público con temas que sólo se veían en las salas de cine.

Carter plasmó en la pantalla chica una de las mejores series de televisión de las últimas dos décadas, lo que no es menor en un mundo audiovisual donde a veces hay mucha luminiscencia en desmedro de las sombras y de la oscuridad, ámbitos que también existen y perduran. Aunque no lo queramos todos tenemos algo de Frank Black. Podemos ver lo que él ve, sentir lo que siente y oler lo que huele. Lo que sucede es que muchas veces evitamos pensar en ello, pero la triste realidad es que el mal está ahí, siempre presente, como una fuerza inagotable de recursos y también de vida.

2010-07-18T18:06:00.001-07:00

Sidney Lumet:
El cineasta de las preguntas difíciles

Este fin de semana descubrí dos películas de Sidney Lumet: “Equus” (1977) y “Príncipe de la Ciudad” (1981) y al verlas una vez más quedé cautivado con la habilidad técnica de Lumet y su tremenda capacidad para dirigir actores. El director de “Tarde de Perros” en casi todos sus filmes habla de la corrupción en diversos niveles y ambientes, siempre a través del quiebre de las lealtades, el abuso de los poderes fácticos y la inmoralidad como atributo insoslayable de la justicia. Probablemente dichos elementos han transformado a este cineasta en un ícono del cine estadounidense, además de un cronista de la sociedad moderna gracias a una visión crítica y satírica de un ser humano prisionero de sistemas legales, instituciones y medios casi en su totalidad imperfectos.

Cada vez que he visto algunas de las obras de Lumet me he dado cuenta de la potencia de los mensajes que suele incluir en sus películas. Me refiero a un cine que se puede clasificar en el ámbito de la denuncia y del cual es difícil que el espectador no salga trasquilado por sus emociones y escenas descarnadas. Otra cualidad de Lumet está en que en sus filmes, incluso en sus últimos trabajos (“Find Me Gulty” y “Before the Devil Knows You´re Dead”), aún conservan el aire independiente y autoral de los 70´. El director de “Network”, como sucede con pocos cineastas, mantiene el control sobre el corte final de cada una de sus producciones.

“Equus” es una experiencia audiovisual que a pesar de haber sido filmada hace más de 30 años sigue provocando perplejidad. No es un filme fácil de ver, sobre todo al estar basado en la obra homónima de Peter Shaffer, la que para algunos especialistas es una de las piezas más difíciles del teatro inglés. La historia se centra en un obstinado psiquiatra (Richard Burton en uno de sus mejores roles) que desea descubrir los motivos de un atribulado joven (Peter Firth) después de haber dejado ciego a seis caballos. Esta es una película sobre las pasiones más primitivas del hombre y que gracias a la mezcla entre teatro y lenguaje cinematográfico alcanza la magnitud de una confesión dolorosa que destaca por su pulcritud visual.

Al otro lado de la calle se encuentra “Príncipe de la Ciudad”, una historia suburbana y a la vez un relato épico en torno a la figura de un policía (Treat Williams) cansado de la dualidad de la ley. La premisa de policías corruptos e informantes clandestinos anteriormente fue profundizada por Lumet en “Serpico”, pero en “Príncipe de la Ciudad” logra interiorizar al espectador en nuevos territorios. Esta es una de las primeras películas en mostrar a la policía como parte de un universo que tiene muchas similitudes con los estamentos del hampa, y en donde la distinción entre buenos y malos sólo se puede definir por subterfugios legales que son aceptados sin objeciones por la sociedad.

Tanto “Equus” como “Príncipe de la Ciudad” son obras que demuestran que el diálogo puede transformarse en un elemento tremendamente cinematográfico. Son relatos épicos que se desarrollan en distintas escalas, pero que tienen en común el análisis y la destrucción de la moralidad del hombre, sobre todo cuando éste se debe enfrentar a circunstancias extraordinarias.

El cine de Sidney Lumet pone sobre la mesa verdades de las que no queremos hablar o que simplemente tratamos de omitir, pero que están ahí para recordarnos nuestra endeble condición humana. En una entrevista Lumet dijo que el propósito de películas como “Príncipe de la Ciudad” está en plantear preguntas en el público, es decir, poner al descubierto distintos caminos, los que pueden ser moralmente correctos o reprobables. Gracias Dios que todavía quedan cineastas como Lumet, cuyas obras continúan interactuando con nosotros, haciéndonos preguntas que a veces es bueno tratar de contestar.

2010-07-06T15:11:00.000-07:00

“House of Games”

La noche es el espacio común de los outsiders, quienes actúan según códigos de conducta que usualmente no calzan con el día. Deambulan, respiran y piensan sus mejores artilugios bajo la protección de las sombras y de la tenue calidez de las luces de neón. Una gran parte de la historia del cine se ha desarrollado en dicho terreno, el cual suele fascinar constantemente a los espectadores, ya que casi siempre en las calles y en las esquinas mojadas de las grandes ciudades se encuentran modos de vida que usualmente son omitidos por el establishment.

“House of Games” (1987) se centra en las reacciones de una psiquiatra (Lindsay Crouse) respecto del mundo de los bajos fondos, al que se acerca poco a poco a través de las experiencias de sus pacientes. Estamos ante una historia que habla de la iniciación, de pérdidas y, sobre todo, de algunas decepciones.

En una primera lectura podríamos decir que el filme ofrece una historia repetida y más cercana al estilo maqueteado de los telefilmes. Sin embargo, la hábil dirección de David Mamet, sumado a su talento para la construcción de diálogos, hace de “House of Games” una profunda lectura sobre el choque de realidades opuestas a través de una moralidad endeble y flexible.

Crouse interpreta a una psiquiatra esclavizada por una vida de hábitos, estructuras y reglas morales, que carecen de emociones y de relaciones interpersonales. Su único objetivo es evaluar y catalogar fenómenos humanos, Sin embargo, es en la esfera de los buscavidas, en las artimañas de estafadores de poca monta, en donde se le presentará la oportunidad de encarar algunos miedos que son ajenos a perfiles psiquiátricos y conductuales.

“House of Games” es un laberinto mental o más bien una partida de cartas que pone a prueba la atención del espectador sobre trucos, mentiras y chantajes. Mamet explora en los códigos y en la cultura de los estafadores en donde los fraudes no sólo son un método de subsistencia, sino un desafío que es necesario superar, más aún cuando se cuenta con la interpretación de un magistral Joe Mantegna.

Por lo general, el cine y los guiones de Mamet son básicamente obras de teatro llevadas al terreno de lo audiovisual. Sólo basta con recordar los duelos interpretativos de “Glengarry Glen Rose”, película que escribió Mamet para el cineasta James Foley. También tenemos que considerar que “House of Games” comparte algunos paralelismos con otras cintas tales como After Hours” (Martin Scorsese, 1985) y “Bright Lights, Big City” (James Bridges, 1988).

“House of Games” es uno de los filmes esenciales de la década de los ochenta. Una de esas pequeñas obras cinematográficas con tufillo a independiente que sobrecoge por la energía de sus diálogos. Se caracteriza por su ambiente citadino, en especial por algunos coqueteos de su banda sonora con el jazz, además de una cierta toscocidad en la dirección de arte ejemplificada en escenarios sombríos y planos. La primera película de Mamet es un juego de víctimas y victimarios al que vale la pena apostar.

2010-06-18T14:30:00.000-07:00

The Evil Dead

Probablemente el mejor filme de Sam Raimi sea "The Evil Dead". Fue su primera gran obra, la rodó durante varios años, tuvo recursos limitados (apenas US$375.000), la protagonizaron actores sin experiencia y sólo consiguió popularidad entre los jóvenes de la sociedad londinense de principio de los ochenta gracias a la masificación del VHS.

"The Evil Dead" dio a conocer, en cierta medida, el cine gore entre el público angloamericano que en esa época tenía muy poco contacto con el “Giallo” de las producciones italianas de Mario Bava y de Dario Argento. Raimi supo orquestar un filme de terror con mucho ritmo y toques de comedia basados en el cine mudo de Buster Keaton y Harold Lloyd. A lo anterior se sumó un estilo visual con mucho close up, grandes angulares y trucos del cine de terror de los años 30`, además de inolvidables movimientos de cámara.

La historia de "The Evil Dead" se centra en un grupo de adolescentes que arriendan una casa abandonada en el bosque. En el lugar se encuentran con el “Libro de los Muertos”, cuyos textos despiertan a los demonios que habitan en el lugar. Raimi construye un relato sobre posesiones diabólicas liderado por el personaje de Ash, que en las tres partes de la saga fue interpretado por Bruce Campbell (Bubba Ho-Tep). Todo en "The Evil Dead" se siente a un filme realizado con mucho esfuerzo entre un grupo de amigos, pero sobresale del resto de las producciones de terror ochenteras producto del alto nivel en su planificación. El estilo visual del filme impresiona aún más al considerar que Raimi tenía sólo 22 años cuando debutó como director.

El primer capítulo sobre las aventuras de Ash es puro cine clase B, pero "The Evil Dead", al igual como sucedió con el fenómeno de “Halloween” (1978, John Carpenter) y "Pesadilla en la Calle Elm" (1984, Wes Craven), tuvo un gran impacto al ser una película bastante arriesgada para el año de su estreno (1981). Con el tiempo, el filme obtuvo el estatus de culto a la vez que Sam Raimi formó una filmografía en la que constantemente se repite la idea de la transformación. El director de “Arrástrame al Infierno” se inspiró en elementos de La Metamorfosis de Kafka para "The Evil Dead", los que también interiorizó en otras de sus producciones: el científico desfigurado a nivel físico y psicológico que busca venganza (Darkman), la desgracia de dos hermanos separados por la ambición (Un Plan Simple) y el joven que se transforma en superhéroe (la trilogía del El Hombre Araña).

Otra de las características de "The Evil Dead" es su espíritu vodevil y sus guiños a la comedia negra. Ash es un sujeto común y sin mucho ingenio al que le suceden eventos extraordinarios, pero que logra sobrevivir gracias a su adaptabilidad y recursos. Es un bufón del cual es muy fácil encariñarse. El espectador espera verlo sufrir, caerse o sumergirse en sangre y entrañas humanas. Sentimos miedo y desesperación junto a Ash, pero gracias a sus piruetas y coreografías sabemos que de alguna forma ridícula y asombrosa va a superar la prueba, lo que se profundiza más en "Evil Dead II" (que se asemeja a un remake de la primera parte) y, sobre todo, en el tercer capítulo titulado "Army of Darkness".

¿Qué hace a un filme de culto? Su estreno en el momento apropiado, el impacto que logra tener en el público, su exclusividad y originalidad, la enorme cantidad de películas que tratan de imitar su estilo, su capacidad de envejecer en forma, el debut de un actor poco común, una historia absurda, pero creíble y, por último, su capacidad para promover tendencias en la industria cinematográfica. Todos esos elementos produjo "The Evil Dead" el día de su estreno. Sin lugar a dudas, la habilidad de Raimi como cineasta permitió la creación de unos de los filmes de terror más memorables del cine contemporáneo, el que siempre será recordado por su gran corazón y originalidad.

2010-02-17T11:18:00.000-08:00

La Omisión en la Guerra

“Redacted” es “Pecados de Guerra” actualizada en el contexto de la invasión de EE.UU. a Irak. Entre ambos filmes se repite el eje argumental sobre los excesos y vejámenes cometidos por soldados contra inocentes que tratan de sobrevivir en una zona militarizada. Estamos ante una obra cruda, directa y que con ojo clínico retrata las singularidades de las reglas de combate, las que se transforman en una rutina que termina por agravar el juicio de jóvenes soldados.

En” Pecados de Guerra” Brian De Palma escenificó la brutal violación de una joven vietnamita. “Redacted” comparte dicha similitud con la película protagonizada por Michael J. Fox y Sean Penn, pero profundiza mucho más en la omisión y en la falta de penalización de los actos de guerra. A partir de un suceso real ocurrido en 2006, en el cual tropas norteamericanas ultrajaron y asesinaron a una familia iraquí, De Palma arma un relato en donde la imagen registra los pensamientos y acciones de culpables y arrepentidos, pero también hay espacio para el daño colateral que debe ser asumido tanto por familiares como instituciones. Inclusive, el director de “Carrie” incluye la manifestación de los medios sociales en el encuadre cinematográfico y en cómo estos pueden contribuir a la fuerza dramática de un filme.

El significado de “Redacted” alude al concepto de la edición. Con ello, De Palma logra transmitir que la guerra soporta muchos planos sobre lo que es correcto o erróneo. Todo conflicto armado es editable o bien reescrito en su intensidad, en lo que se pierde y en lo poco que se gana. La guerra es el terreno en donde surgen los actos más nobles de la condición humanidad, pero también es el lugar en donde actos y resultados dejan de importar.

Con “Redacted” De Palma demuestra que aún tiene la capacidad y habilidad para sorprender con aquella técnica que impuso como estilo en sus primeros filmes. Antes fue la pantalla dividida y los extensos planos secuencias. Ahora el foco del director está en la utilización del vertiginoso ambiente que sólo la técnica del cine documental es capaz de proporcionar. Con pocos recursos el director de “Vestida para Matar” vuelve al cine independiente con un trabajo que se presta para muchas lecturas y que lo redime después de algunos desaciertos tales como “Misión a Marte” y “The Black Dalia”. Sin duda, “Redacted" es un filme polémico que al espectador le hará replantearse muchas dudas sobre la efectividad y control de la política exterior estadounidense en Medio Oriente.

2010-02-07T13:16:00.000-08:00

Vivir al Límite

La guerra de Irak se ha posicionado como un buen argumento para la industria fílmica estadounidense porque en ella se pueden desarrollar y explorar historias de coraje y supervivientes, además de poner en el tapete críticas directas a la política exterior y el rol de policía mundial de la era Bush. “Vivir al Límite” (The Hurt Locker) podría haber caído fácilmente en dicha descripción, pero en vez de eso estamos ante un filme independiente sobre la guerra y sus adicciones. Hay que considerar que no es uno de los primeros, ya que hace 30 años algo similar hizo Samuel Fuller con “The Big Red One”, pero si es importante destacar que la última cinta de Kathryn Bigelow reactualiza uno de los géneros más explotados de la historia del cine.

En esta oportunidad la directora de “Días Extraños”, uno de los mejores filmes sobre los temores de la era digital del nuevo milenio, nos contagia con la adrenalina que siente un escuadrón antibombas, cuyos miembros se dedican a desactivar explosivos en suelo iraquí. Con un ritmo frenético y la utilización de un estilo deudor del cine documental, Bigelow logra adentrar al espectador en la adicción del Sargento James (Jeremy Renner) por los estados surrealistas de la guerra. Probablemente no hay trabajo más arriesgado que ir a enfrentar bombas humanas, caminos plagados de dinamita o automóviles que esconden explosivos capaces de aniquilar barrios enteros. Con una dirección y oficio impecable Bigelow consigue retratar en imágenes un estilo de vida que es incomprensible para muchos, pero que para algunos pocos es el lugar para demostrar el talento y la sangre fría.

Otro mérito del filme está en que se vale de la acción para mostrar la historia. En “Vivir al Límite” no hay espacio para sensiblerías discursivas. Cada escena está orquestada con precisión milimétrica, en especial en las que los protagonistas desarman explosivos. El espectador experimenta sus respectivos puntos de vista, pero también actúa como un voyeur dispuesto a ver e impresionarse con cualquier resultado. Con ello, la astucia de Bigelow está en que también nos hacemos adictos a lo que en un principio no queremos presenciar, pero que también nos termina por cautivar.

“Vivir al Límite” es una potencial adicción que no queremos sentir y que percibimos como algo que sucede a miles de kilómetros de distancia en Medio Oriente, es decir, en un lugar ajeno a nuestra cómoda y segura realidad. Sin embargo, Bigelow demuestra que la adicción a la guerra o a cualquier estado de deshumanización se encuentra más cerca de lo que creemos, ya que está latente en todos nosotros como un leviatán que espera a ser despertado de un largo sueño. Sin lugar a dudas “Vivir al Límite” se empina como la mejor película del año, muy por encima de los efectismos y de la mecánica de “Avatar”. Sería lamentable que este pequeño filme, pero de enorme fuerza narrativa no obtuviese el Oscar a Mejor Película y Director.
Título original: “The Hurt Locker” / Director: Kathryn Bigelow / Intérpretes: Jeremy Renner, Anthony Mackie, Brian Geraghty, Evangeline Lilly, Ralph Fiennes, Davir Morse y Guy Pearce.

2009-10-26T18:09:00.000-07:00

“The Long Goodbye”

Robert Altman fue uno de los directores emblemáticos del cine americano de los 70´ a través de filmes como Mash (1970) y Nashville (1975), los que sentaron cátedra al oficializar la narración coral en el cine, y que en décadas posteriores consolidó en cintas como The Player (la mejor sátira jamás filmada sobre Hollywood), Short Cuts y Gosford Park. Este tipo de narraciones, donde la historia es el hilo conductor a través de varios protagonistas, determinaron el legado de Altman, además de identificarlo como a uno de los directores más críticos y mordaces de la sociedad estadounidense.

Después del aplauso unánime de la crítica obtenido con Mash y con el western revisionista McCabe y la Señora Miller, Altman deseaba llevar al cine al célebre detective privado Philip Marlowe. Dicho personaje, popularizado por el escritor Raymond Chandler, fue asociado hasta los setenta con los arquetipos del cine negro: hombres solitarios, lacónicos y silenciosos que siempre suelen enredarse en casos que involucran traiciones, femmes fatales y muchos cigarros en la boca. Robert Altman conservó dichos elementos en “The Long Goodbye”, tanto en la estupenda caracterización de Marlowe a cargo de Elliott Gould como en la ambientación del filme, pero tuvo la valentía de situarlo en medio de las diversidades culturales y modas de los 70´.

En un sobrio traje azul oscuro el Philip Marlowe de Gould transita por las calles y playas de Malibú bajo el eterno sol californiano. En esta ciudad artificial, poblada de maleantes caricaturescos y hippies amantes del yoga y de la meditación, Robert Altman consigue reinventar la prosa de Chandler, pero sin dejar de lado la sagacidad propia del género detectivesco, siempre estilosa y repleta de los eufemismos de un hombre que no está ni arriba o debajo de la sociedad, sino sentado cómodamente en la periferia del establishment. Es un cínico que se mueve y actúa de acuerdo a su ley.

Lo que convierte a “The Long Goodbye” es un filme tan encantador se origina en la personalización de la obra porque tanto su soundtrack, ambiente y diálogos corresponden a una extensión del propio Marlowe, siendo sus reflexiones en primera persona lo que termina por definir al resto de los personajes del filme. En todas las escenas está presente el protagonista y aquella percepción que Marlowe tiene de los demás se transfigura y es asimilada por los propios espectadores. Lo anterior demuestra que Robert Altman consiguió con “The Long Goodbye” su trabajo más personal, porque en ésta película, a diferencia de sus historias corales, el director habla y piensa a través de un sólo personaje.

“The Long Goodbye” es una película tremenda y corajuda, y que a pesar de sus más de 30 años de vida aún mantiene su magia y vigor. Estamos hablando de un filme grande, de culto, entretenido y sin pretensiones, cuya edición especial en DVD, que incluye muy buenos documentales, es un manjar para el paladar. Ojo con la entrevista al director de fotografía Vilmos Zigmond (Encuentros Cercanos del Tercer Tipo), quien creó para “The Long Goodbye” un revolucionario sistema de exposición del celuloide. ¡Imperdible!

2009-10-08T11:28:00.000-07:00

Paul Newman, El Indomable (1925-2008)

El 26 de septiembre se cumplió el primer aniversario de la muerte de Paul Newman, aquel monstruo del celuloide que definió nuevos parámetros en la calidad interpretativa cinematográfica de la mano del Actors Studio, y de la influencia de actores de la talla de Marlon Brando y James Dean. Cuando en la industria del cine nos referimos a la denominación “actor del método” es inevitable asociar dicho término con la figura de Paul Newman, sobre todo al considerar la vívida galería de personajes que nos entregó durante su carrera y que hicieron de su nombre una leyenda, quizá una de las últimas del cine clásico estadounidense.

Los personajes escenificados por Newman fueron hombres rebeldes agobiados por la culpa y, en parte, héroes redimidos que en su soledad luchaban contra las injusticias. Inolvidables fueron sus caracterizaciones, entre ellas el atormentado Brick Pollitt (El Gato sobre el Tejado Caliente de Zinc), el sagaz Eddie Felson (The Hustler y El Color del Dinero), el buscapleitos Hud Bannon (Hud), el rebelde Luke (Cool Hand Luke) y el intrépido arquitecto Doug Roberts en La Torre del Infierno. Tenemos que agregar que también fue clave para el desarrollo y complejidad de dichos personajes el increíble olfato de Newman al aceptar proyectos cinematográficos de primer nivel a cargo de los mejores cineastas estadounidenses de los 50´, 60´ y 70` -Alfred Hitchcock, Martin Ritt, Sidney Lumet, Richard Brooks, George Roy Hill, Sidney Pollack y Martin Scorsese por nombrar sólo algunos-, quienes descubrieron su talento y el magnetismo de su penetrante mirada.

Recuerdo con nostalgia cuando me topé, por primera vez, con la experiencia de La Gata sobre el Tejado de Zinc (1958). Fue un verdadero ´Tour de Force´, un golpe a mis sentidos en donde el límite entre realidad y ficción fue imposible definir. La vida misma salía de la pantalla por medio de Brick Pollit (el rol encarnado por Newman), cuya autodestrucción y frustración hacia su padre (Burl Ives) me dejó sin aliento. También tuve una sensación similar con El Veredicto (1982), donde un maduro Newman personificaba al abogado Frank Galvin, quien después de llegar al escalafón más bajo de la inmoralidad humana consigue redimirse como profesional y, sobre todo, como hombre.

Para comprender a Newman es necesario citar la famosa anécdota sobre sus desavenencias con Alfred Hitchcock durante el rodaje de La Cortina Rasgada (1966). En una escena del filme el director inglés quería que Newman simplemente mirara por una ventana, pero a éste sólo le interesaba saber cuál era su motivación para preparar la toma. Ante dicha inquietud Hitchcock no tenía respuesta porque no creía en las corrientes interpretativas y menos en el método actoral que defendía el protagonista de Butch Cassidy and The Sundance Kid (1969), el cual se basa en la evocación de las propias experiencias de los actores para la construcción de sus caracterizaciones. Lo cierto es que el director de La Ventana Indiscreta, a pesar de las diferencias creativas que mantenía con su protagonista, amaba a los actores y logró sacar partido a las condiciones físicas de Newman en una de las escenas más elaboradas y memorables del género de suspenso (el asesinato de un agente de la Stasi por medio de algunos artefactos y utensilios de una cocina).

Paul Newman era un actor de actores y un incansable ícono del cine que trabajó hasta el final de sus días (un ejemplo de ello fue la estupenda miniserie Empire Falls de HBO estrenada en 2005). A un año de su muerte la comunidad de cinéfilos honra su memoria y su legado, uno que perdurará por muchos años y que seguramente seguirá asombrando a nuevas generaciones de adictos al cine.

2009-10-02T22:12:00.000-07:00

Masters of Horror

La obra del productor y director Mick Garris en el género del terror se podría considerar un trabajo menor, si bien dos de sus creaciones merecen la atención del público y de la crítica. La primera de ellas corresponde a “The Stand”, una miniserie basada en una novela de Stephen King, cuya historia giraba en torno a los sobrevivientes de un virus que lograba aniquilar a gran parte de la humanidad. El segundo mérito de Garris fue la creación de la serie “Masters of Horror”, la que apenas tuvo dos temporadas (2005-2007), pero que a través de su calidad visual y argumental se convirtió en un apreciado reducto para los amantes del terror, además de consolidarse como un espacio para el talento de los directores de culto más relevantes de la década del 70´ y 80´.

A la cabeza de los capítulos de “Masters of Horror” estuvieron cineastas de la talla de John Carpenter (Halloween, La Niebla), Dario Argento (Suspiria, Ténebre), Joe Dante (The Howling, Gremlins), Don Coscarelli (Phantasm), Tom Holland (La Hora del Espanto), Peter Medak (The Changeling), Stuart Gordon (Re-Animator, From Beyond), Larry Cohen (It´s Alive), John Landis (Un Hombre Lobo Americano Suelto en Londres) y Tobe Hooper (La Masacre en Texas, Poltergeist), entre otros. Gracias al talento de estos verdaderos aces del suspenso, que por caprichos de los grandes estudios de cine no han podido estrenar nuevos filmes, ver y sentir esta serie se convierte en una experiencia fascinante y, a veces, casi obsesiva.

A lo largo de 60 minutos, la duración de cada capítulo, el espectador se encontrará con historias que apelan a nuestros temores más profundos, por medio de casas embrujadas, mutantes y psicópatas. Sin embargo, el protagonismo de “Masters of Horror” no se encuentra en los clichés del género de terror, sino en sus agudos guiones cargados de humor negro y crítica social, lo que puede ser apreciado en notables capítulos como Homecoming y Deer Woman. El primero, a cargo de Joe Dante, se mofa de la presidencia de George W. Bush en clave de cinta de zombies, mientras que Deer Woman, de John Landis, muestra a una mujer mitad humana y mitad ciervo que asesina a cuanto hombre se le cruza por delante.

Al ver los capítulos de "Masters of Horror" me sorprendí por su alta calidad, ya que abusar y remitirse a los lugares habituales del género de terror puede ser una tentación muy grande, sobre todo para un producto que vive a la sombra de los dramas y de las sitcom que abundan en la televisión abierta. Afortunadamente, la creación de Mick Garris es la excepción a la regla, siendo su antecedente directo la serie “Historias Asombrosas” de Steven Spielberg (1985–1987), donde célebres cineastas como Martin Scorsese y Robert Zemeckis, entre otros, se juntaron para filmar historias de corte fantástico que tuvo mucha popularidad en EE.UU. a mediados de los años ochenta. El paralelismo de dicha serie con “Masters of Horror” es evidente porque son muy pocos los proyectos audiovisuales que han conseguido juntar a viejos y nuevos talentos de la industria cinematográfica.

A quienes recién comienzan a descubrir “Masters of Horror” les recomiendo que vean los documentales que incluyen los DVD de la primera temporada, donde realizadores y actores comparten el cariño que profesan por el género de terror. Resulta sobrecogedor escuchar a cineastas que con mucho empuje, corazón y valentía nos han entregado momentos inolvidables del cine, y que gracias a la televisión demostraron que aún están ahí…esperándonos para que nos asustemos y gritemos como si el propio infierno tocara nuestra puerta.

2009-08-15T19:45:00.000-07:00

La noche en que Aimee Mann me

cantó una canción

En esta página por lo general se escribe sobre cine, pero en esta ocasión haré una excepción con el primer concierto de Aimee Mann en nuestro país. Aunque pensándolo mejor la música de la ex ´Til Tuesday es más cinematográfica que muchas películas y no lo digo sólo por la composición del soundtrack de esa joyita que es Magnolia.

El Teatro Teletón estaba repleto de ávidos fanáticos que querían escuchar a una de las voces más representativas de la música indie estadounidense. Tal como lo dijo Marcelo Contreras, en su columna publicada en El Mercurio, la guapísima Aimee Mann apareció sobre el escenario con un look a lo Diane Keaton en Annie Hall que la hacía ver aún más atractiva a sus casi 50 años. Con apenas dos músicos, que ambientaron uno de los shows más íntimos de 2009, la rubia cantante de intensos ojos azules logró maravillar al público con su energética voz, la que nunca defraudó a pesar de un resfrío que la tuvo preocupada al inicio del show. Lógicamente tocó temas de Magnolia, cuyo punto más alto fue aquel himno de los outsiders que es “Save Me”, pero también nos regaló sorpresas de sus discos “Lost In Space”, “I´m With Stupid” y de su último trabajo “@#%&*! Smilers”.

El show de Aimee Mann fue una clase magistral de sobriedad, que estuvo ambientado con la lluvia invernal capitalina de fondo. La inspiración de Paul Thomas Anderson siempre se mostró empática y cercana al público y, sobre todo, demostró que los grandes artistas suelen ser aquellos que destacan por su humildad. Sin lugar a dudas, la intérprete de “Driving Sideways” es mi cantante favorita porque las letras de sus canciones son tremendamente honestas y cercanas, debido a que tocan la fibra de la nostalgia a través de melodías directas y carentes de artificios. Cuando tocó el tema “Little Tornado” sentí un nudo en la garganta y creo que dicha sensación se apoderó de todas las personas que estaban presentes en el Teatro Teletón, cuyo respeto se manifestó en un silencio casi sepulcral.

Nunca olvidaré este gran concierto y menos cuando este humilde columnista tuvo el coraje de ponerse de pie, para pedirle a Aimee Mann en nervioso inglés una canción casi al final de su presentación. Nada menos que “Invisible Ink” fue mi solicitud y la alta y delgadísima Mann ni siquiera titubeo. Tomó su guitarra y canto la canción que le pedí para mí y para todos los que estábamos presentes. En ese momento pensé que un bello ángel bajaba del cielo a cantarme. El momento fue casi cinematográfico.

Philip Seymour Hoffman dice en Magnolia que hay escenas que ponen en las películas porque suceden en la vida real. Bueno, eso fue lo que sentí cuando Aimee Mann cantó “Invisible Ink”. Después de eso no tuve nada más que decir porque la enorme sonrisa que se dibujó en mi cara, desde que salí del teatro hasta que llegué a mi casa, lo dijo todo.

2009-07-28T12:32:00.000-07:00

Cinéfilos del mundo unidos

Reviso mi dvdteca y no puedo dejar de sentir un gran orgullo. Para un fanático del cine no hay mayor placer que admirar aquellos títulos en sus cajas originales, más aún si se trata de ediciones especiales para coleccionistas. Ver aquellos colores e imágenes de cada filme en carátulas que resplandecen con los comentarios de Peter Travers, Roger Ebert, Richard Schiekel y o de la desaparecida Pauline Kael, entre otros célebres críticos, me hace sentir en el paraíso. Aquella sensación aumenta considerablemente cuando pienso que en mis manos tengo el legado de los artistas del séptimo arte que más admiro. Cuando he adquirido películas de Alfred Hitchcock o alguna rareza de culto, de cualquier década, siento que estoy realizando un aporte al cine porque al transmitir a mis amigos y conocidos el valor social, cultural y audiovisual, de grandes y pequeñas obras, siento que estoy preservando un arte que tiene festivales, pero que no tiene museos o bien muy pocos en el mundo.

Si fuese un millonario excéntrico, al estilo Orson Welles en Citizen Kane, construiría un gran museo con una veintena de salas de cine. En cada una de ellas exhibiría ciclos de cine, con análisis y expositores de primer nivel, quienes hablarían sobre los grandes maestros, estilos y cintas de todo el mundo. Por ejemplo, acomodaría una sala para la presentación de las obras de Hitchcock, Fellini, Bergman, Buñuel, Kubrick, Fuller, Eastwood y tantos otros. Otra sala sería para los exponentes del cine de catástrofe, una tercera sala para musicales de Bob Fosse, también habría espacio para los filmes realizados por Freddi Francis para la Casa Hammer y tantas otras ideas que tengo en mente. Obviamente la entrada sería gratis y existirían espacios para que los espectadores pudieran exponer sus opiniones. Seguramente muchos fanáticos del cine sueñan con realizar un proyecto de este tipo, pero igual…¿No creen que un museo cinematográfico de esta envergadura sería espectacular? En fin, soñar no cuesta nada.

Muchos aún dudan si el cine es un arte en sí mismo y esa postura se debe a que este medio de expresión aún es joven si lo comparamos con la pintura, la escultura o la música. Se venden enciclopedias de los principales pintores del mundo, cuyos movimientos se enseñan en colegios y universidades, pero quizá nunca veremos, como parte del programa educacional de cualquier Gobierno, clases sobre el cine de ciencia ficción o del Nerorrealismo Italiano a alumnos de enseñanza básica y media. Menos probable sería la realización de talleres sobre la obra de David Lynch o acerca de la erotización del cine de parte de Pier Paolo Pasollini. Me gusta creer que dicho panorama cambiará en el futuro, pero mientras tanto los cinéfilos del mundo unidos tendremos que consolarnos con el aporte individual que hacemos al recomendar un filme o al explicar quién era Frank Capra, Henry Hathaway, Farley Granger, Olivia de Havilland, Henry Fonda, Toshiro Mifune o John Sturges, por sólo nombrar algunos de los residentes del gran panteón del cine.

Observo los títulos de los más de mil DVD que tengo y pienso que aquellos tesoros representan mi humilde compromiso con el cine, porque algún día ese conocimiento, ese gran legado que me ha tomado años recopilar, será parte de mi familia y de mis descendientes. Es mi pasión y es lo que me motiva y lo que me hace soñar, debido a que de alguna forma estoy ante la revelación de cientos de personas que se inspiraron y dedicaron su vida al servicio del celuloide, en 35 milímetros, y en una gran pantalla para todos nosotros.

2009-07-13T13:40:00.000-07:00

Planet Terror y Death Proof

Grindhouse fue uno de los proyectos más interesantes de 2007, sobre todo al considerar sus principales artífices: la dupla Quentin Tarantino y Robert Rodríguez. Se trató de un homenaje al cine Explotation, el cual es la denominación que se dio a las películas de los años 70` que se destacaban por sus tramas sin profundidad y que contenían un cóctel variado de violencia, gore, persecuciones en auto, escenas de sexo y efectos especiales de bajo presupuesto. El cine Explotation fue el principal patrimonio de productoras independientes que comercializaban filmes fuera del circuito de los grandes estudios, y que se exhibían en los autocinemas de cientos de pueblos de Estados Unidos. Por lo general, era un cine muy popular que gozaba de mucha aceptación entre los jóvenes, pero que siempre fue ignorado por la crítica hasta que finalmente tuvo su tiro de gracia de parte de los grandes estrenos y del mercado del videoclub a principio de los años ochenta.

Tarantino y Rodríguez rescatan lo mejor de dicho cine, incluso sus detalles más característicos tales como los defectos en el celuloide, reiteraciones en el audio y hasta la osadía, que aplaudo con todas sus letras, de perder algunas escenas en cada uno de sus filmes, lo que concede un sentido de autenticidad que lamentablemente se ha extraviado entre la pulcritud del cine de hoy. Al igual que en las exhibiciones del género Explotation, ambos cineastas nos presentan una función de cine doble poblada de personajes variopintos que rayan en lo cliché, pero que nunca pierden su encanto gracias a su estilo y cadencia. El cine es pura imagen, por ende mucho estilo y, en cierta medida, esas son las características que tienen en común Tarantino, Rodríguez y el cine Explotation.

La primera historia de Grindhouse corresponde a Planet Terror, que también funciona como un homenaje al cine de ciencia ficción y de terror de los 70`, y que tiene como inspiración directa el clásico de George A. Romero “La Noche de los Muertos Vivientes”. Sin embargo, se diferencia en que no pretende ser una crítica a la sociedad consumista como lo fueron las sagas mortuorias de Romero, sino un pastiche descarnado de sangre que resulta ser un deleite para los sentidos. La historia comienza con la exposición a un químico, el cual es liberado al aire por unos militares y cuyos efectos transforman a seres humanos en zombies sedientos de sangre. Qué es lo interesante hasta aquí...todo. ¿Por qué? Porque Rodríguez es capaz de articular un festín audiovisual con estrellas de los ochenta (Michael Biehn yJeff Fahey), talentos en ascensos megaestrellas como Bruce Willis que se parodia a sí mismo, actores noveles sin experiencia (los amigos de Rodríguez, entre ellos su médico personal y sus primas), íconos del celuloide (Michael Parks), cine gore que nos hace recordar los mejores tiempos de Peter Jackson, y como guinda de la torta…una streaper de protagonista que utiliza una ametralladora como pierna derecha (interpretada por la excelente Rose MacGowen, cuya caracterización nos hace olvidar su incursión en una de las series más infames del cable: Charmed).

Con “Planet Terror” Robert Rodríguez nos entrega una de sus películas más humorísticas y desenfrenadas (reminiscencias del encanto de “El Crepúsculo al Amanecer” está presente en algunas escenas. El mejor ejemplo de ello son los minutos concedidos al legendario Tom Savini). Esta fue la única cinta de Grindhouse que se estrenó en Chile, la que llegó con un retraso de casi dos años, pero que por lo menos no tuvo la mala suerte del filme de Tarantino, el que pasó directamente a los videoclubes (¡Que descaro!). Recuerdo que cuando criticaron “Planet Terror” en Wiken valoraron gran parte de sus artilugios visuales, si bien desdeñaron por su poca profundidad. Eso nos demuestra que el mal olfato de los distribuidores también se da en algunos críticos locales, quienes no logran percibir algunos filmes en su contexto o por lo que son. A Planet Terror hay que verla y comprenderla desde lo que es, es decir, un homenaje al cine Explotation con todas sus letras y en eso es más que efectiva.

El segundo largometraje de Grindhouse es “Death Proof”, la quinta película de Quentin Tarantino, la que contiene todos lo elementos tarantinescos clásicos: extensos diálogos, un banda sonora escogida con pinzas, mujeres decididas de carácter fuerte y elementos del reconocido bagaje cinematográfico de uno de los autores más aplaudidos de los 90`. A dichas características se debe agregar la astucia de haber rescatado el talento de famosos dobles de riesgo capaces de poner en movimiento escenas de persecución y de accidentes de automóviles, que en la película del autor de “Pulp Fiction” resultan ser la extensión de cintas del calibre de “Bullit”, “Contacto en Francia” y de “Vanishing Point” (uno de los íconos del cine Explotation).

En “Death Proof” el protagonista no es uno, sino varias mujeres que son acechadas por el eterno Kurt Russel, quien con casi 60 años aún se ve y camina como su personaje más famoso: Snake Plisken ( de “Escape de Nueva York”). Si hay algo que sabe hacer Tarantino es jugar con la imagen, la que pone a disposición del suspenso y de escenas con muchos diálogos que se transforman en reductos de trivialidades, y de guiños a la cultura Fast food y de temas comunes que consiguen captar la atención de cualquier tipo de espectador. Su cine nunca nos hace sentir ajenos porque tiene la capacidad de imponer mucho estilo en los lugares comunes que suele captar su cámara, para finalmente sorprendernos con su conocimiento del encuadre, lo que pocos cineastas hacen, entre ellos Martin Scorserse y Michael Mann.

Grindhouse es sorpresa y adrenalina pura porque detrás de sus cintas “Planet Terror” y “Death Proof” hay una pasión y amor por el cine tan intensa, auténtica y desprendida de cualquier atadura que nos hace sentir como niños en un circo. Sin lugar a dudas que estos filmes se transformarán en futuros clásicos, los que también servirán a nuevas generaciones para el conocimiento de la obra del cine Explotation. Autores como Rodríguez y Tarantino, a diferencia de los cientos de cineastas por encargo que existen hoy, nos recuerdan que el cine es un arte en muchas dimensiones y que tiene una historia que no sólo está sustentada en el cine clásico o en las corrientes cinematográficas europeas.

2009-03-29T16:54:00.000-07:00

Gran Torino:
El corazón de una leyenda

Tengo miedo...miedo porque veo que Clint Eastwood está en el pináculo de su carrera, demostrando el poderoso talento de su etapa crepuscular y pienso que quizá en diez años más ya no va a estar alimentando el espíritu de muchos cinéfilos. Lo vi imponente en “Gran Torino” con su voz ronca y aquellos ojos que desde los tiempos del hombre sin nombre y Harry Callahan han conseguido intimidar y, sobre todo, venerar respeto de parte de cientos de espectadores. Si!...tengo miedo porque la llama que ha alimentado al heredero natural de John Ford y al exponente más genuino del cine norteamericano actual tiene 78 años y me pregunto cuanto más de su talento podremos ver en pantalla en el futuro. Quiero pensar que esa llama aún tiene mucho que mostrarnos, tal como lo sigue haciendo Sydney Lumet o como lo hizo en forma estoica Robert Altman hasta el último de sus días.

Hace muchos años atrás estuve en México y en las paredes de un famoso restaurant estaban las firmas de muchos famosos, entre ellos la del director de “Río Místico”. Recuerdo que en mi adolescencia ya identificaba que estaba ante el rastro de una leyenda. Mis manos se deslizaron por cada hendidura de aquella firma, la que se notaba que pertenecía a un tipo duro, de esos que también encarnaron Lee Marvin o Steve McQueen. Quedé atónito y saqué una foto del nombre de Eastwood, la que atesoro hasta hoy día como lo más cerca que estuve del autor de “Un Mundo Perfecto”.

Sin duda que Clin Eastwood es uno de mis directores y actores favoritos. Cuando me enamoré del cine fue a través del talento y el carisma de Alfred Hitchcock, David Lean, James Stewart, Audrey Herpurn, Peter O`Toole, Grace Kelly, Frank Capra y por supuesto que también el de Eastwood. Y desde aquel tiempo aquella personalidad quieta y de pocas palabras continúa agudizando mis sentidos. El escritor Albert Fuguet lo dejó bien claro en una de sus críticas en donde señaló que “Gran Torino” no sólo es cine, sino que es una PELÍCULA, es decir, una experiencia emocional que te demuestra que el cine aún puede ser el séptimo arte.

Con “Gran Torino” Eastwood retoma todas las motivaciones de sus filmes anteriores tales como la pérdida de los valores, el sacrificio, la añoranza por los viejos tiempos, la madurez, la culpa, la religión y la venganza. En esta oportunidad el director de “Bird” representa a Walt Kowalski, un viejo gruñón, veterano de la guerra de Corea y xenófobo, quien conoce a una familia Hmong, cuyo integrante más joven es amedrentado por una pandilla. A partir de un incidente el personaje de Kowalski comienza a acercarse a una cultura que en cierta manera representa el último bastión de la moralidad que Eastwood también encarna y que la mayoría de sus filmes denuncia como una de las principales pérdidas del estilo de vida americano. La trama es sencilla, pero es en su sencillez en donde se encuentra el valor de “Gran Torino”, que en sus pausas, conversaciones, pequeños detalles y en su pulcritud visual muestran una de las cintas más auténticas, puras y de gran corazón de los últimos años.

Las películas de Eastwood siempre me han producido un nudo en la garganta y “Gran Torino”, un filme que sin duda se convertirá en un clásico, me emocionó hasta el tuétano. También me hizo reír y, sobre todo, me ratificó que por más de dos horas estuve frente al talento del último de los grandes...cara a cara con el corazón de una leyenda.

Título Original: Gran Torino / Director: Clint Eastwood / Intérpretes: Clint Eastwood, Christopher Carley, Bee Vang y Ahney Her / Año: 2008.

2009-02-20T17:56:00.000-08:00

El Giallo en estado puro

Dario Argento ha consolidado una filmografía que podríamos considerar como un eje fundacional en el género Giallo, si bien éste fue acuñado mucho antes de la mano de Mario Bava en sus filmes “La Máscara del Diablo” y “Black Sabbath”. Sin embargo, la puesta en escena de Argento se encuentra muy arraigada en la imaginería de los cinéfilos. Cuando analizamos el Giallo lo asociamos directamente a películas como “Profondo Rosso”, “Suspiria” o “Infierno”, las que gracias a Argento lograron masificar e imponer un estilo visual y sonoro casi operático que por muchos años ha cautivado a cientos de espectadores.
Tenemos que reconocer que las historias de Argento no siempre son consistentes. Quizá el punto más débil del maestro italiano son las tramas de sus filmes, que aunque cumplen las reglas del Giallo suelen perder coherencia. En todo caso el valor de Argento se encuentra en su agudeza visual y en el haber creado preceptos propios del horror italiano. Algunos de ellos son los escenarios de ensueño, casi sacados de ambientes propios del realismo mágico, en los que la estridencia de la música consiguen una ambientación gótica que también raya en los límites del barroquismo. Al igual que Hitchcock, el director de “Ténebre” transforma los artilugios visuales y el plano sonoro en protagonistas. Adorna sus filmes con temas poco profundizados en el género de terror -brujas, cultos, violadores y personajes enajenados-, pero sin duda el gran aporte de Argento está en su teatrabilidad fílmica.
Recuerdo cuando tuve la experiencia de “Suspiria” y quedé estupefacto con sus primeras escenas. Durante días no me pude sacar de la cabeza la música del grupo Goblin y esa perturbable sensación de ansiedad que Argento logra imprimir a cada uno de sus filmes. El Giallo de por sí es crudo en sus imágenes con cuchillos deslizándose por el cuello de víctimas que chisporrotean sangre en paredes y pisos. Argento es especialista en maquetear dichas imágenes, las que ha conseguido orquestar con mayor o menor astucia, pero siempre delineadas en una realidad fantástica e impía difícil de olvidar.
Descubrir el cine de Argento me ha permitido acercarme a una de las filmografías más interesantes del cine europeo. Cuando vi una de sus cintas no pude evitar ver las demás. Creo que el origen de ese comportamiento sintomático sucede con la mayoría de los espectadores del Giallo. Es verdad que nos dejamos seducir por las escenas de gore, horrendos crímenes y violencia excesiva que resplandecen en filosos cuchillos, pero en el caso de Argento el estímulo principal se encuentra en las sensaciones que evocan sus películas, en donde la angustia, el horror y los miedos más primitivos del hombre se encuentran en una ecuación perfecta. Dario Argento es el epítome del Giallo, pero también es un universo paralelo digno de ser estudiado y disfrutado con todos los sentidos.

2009-02-13T07:58:00.000-08:00

El único y gran Lebowski

El otro día leí un artículo publicado en la revista Rolling Stone sobre el décimo aniversario del filme El Gran Lebowski. La nota incluía comentarios de los protagonistas de la película y análisis sobre su impacto en la cultura popular norteamericana, cuyo fenómeno ha promovido la creación de convenciones en torno al personaje que inmortalizó Jeff Bridges: “The Dude”. Siempre me ha gustado el cine de los hermanos Coen, sobre todo cuando viví la experiencia de “Blood Simple” y “Fargo”, pero debo decir que con “El Gran Lebowski” lo pasé como nunca, ya que me relajé mucho y me di cuenta que me hubiese encantado vivir algunos años como el Dude, o sea, ser un tipo sin preocupaciones, responsabilidades y sin sentir apego por lo material.
“El Gran Lebowski” se enmarca en el molde de los Coen, es decir una cinta con personajes caricaturescos y algunos más que tontos. Gran parte de los críticos de cine señalan que los creadores de “Barton Fink” creen más en la estupidez humana que en dotar a sus personajes de sentido común. Considero que esto es bastante cierto, pero discrepo cuando dicen que sus personajes no son reales. Al contrario, a pesar de que los Coen caen en la exageración sus historias tienen mucho de fábulas, las que son sintomáticas a los comportamientos sociales de hoy. Conformistas como Billy Bob Thornton en “El Hombre que nunca estuvo”, el empresario ambicioso y sin escrúpulos de Paul Newman en “El Gran Salto” o los criminales de poca monta, torpes y sádicos interpretados por Peter Stomare y Steve Buscemi en “Fargo” están a la vuelta de la esquina. Lo que sucede es que los Coen se atreven a ponerlos en el centro de sus películas. Por eso, no debiera parecernos extraño la idea de que tipos como The Dude puedan ser protagonistas de una historia porque en la vida real también existen Dudes con nombre y apellido que juegan bolos, no hacen dada y que tienen una filosofía de vida a base de Ruso Blanco y música de Credence.
En el reportaje que leí se señala que los galardonados directores de “No Country for Old Men” usualmente se inspiran en personas reales y que tanto Ethan como Joel otorgan mucha importancia a las historias de humor negro y a los episodios más estrafalarios de la vida diaria. Nos reímos de esas anécdotas que son dignas de fábulas o de comedias de equivocaciones, las que al final catalogamos como hechos aislados. Con los Coen sucede todo lo contrario porque ellos suelen desarrollar argumentos que se sitúan en el campo de lo asombroso. Los espectadores buscan moralejas y se esfuerzan por determinar posibles sentidos en todas sus obras, pero al final se tropiezan con hechos que no siempre tienen explicación y que sólo pasan arrastrando consigo ironía, fatalidad y el absurdo del cual también somos parte.
“El Gran Lebowski” es hermanos Coen en estado puro. Nos reímos de The Dude y de las simplicidades o complejidades mentales de sus amigos, que originan divertidos incidentes, unos más absurdos que otros, pero creo que en el fondo los creadores de la infame “The Ladykillers” (un remake que si bien no es tan malo no era necesario hacer) ironizan sobre el género humano como pocos cineastas norteamericanos lo han hecho.
Estoy seguro de que las aventuras de “The Dude” continuarán marcando el imaginario colectivo de nuevas generaciones de cinéfilos. Es imposible escapar al encanto y honestidad de esta cinta que al momento de su estreno pocos consideraron, pero que con el tiempo se ha convertido en un filme de culto. Creo que un buen consejo para entender mejor esta película y la filmografía de los Coen podría ser escuchar la música de Carter Burwell, quien como compositor de todas sus cintas ha logrado crear una asociación muy precisa entre score e imágenes (algo similar a Badalamenti y Lynch).

Si quieres saber sobre “Blood Simple” de los hermanos Coen, haz clic en el siguiente link:
http://cineadicto.blogspot.com/2005_12_01_archive.html

2009-01-31T15:01:00.000-08:00

Sólo un Sueño

Hay películas que con sólo un par de escenas sustentadas por buenas actuaciones se convierten en un recuerdo imborrable para toda la vida. Me pasó cuando vi por primera vez ¿Quién el teme a Virginia Wolf?, Gente como Uno, Annie Hall o Al Calor de la Noche. En ese momento pensé que la razón se debía a que dichos filmes tenían una buena historia, pero después de haberlas visto nuevamente, en reposiciones en el cable o en DVD, me di cuenta de que fueron los pequeños gestos y la intensidad de los actores, quienes finalmente determinan gran parte de la trascendencia de cualquier pieza cinematográfica. Evidentemente los directores, el guión y una lista infinita de requerimientos técnicos son los encargados de orquestar y de conducir a buen puerto los talentos de los actores, pero hay que reconocer que sin ellos muchas películas no serían lo que son hoy y tampoco la visión de muchos directores estaría 100% completa. Es así como “Sólo un Sueño” se convierte en uno de los trabajos más sobresalientes de Sam Mendes, quien ha demostrado una interesante mirada a las costumbres de la vida estadounidense, pero que quizá no tendría el mismo resultado si no contara con el tour de force de la interpretaciones de Leonardo DiCaprio y Kate Winslet.
“Sólo un Sueño” centra su historia en los moldes sociales que acaban por tragarse las ilusiones y los anhelos de seres humanos que terminan privilegiando la comodidad y los convencionalismos propios del establishment suburbano (temas que Mendes tocó hace diez años en la sobrevalorada “Belleza Americana”). En esta ocasión los afectados son un joven matrimonio que a mediados de la década del 50` atraviesan dificultades tan contingentes como las que suceden hoy en día, pero que en aquella época se sobrellevaban en el silencio y al interior de perfectas casas con verdes jardines que representaban la búsqueda y definición del Sueño Americano de una nación de post guerra.
Lo más desgarrador de “Sólo un Sueño” es su premisa argumental: en la vida son muy pocas las personas que logran hacer realidad sus anhelos. El título para el mercado español toca la tecla exacta del filme, ya que logra transmitir que la vida es una promesa que depende de nuestra lealtad hacia nuestros sueños. Sin embargo, el título original “Revolutionary Road” es mucho más filoso porque representa las ironías de un matrimonio que se pierde en la angustia de sus miedos. El director de "Camino a la Perdición" nos muestra que lo cuerdo a veces no parece tan lógico como creemos, debido a que vivimos condicionados a lo material y a un concepto equívoco y preestablecido de lo que pensamos que es el amor de pareja.
El último trabajo de Sam Mendes es fatalismo y violencia psicológica pura, es decir, la vida misma con todas sus letras, desilusiones y felicidades pasajeras. “Sólo un Sueño” es cine cruel, pero real porque representa un espejo en donde vemos lo que en ocasiones queremos ignorar. Esta es una película altamente recomendable por las impecables e inolvidables actuaciones de sus protagonistas, su increíble puesta en escena y su extraordinaria banda sonora a cargo de Thomas Newman, pero, sobre todo, por ser un filme que hace del cine lo que también tiene que ser: un vehículo para nuestras emociones más vívidas y dolorosas. ¡Muy buena!

Título Original: Revolutionary Road / Director: Sam Mendes / Intérpretes: Leonardo DiCaprio, Kate Winslet y Kathy Bates / Año: 2008.

2009-01-30T10:09:00.000-08:00

W.

Oliver Stone ha desarrollado su filmografía a partir de los episodios más candentes de los últimos dos siglos de la historia norteamericana. Por medio del asesinato de Kennedy, la intervención de la C.I.A. en la guerra de El Salvador y los atentados a las Torres Gemelas, entre otros acontecimientos e íconos de la cultura estadounidense, el director de “Asesinos por Naturaleza” ha logrado escenificar para los espectadores el clamor, la arrogancia y la euforia del pueblo americano. En “W.” retoma el camino después del porrazo de “Alexander” y de la lacrimógena “World Trade Center”, y eso no es menor, ya que nos muestra su mejor trabajo desde “Nixon” (1995). Los talentos como narrador de Oliver Stone están más cerca de la esfera política, de la denuncia y de la crítica dura, ya que es uno de los pocos cineastas que sabe retratar en imágenes el tema del poder y, sobre todo, la pérdida de éste a manos de hombres moralmente perdidos y enceguecidos por la grandeza.
Las mejores películas de Stone tienen la estructura de una gran tragedia griega (Pelotón, Salvador, Nacido el 4 de Julio, JFK y la citada Nixon), en la que los protagonistas depositan su fe en el Estado, en la libertad y en los valores más honorables del ámbito cívico, pero que movidos por un destino trágico y la corrupción inherente al poder sucumben en la desazón y en la destrucción de la inocencia. En “W.” se pueden detectar dichos mensajes en el camino que pavimentó el auge y caída de uno de los presidentes más impopulares de EE.UU. Pareciera ser que el director de “Un Domingo Cualquiera” siente fascinación por aquellos personajes más detestados por la opinión pública estadounidense y, en este caso, a nivel mundial. Quizá uno de los orígenes de dichos planteamientos sean las experiencias vividas por el propio director en la Guerra de Vietnam, en donde en carne propia fue testigo privilegiado de los caprichos de Washington y de su “política del garrote”.
Stone nos muestra un George W. Bush, independiente de su ignorancia, complejos y decisiones poco acertadas, bastante humanizado. Josh Brolin (quien hace más de dos décadas fue uno de los protagonistas de “Los Goonies” de Richard Donner), se la juega por una caracterización que no sólo impresiona por su parecido físico con Bush, sino que además transmite una interesante profundidad psicológica en la que se puede apreciar el interés del director sobre temas como la paternidad. En el caso de “W.” tenemos a un protagonista que vive a la sombra del padre y que actúa, siente y expresa emociones según su orgullo, caprichos e inseguridades, y quizá esa característica lo hace ser un personaje mucho más peligroso, pero también llamativo.
“W.” demuestra el interés que despierta Bush en la opinión pública, sobre todo si consideramos que el filme se estrenó cuando aún ejercía como presidente, un hecho que nos hace reflexionar aún más sobre su importancia como obra cinematográfica y como ejemplo de las inquietudes de Hollywood por adentrase en el cine político (cuestionamientos que antes motivaron a cineastas de la talla de Frank Capra y John Frankenheimer).
Excelentes secundarios y escenas memorables tales como en la que Bush y sus secuaces acuñan el famoso término “Eje del Mal” hacen del último trabajo de Oliver Stone su tardío reencuentro con el público y con sus mejores capacidades como autor. Mención aparte merece Brolin, quien después de trabajar con los hermanos Coen en “Sin Lugar para los Débiles” se acerca a lo mejor de su generación.
Título original: W. / Director: Oliver Stone / Intérpretes: Josh Brolin, Thandi Newton, Richard Dreyfuss, Scott Glenn, Jeffrey Wright y James Cronwell / Año: 2008.

2009-01-21T16:33:00.000-08:00

La Vida Salvaje de Sam Peckinpah

Acabo de leer el libro “Sam Peckinpah, Vida Salvaje” de Gerner Simmons. La experiencia fue espectacular, ya que prácticamente me devoré el texto y disfrute mucho con cada una de sus páginas. Creo que de todos los libros de cine que he estudiado el trabajo de Simmons es el más revelador en cuanto a la esencia del cine y la comunión, a nivel profesional y personal, de un cineasta con su creatividad e inventiva. En ningún caso corresponde a un estudio analítico sobre la filmografía del director de “La Huída”, ya que va más allá en sus planteamientos al describe en forma casi novelesca las experiencias personales de Peckinpah en su dimensión más profunda.
“Sam Peckinpah, vida salvaje” es un testimonio, a través de entrevistas y conversaciones con productores, actores y técnicos sobre los demonios, contradicciones y motivaciones de uno de los cineastas más emblemáticos de la década del 70`. En más de 200 páginas la vida de Peckinpah, quien fue parte de la innovaciones cinematográficas que encabezaron personajes como Bognadovich, Cassavettes, Coppola y Malick, entre otros, traspasa la mera anécdota para convertirse en un libro que revela aspectos íntimos que permiten comprender las líneas argumentales y la autodestrucción de un cineasta que con apenas 14 películas ha inspirado a cientos de cinéfilos y cineastas.

El texto de Gerner Simmons, quien actualmente es un reputado experto y teórico en cine, se impregna de hechos reales que superan la ficción. De hecho su historia con Peckinpah comenzó durante el rodaje de “Bring Me the Head of Alfredo García” (1974). Aquel encuentro ayudó a Simmons a conocer el lado más amable del director de “Major Dundee” además de su talento para situarse detrás de cámara, pero también le dejó recuerdos imborrables sobre su alcoholismo, temperamento autodestructivo y obsesiones.

Gerner Simmons señala en su libro haber quedado atónito cuando fue a ver al cine “La Pandilla Salvaje”. Entre escenas en cámara lenta, masacres y diálogos de enorme complejidad dramática, Simmons decidió ser biógrafo del director de “Junior Bonner” a quien, después de mucho esfuerzo y coraje, logró conocer en las polvorientas y coloniales calles de ciudad de México. “Sam Peckinpah, vida salvaje” me acercó al mito del cineasta que me inspiró con “Pistoleros al Atardecer”, me asombró con “La Pandilla Salvaje”, me golpeó mis sentidos con “Perros de Paja”, me conmovió con “Tráiganme la Cabeza de Alfredo García” y me hizo llorar con la honestidad de “La Cruz de Hierro”. Simmons nos devuelve la fe sobre el enorme poder del cine, sobre todo cuando sus imágenes pertenecen a la visión de autores de la talla y carácter de Sam Peckinpah…..sin duda el último cowboy del cine moderno.

2008-10-13T10:46:00.000-07:00

David Cronenberg: uno de los últimos cineastas visionarios

Cronenberg no es un autor fácil de entender. Su cine esconde muchos parámetros, simbologías y temas que son una constante en su filmografía. La sexualidad, la biomedicina, la genética, la realidad virtual y la violencia son algunos ejes narrativos que se pueden encontrar en sus historias, las que suceden, por lo general, en espacios minimalistas, fríos y distantes. Las películas del canadiense se centran en la naturaleza pérfida del hombre envuelta en un trágico destino, aspecto muy bien retratado por el compositor Howard Shore, uno de sus más cercanos colaboradores, quien con sus partituras en las películas de Cronenberg suele transmitir desazón y fatalidad.
Una de las primeras películas que más me impactaron de Cronenberg fue “The Brood”, en la cual la ira es el sentimiento catalizador capaz de crear seres violentos y monstruosos. Es una cinta poco conocida en Chile, pero debo decir que aterroriza desde su planteamiento. Esto demuestra que todas las cintas del director de “La Zona Muerta” inquietan desde su propio origen narrativo. Por ejemplo, en “Videodrome” tenemos el control y manipulación de los medios, en “La Mosca” prevalece la invención contra el creador y en “Una Historia Violenta” la domesticación de los instintos resulta ser una mera omisión pasajera.
En “Dead Ringers” también el argumento oprime todos los demás elementos. Dos hermanos gemelos tienen la misma profesión, trabajan juntos, pero también su sexualidad es compartida. Uno es la sombra y otro es la luz hasta que uno de ellos desea su propia individualidad. Dicha búsqueda de identidad es la que los conduce a la pérdida de su simbiosis, la que es imposible de recuperar porque el equilibrio entre ambos ya fue vulnerado. “Dead Ringers” me dejó atónito, no sólo por la capacidad interpretativa de Jeremy Irons, sino también por su melancolía y lirismo.
Es increíble presenciar la evolución de Cronenberg como director, cuya obra nos habla de temas tabúes (la excitación sexual por medio de accidentes de tránsito en “Crash”) que son obviados o simplemente ignorados en el cine actual. Es un gran cineasta dispuesto a llevar al espectador al filo de sus sentidos y que ha demostrado una madurez en su filmografía que hasta el día de hoy continúa entregándonos gratas sorpresas. Por eso, cuesta entender a aquellos críticos, en especial algunos nacionales, que han señalado que en “Una Historia Violenta” y en “Promesas del Oeste”, Cronenberg ha olvidado parte de sus raíces.
Aquellos críticos están absolutamente equivocados porque cometen el error de meter a Cronenberg en un molde prístino y sin bases sólidas. Las últimas cintas del cineasta canadiense contienen toda la dimensión que ha sido plasmada en sus primeras cintas. La única diferencia es que Cronenberg ha sabido plantear sus preocupaciones en nuevas formas de expresión visual. Aquella búsqueda es parte del derecho que tiene todo director. Lamentablemente algunos críticos no comprenden estos saltos filmográficos. Le pasó a Hitchcock cuando estrenó “Vértigo”, a Kubrick con “2001 Odisea en el Espacio” y también a Orson Welles con “Sed de Mal”. Dichas cintas fueron incomprendidas en su momento y a veces se les trató a estos directores como autores que habían traicionado sus propios principios y obra. Por suerte, el tiempo sanó este garrafal error. En esos casos, el problema fue que el crítico de cine pecó al no haber abierto su mente para comprender que los cineastas muchas veces se adelantan a los convencionalismos de su tiempo. En ese sentido, Cronenberg es, sin duda, un gran director visionario.

2008-06-22T11:21:00.000-07:00

Hermanos de sangre

The Savages es una cinta sobre la vejez y las responsabilidades familiares. También es un acercamiento entre hermanos unidos por la intelectualidad, pero distanciados en los afectos. Este filme, dirigido por Tamara Jenkins y protagonizado por dos de los actores más sólidos del cine indie estadounidense, Laura Linney y Philip Seymor Hoffman, nunca llegó a las salas capitalinas. No siquiera está disponible en videoclubes, pero en las tiendas especializadas en dvd se puede adquirir. Mi buena fortuna me permitió ver esta película en Buenos Aires, en donde las salas de cine todavía se arriesgan por exhibir buenos productos. La otra ventaja fue que la vi con mi viejo, quien disfrutó mucho de la acidez y humor negro de una cinta que se la juega por mostrar temas que prácticamente están vetados en el cine contemporáneo: la vejez y las dolorosas decisiones que se forman en torno a ella.
Lo cierto es que “The Savages”, por debajo de su gélido encanto y diálogos punzantes, se centra en la tercera etapa del hombre, pero con especial cuidado en su negación y olvido. La ancianidad es un tema incómodo del cual no se quiere hablar y que apenas series animadas como Los Simpson ponen en vitrina.
En “The Savages” se habla del dolor, de la indiferencia y de la demencia. Dos hermanos cínicos, egoístas y competitivos entre ellos se ven forzados a juntarse, luego que al papá de ambos se le detectara demencia. La historia invita a un road movie interno, cuyo aspecto más llamativo es la transformación de los hermanos, quienes gracias a sus excentricidades tienen más cosas en común de las que creen. Ambos son solitarios y buscan en el padre enfermo al guía y la palabra de aliento que nunca tuvieron.
Tamara Jenkins no sólo sitúa la cámara en y entre los dos hermanos, sino que también se la juega por el padre (un notable Philip Bosco, quien deja de lado los roles de comedia que lo hicieron famoso en los años ochenta). Al ver la reacción de mi papá me di cuenta de lo cercana y trágica que es “The Savages”, en donde ni siquiera el eterno y juvenil sol del desierto puede borrar las sombras y la decrepitud que es parte de la tercera edad. Jenkins retrata casi con ojo clínico la realidad de los hogares de ancianos, en donde los juegos y dinámicas grupales sólo tienen como propósito amortiguar la amarga experiencia física y mental de la longevidad. Son en estos espacios en los que los hermanos Savages se encuentran a sí mismos y en donde la película registra sus mejores momentos.
“The Savages” no se ampara en la lágrima fácil. Al contrario, retrata temas reales que impactan justamente por su veracidad, haciendo que el nudo en la garganta sea más intenso y duradero. No es fórmula, sino un testimonio de las responsabilidades y destino que silenciosamente se encuentran a la vuelta de la esquina y que olvidamos, por diversas razones, que están ahí para ponernos a prueba.
Título: “The Savages” / Director: Tamara Jenkins / Intérpretes: Laura Linney, Philip Seymour Hoffmann, Philip Bosco / Año: 2007.

2007-09-22T21:19:00.000-07:00

“Lifeforce”

Después de llamar la atención de la crítica mundial con “La Masacre en Texas” (1974) y de haber alcanzado la gloria en boleterías con “Poltergeist” (1982), Tobe Hopper llevó a la pantalla su proyecto más ambicioso: “Lifeforce”. Este filme se estrenó en 1985, contó con un presupuesto millonario, el guión fue escrito por Dan O´Bannon (guionista de Alien), los efectos especiales estuvieron a cargo del ganador del Oscar, John Dykstra (“Star Wars”) y la banda sonora fue compuesta por Henry Mancini (“La Pantera Rosa”, “Sed de Mal”) e interpretada por la Orquesta Filarmónica de Londres. Sin embargo, la película fue un fracaso comercial, si bien con los años se ha convertido en una película de ciencia ficción de culto.
La primera vez que vi “Liforce” quedé seducido por su historia, la que podría corresponder a uno de los filmes más estrafalarios de la década del ochenta.

La cinta parte con la misión del transbordador Churchill, cuya misión es desentrañar los misterios del cometa Halley, que después de más de 70 años vuelve a acercarse a la órbita terrestre. Durante su incursión por el astro los astronautas encuentran una nave alienígena con tres seres humanoides en su interior. A partir de este punto, “Lifeforce” se transforma en un pastiche de géneros, los que incluyen terror, ciencia ficción y thriller.

Hopper no escatimó en gastos y en un mismo largometraje mezcló zombies, vampiros, telepatía, gore, fuerzas sobrenaturales, la destrucción de Londres y naves espaciales. Esta combinación en manos de un novel cineasta podría conducirnos directamente a un desastre, pero con el director de “Invasores de Marte” (remake de la célebre cinta del mismo nombre y que Hopper estrenó en 1986) el resultado es más que satisfactorio. Estamos ante un filme efectivo y que a pesar de actuaciones caricaturescas (entre las que se cuenta un moderno Van Helsing) consigue fascinar por su historia, ya que nos muestra lo mejor de la ciencia ficción y nos permite apreciar el talento de su autor al momento de construir escenas con mucho ritmo y ambiente.
Probablemente Hopper cumplió el sueño de hacer una película en donde todo estuviese permitido. Incluso, los desnudos y escenas de sexo de la espectacular actriz francesa Mathilda May (“La Teta y la Luna”). Lifeforce es una película absurda, grandilocuente, apocalíptica, pero que entretiene sin mayores justificaciones. No es un intento serio y existencialista como “2001: Odisea en el Espacio” (Stanley Kubrick) o “El Día que paralizaron la Tierra” (Robert Wise). Al contrario, Lifeforce tiene como deudores lo mejor del cine de ciencia ficción clase B de la década del 50´. Aquel cine de matiné que alimentó la imaginería de otros subvalorados cineastas tales como Joe Dante (“Greemlins”, “Viaje Insólito”).
Lamentablemente Tobbe Hopper ya no dirige mucho y lo poco que ha hecho (“Cocodrilo”) apenas se deja ver como un pálido recuerdo de sus trabajos previos. Ojala que el revival actual por los ochenta le de la oportunidad de volver a sentarse en la silla de director.

Título Original: “Lifeforce” / Año: 1985 / Director: Tobe Hooper / Intérpretes: Steve Railsback, Peter Firth, Patrick Stewart, Frank Finlay, Nicholas Ball y Mathilda May.

2007-09-19T14:43:00.000-07:00

“The Last Picture Show”

¿Qué sucedió con Peter Bognadovich? Cuesta encontrar una respuesta que justifique su ausencia, sobre todo después de haber visto “The Last Picture Show” (1971). En los 70´, cuando los directores eran verdaderos dioses, el cine estadounidense experimentó una libertad creativa apabullante, en donde aparecieron temáticas propias del cine de autor. El espectador podía encontrar un cine reflexivo, cuyas historias no lo subestimaban. Al contrario, el cine de aquellos años desafiaba la inteligencia por medio de la imagen. No existía el abuso del diálogo y tampoco de los efectos. Sin ir más lejos, podríamos decir que el cine del hollywood de los 70´, en particular el producido entre 1970 y 1975, estuvo muy cerca de lo que se hacía en Europa no sólo en cuanto a temáticas, sino también en estilos. Entonces, ¿qué fue lo que sucedió con Bognadovich?, ¿por qué le perdimos el rastro?
Para las generaciones de actuales espectadores, Peter Bognadovich no significa mucho. A lo menos para algunos es un nombre curioso y como mucho lo identifican como el actor que interpretaba al doctor Elliot Kupferberg, un psiquiatra en la recientemente finalizada serie Los Sopranos. Pero Bognadovich es mucho más que eso. Primero que nada es una de las personas que más saben sobre cine en el mundo y que en los sesenta y setenta entrevistó y fue amigo personal de los más importantes directores de la cinematografía estadounidense, entre ellos John Ford, Orson Welles y Alfred Hichcock. Incluso, en los dvd actuales de los filmes de estos cineastas es común encontrar comentarios de audio de Bognadovich, además de entrevistas suyas en making off y documentales, las que dan cuenta de sus avezados conocimientos cinematográficos.
Al igual que Hal Ashby, Sam Peckinpah, John Cassavetes, Bob Rafelson, Terrence Malick, Michael Richie, Alan J. Packula, Don Siegel, Robert Altman, entre otros, Peter Bognadovich pertenece a esta camada de directores, cuyas películas lograron registrar el sentimiento de una de las décadas más desencantadas, nihilistas y desconfiadas del siglo XX. Esa desazón quedó patentada en la obra cumbre y segunda película como director de Bognadovich, “The Last Picture Show”, la que en el año de su estreno, 1971, fue catalogada como uno de los filmes norteamericanos más importantes jamás realizados desde “El Ciudadano Kane” de Orson Welles.
“The Last Picture Show” es la historia de Anarene, un pueblo de Texas en 1951, casi abandonado y detenido en el tiempo, cuyos habitantes viven el día y sus problemas cotidianos. Sin embargo, Bognadovich hace de este pueblo una alegoría de la cultura e idiosincrasia estadounidense, de la pérdida de la inocencia y sobre todo del desencanto. Las imágenes en blanco y negro de calles polvorientas sacudidas por el viento evocan sentimientos de abandono y de una tristeza inconmensurable. Estamos ante una película que habla de lo que fue, de sueños rotos y de un futuro incierto amenazado por la inminente Guerra de Corea. Es la última función de un país que poco a poco no creerá en nada y que de una u otra forma destruirá aquel microcosmos pueblerino en donde todos se conocen y confiaban uno del otro. Mérito aparte merecen sus protagonistas: un joven Timothy Bottons, Jeff Bridges, Randy Quaid, la hermosa Cybill Shepherd, Ellen Burstyn y los espectaculares Ben Jhonson y Cloris Leachman, quienes obtuvieron el Oscar a mejor actor y actriz secundaria por sus respectivos papeles en este filme.
Con “The Last Picture Show”, Bognadovich alcanzó la fama y el reconocimiento internacional, lo que le permitió realizar otros trabajos notables tales como “Paper Moon” (1973). Sin embargo, a fines de los 70´ y comienzos de los 80´ esa confianza se extinguió rápidamente. Filmes como “Máscara” (1985) no lograron el mismo impacto y Bognadovich se perdió en la burocracia de los nuevos estudios, cuyos jefes máximos ya no eran los directores, sino productores expertos en fórmulas y en lágrimas fáciles. Esto produjo que Bognadovich quisiera volver a su hijo predilecto “The Last Picture Show” con una secuela titulada “Texasville”, en 1990 y en colores, cuya historia carecía de la autenticidad de su antecesora. Hoy el talento de Bognadovich sólo se puede apreciar en sus agudos comentarios sobre cine, la realización de uno que otro telefilme y en la dirección de uno de los capítulos de Los Sopranos, cuyo última función también llegó a su fin hace algunos meses en EE.UU.

¿Quién mató la creatividad de Bognadovich?, ¿por qué tuvimos que marginarlo de su talento? Quizá fue el término blockbuster acuñado y patentado por Spielberg y Lucas en los setenta y ochentas, que si bien crearon nuevos íconos del celuloide, también asesinaron la independencia de muchos directores relegándolos al anonimato o al recuerdo de mejores épocas. El público de hoy merece la oportunidad de ver otros “The Last Picture Show” y también de nuevos bognadovich, pero hasta que eso no pase sólo nos queda el formato dvd, el cual representa la única posibilidad de rescatar el valor y creatividad de antaño y, por supuesto, de saber más sobre quién era y es Peter Bognadovich.

Título: "The Last Picture Show" (La última función) / Año: 1971 / Director: Peter Bognadovich / Intérpretes: Timothy Bottons, Jeff Bridges, Ellen Burstyn, Ben Johnson, Cloris Leachman, Cybill Shepherd y Sam Bottons.

2007-03-26T16:02:00.000-07:00

Niños del Hombre

Alfonso Cuarón es un director adolescente, ya que sus cintas, por lo general, tienen una visión ingenua y poco profunda. El director de “La Princesita” es un valor latinoamericano indiscutido que ha logrado abrirse paso en hollywood, lo que es digno de admiración y respeto, pero si nos ponemos a analizar su trabajo encontraremos más faltas que promesas. “Niños del Hombre” contiene una premisa argumental atractiva: proteger a una mujer embarazada después de 18 años en que ningún niño ha nacido en el mundo. Cuarón se esfuerza por mostrar cómo esta tragedia le ha quitado la esperanza a la humanidad, dejándola presa de la anarquía y el colapso gubernamental de casi todas las naciones. La espectacular fotografía del mexicano Emmanuel Lubezki (“La Leyenda del Jinete sin Cabeza”, "El Nuevo Mundo"), muestra a un Londres moralmente derruido que colinda con la tecnología, el caos y las vejaciones que sufren cientos de emigrantes. Sin embargo, Cuarón no consigue mayor empatía con la historia. Se esfuerza, pero cae en lo preciosista, aspecto que antes repitió en “Grandes esperanzas” y en “Y Tu Mamá También”.
En “Niños del Hombre” hay muchos cabos sueltos. Clive Owen, quien interpreta a Theo Faron, nos recuerda con su impermeable al detective Deckard que inmortalizó Harrison Ford en “Blade Runner”, pero apenas se acerca a su complejidad y peso dramático. También el papel de Juliane Moore es casi irrelevante, dejando claro que su nombre se incluyo más que nada para comercializar el filme y Michael Caine cumple, si bien repite un papel ofrecido sólo a otros actores oscarizados de más de setenta años. Se podría decir que la cinta comienza bien. Promete en los primeros 15 minutos, pero después se desinfla y termina convirtiéndose en una cinta del, a estas alturas, género de escape. Casi al final sobresale un plano secuencia en donde Theo escapa de balaceras y cañonazos. No obstante, Caurón arruina esta excelente escena con un cliché que el espectador ha visto innumerables veces y que no vale la pena mencionar (para aquellos que no han visto el filme).
Siendo Cuarón un extranjero el tema de los inmigrantes no podía quedar afuera de su filme. El futuro se ve sombrío y los inmigrantes son tratados como ratas. Varias imágenes evocan situaciones que hoy se viven en México y en el continente europeo. La cámara del director de “Harry Potter y El prisionero de Azkaban” muestra el pastiche cultural del mundo del mañana, donde apenas quedan vestigios de humanidad. Lo lamentable está en que no hay puntos de vista, ya que Cuarón no se la juega por alguien o por algún bando. En THX1138 (1971), de George Lucas, o en Fahrenheit 451 (1966), de Francois Truffaut, tampoco se hablaba mucho, pero la imagen comunicaba por si sola. En cambio, en “Niños del Hombre” no sucede ninguna de las dos situaciones.

El western es un género casi en vías de extinción y la ciencia ficción cada día se acerca más a esta realidad. Ya no estamos en la década del 50` cuando se hacían cientos de cintas en torno a este género impulsadas por la conquista de la luna. Siempre la ciencia ficción se ha caracterizado por su difícil venta y promoción, siendo Spielberg uno de los pocos cineastas contemporáneos que la han hecho, hasta cierto punto, lucrativa.
“Niños del Hombre” pudo haber sido una gran película, pero terminó siendo un montón de cosas. Cuarón quiso abarcar mucho y no le resultó. Pocos directores han realizado dicho objetivo con éxito. El último de ellos fue Terry Gillian con “Brazil”, en 1985. Desde entonces y en desmedro de la audiencia, la ciencia ficción no ha vuelto a ser la misma. Quizá los próximos viajes a Marte, planificados por la Nasa, le devuelvan la fe a nuestros cineastas hacia este entrañable género que ha despertado la imaginación de miles de espectadores.

Título original: “Children of Men” / Director: Alfonso Cuarón / Año: 2006 / Intérpretes: Clive Owen, Julianne Moore, Michael Caine, Claire-Hope Ashitey y Chiwetel Ejiofor.

2007-02-25T14:29:00.000-08:00

El Último Rey de Escocia

Hace varios años atrás vi en el cable un excelente documental titulado “Un Día en Septiembre” (1999). El filme se centraba en la masacre de los malogrados atletas israelitas de las olimpiadas de Munich de 1972. En aquella oportunidad me llamó la atención el vertiginoso ritmo de la historia, la que estaba muy bien documentada. Incluía todos los puntos de vista necesarios para mostrar una cinta objetiva, cuyo ritmo trepidante dejaba a cualquiera sin aliento. “Un Día en Septiembre” lanzó a la fama a su director, Kevin Macdonald, quien obtuvo muchos premios, entre ellos el codiciado Oscar al mejor documental de 1999.
Después vino la segunda obra de Macdonald: “Tocando el Vacío” (2003). Ahora la cámara no sólo se centraba en los testimonios de dos hombres que sobrevivieron la peligrosa travesía de haber escalado el Siula Grande en Perú, sino que también registraba varias recreaciones, las que le imprimían una nueva dimensión al usualmente estructurado género del documental.
Con “El último Rey de Escocia” (2006), Macdonald se atrevió a dar el salto definitivo al largometraje de ficción. El resultado es una de las mejores películas del año pasado, cuyo innegable ritmo demuestra que estamos ante un gran director. Macdonald nos trae una película que más allá de inspirarse en la dictadura de Idi Amin (representado por un soberbio Forest Whitaker), nos muestra una Uganda caótica, que colinda entre el lujo y los excesos con la brutalidad de un continente que siempre ha vivido en caos, pobreza y conflictos.
El filme nos presenta la historia de Nicholas Garrigan (James McAvoy), un médico escoses recién graduado que viaja al continente negro en

búsqueda de aventuras y adrenalina. En parte recibe lo que quería, pero de manos de uno de los tiranos más famosos de la década del setenta. Detrás de las condecoraciones y los flamantes uniformes, Idi Amin va develando a un hombre simpático, pero desprovisto de humanidad, enceguecido por su carácter paranoico y violento. Macdonald hace de Whitaker una bestia negra que consigue deslumbrar tanto al médico como a las masas, pero no es más que un niño antojadizo que juega a ser presidente. De paso se muestran las miserias de África, en este caso de una Uganda independiente, pero que aún yace esclavizada por las personalidades ambiciosas de sus líderes.
A diferencia de otros biopics (películas biográficas como “Ray” o “Walk The Line”), “El Último Rey de Escocia” encandila por su ambientación, por su montaje, ambientación y por las actuaciones de sus protagonistas. Withaker siempre ha demostrado ser un gran actor (imposible olvidar su retrato de Charlie Parker en “Birdie”), pero esta vez sería injusto que no se llevara el Oscar a su casa. A su vez, James McAvoy se empina como un gran actor que podría entregar algo de frescura a la galería de actores que se repiten una y otra vez el protagonismo de películas. Mención aparte merece la hermosa Gillian Anderson, quien demuestra que no sólo es Scully de Los Archivos Secretos X, sino una actriz con porte y mucho talento (que ya se vio en “La Casa de Mirth”).
“El Último Rey de Escocia” es una notable cinta que a diferencia de otros biopics o filmes que rezan…”esta es una historia basada en hechos reales”…resalta por su humildad y ausencia de pretensiones. El continente africano se está tomando hollywood (“El Jardinero Fiel”, “Diamante de Sangre”, “El Señor de la Guerra”), lo que ha permitido rescatar historias originales o desconocidas por las grandes masas. Eso por lo menos es un buen comienzo.

Título original: “The Last King of Scotland” / Director: Kevin MacDonald / Año: 2006 / Intérpretes: Forest Whitaker, James McAvoy y Gillian Anderson.

2006-10-28T15:07:00.000-07:00

Peter Sellers:

“El hombre de las mil caras”

Peter Sellers fue el paradigma del actor británico solitario, excéntrico, mujeriego y maniático (que también definió la figura y fama de Richard Burton, Peter O´ Toole y Anthony Hopkins, por nombrar sólo a algunos). El hombre que dio vida al famoso Inspector Closseau enfrentó muchos demonios, entre ellos el esfuerzo físico y mental que demandaba cada uno de sus personajes. Sellers siempre dijo que gracias a sus interpretaciones pudo delinear una personalidad, la que era vacía cuando no estaba rodando algún filme.
Quizá Sellers estuvo sujeto a recuerdos familiares que atormentaron su personalidad, pero que a la vez contribuyeron a su fisonomía, ajustable a cualquier tipo de personificación, y carácter. El hombre detrás del Doctor Strangelove padecía del síndrome del cómico inmaduro, cuyo talento suele desbocarse y dejarse llevar ante cualquier circunstancia. Tenía la adaptabilidad física de Los Tres Chiflados y la expresividad facial de Búster Keaton, lo que le permitía hacer de la excentricidad un territorio común, cercano y deleitable para las masas. Pero su ego y complejidad le jugo muchas veces en contra, relegándolo usualmente a personajes estereotipados (Las Memorias del Doctor Fumanchú, su último filme, o el mismísimo Inspector Closseau en su última entrega cinematográfica de 1978).
Sellers quería ganar un Oscar y casi lo obtuvo con Dr. Strangelove y Desde El Jardín (su proyecto más personal). Sin embargo, los roles serios se fueron agotando junto con su paciencia. Todos querían verlo tropezando contra muebles y escuchar el acento francés que lo llevó a la fama mundial, si bien Sellers consideraba que la saga de “La Pantera Rosa” se transformó en una trampa que generaba millones, pero que opacaba su verdadero histrionismo.
Al final, luego de muchas mujeres, alcohol y varios problemas médicos, el actor sucumbió ante los excesos y el cansancio. A pesar de su prematuro final, Sellers alcanzó a interpretar el personaje de Chance en “Desde el Jardín” (1979) basada en la novela de Jercy Kosinsky. Chance, un jardinero parecido a Forrest Gump que logra codearse con el presidente de EE.UU, se transformó en el legado de un actor que siempre consiguió la sonrisa y la admiración del público. Probablemente su verdadera personalidad, esa que decía no tener, fue la que se formó en las mentes de las personas que vieron y disfrutaron sus películas.

Peter Sellers es quizá el actor que mejor responde cuando se empieza a improvisar. Su mayor talento reside en todo lo que aporta de grotesco: tiene un sentido del humor grotesco más avanzado que la mayor parte de la gente que he encontrado.
(Stanley Kubrick, diciembre 1968)

2006-08-26T17:43:00.000-07:00

“La Dama en el Agua”

La última incursión cinematográfica de M. Night Shyamalan desenmascara los clichés redundantes del director de “El Sexto Sentido”: temas sacados de la cultura popular, lo sobrenatural, finales sorpresivos y el suspenso melodramático. Alguna vez compararon al realizador hindú con Hitchcock, lo cual de por si es una herejía. Ambos son totalmente distintos en sus planteamientos y lenguaje audiovisual. Poco o nada tienen en común. Shyamalan montó en imágenes una historia que solía contar a sus hijas, lo que demuestra la soberbia y poder que puede alcanzar un cineasta, sobre todo cuando el argumento es malo (situación detectada a tiempo por sus ex-amigos de los estudios Disney). “La Dama en el Agua” se centra en una misteriosa mujer (Bryce Dallas Howard), proveniente de un mundo acuático olvidado por los hombres, la que es descubierta por un tartamudo conserje (Paul Giamatti) de un edificio llamado “The Cove”.
El filme es extremadamente tedioso y rebuscado en sus diálogos. Termina por agotar en su cursilería. Además, el mensaje mesiánico repite problemáticas que Shyamalan planteó con mejor suerte en el pasado. Cuando vi el filme no pude dejar de pensar en que estaba frente a un rebuscado enigma, donde la gracia está en descubrir identidades. Tampoco dejé pasar por alto la pobre actuación del mismo director, que ésta vez se apropió de un rol más sustancioso (no en la profundidad de la caracterización, sino en su plana expresividad).
Una vez visto el filme lo pude asociar a un reportaje sobre la cinta previa de Shyamalan, “La Aldea” (2004). En aquella oportunidad condujeron a un periodista a entrevistar al realizador, pero antes había que cumplir con una serie de normas: no mirarlo mucho a los ojos, evitar determinadas preguntas, que podían revelar las debilidades del guión, y mucho respeto de por medio. Ahí me quedó claro que al creador de “Señales” y “El Protegido” -quizá sus mejores cintas- se le subieron los humos a la cabeza. Su imagen de director oscarizado, junto con la reputación de genio que los medios sobredimensionaron por años, se fue deteriorando con sus últimos filmes, siendo “La Dama en el Agua” el ejemplo más claro de ello.
Shyamalan era un joven que soñaba con llevar sus epopeyas al cine y lo consiguió, si bien no ha demostrado el talento, la humildad y reserva de los grandes directores de antaño. “La Dama en el Agua” es la prueba de su testarudez. Lo único rescatable del filme es un crítico de cine caracterizado por Bob Balaban. Las mejores líneas del guión salen de su boca, si bien no son suficientes para salvar a una de las peores películas del 2006.

Título Original: Lady in the Water / Director: M. Night Shyamalan / Año: 2006 / Intérpretes: Bryce Dallas Howard, Paul Giamatti, Bob Balaban y Jeffrey Wright.

2006-08-17T19:19:00.000-07:00

“El Descenso”

Esta película que llega con algo de retraso a Chile utiliza varios clichés de las cintas de terror. Están los sobresaltos que toman por desprevenido a la platea -quizá el recurso más efectista de este género, si bien siempre resulta-, los innumerables gritos, encuadres angulados y recursos narrativos algo torpes, pero que igual logran justificar el hecho de adentrarse en medio de la nada.

La trama se centra en un grupo de amigas que viajan al bosque para sumergirse en las cavernas dentro de una montaña. El objetivo es explorar laberintos de piedra hacia abajo, en dirección a lo más profundo de la tierra, y de paso olvidar un traumático accidente de tránsito que acabo con la vida del marido e hija de la protagonista (Shauna Macdonald).
Lo que resulta obvio y a ratos previsible termina por convertirse en una grata sorpresa: un filme que se sustenta por algunas vueltas de tuerca al género de terror. El aspecto más interesante está en el preámbulo del viaje, cuando las amigas se dedican a conversar sobre sus vidas, a la vez que derrochan feminismo, ego y mucha competitividad, sobre todo en la caracterización de Natalie Mendoza (Juno). El cineasta Neil Marshall (“Perros Soldados”) ensambla una película comandada por mujeres, lo que de por sí es bastante atractivo. La ambientación del filme proporciona naturalidad, cuya fuerza también se ampara en algunas escenas que rememoran a uno de los hits de los años 90`: “The Blair Witch Project”.
Las excursionistas asumen los riesgos, son exigentes y saben que en el deporte aventura siempre está el desafío, pero en este caso es doble, debido a un asunto de género. Sin embargo, la paridad queda sujeta a lo que hay debajo de las cavernas, lo que se convierte en lo más inquietante de los 99 minutos de metraje. “El Descenso” es más explícito que “The Blair Wich Project”. No duda en mostrar más, pero lo que se logra ver da cabida a otros miedos...la posibilidad de que algo así pueda pasar, existir y respirar debajo de nuestros dominios.
A diferencia de películas como “Terror en Silent Hill”, que más que nada era una pretenciosa puesta en escena con muy poco miedo de verdad, “El Descenso” deja de lado tanta “cháchara” y privilegia la angustia. Marshall ocupa elementos que siempre han atemorizado al hombre: lo desconocido, el aislamiento y la oscuridad. Dicha característica hace de esta cinta una pequeña obra, que tanto con sus aciertos como con sus equivocaciones, podría llegar a ser las primeras luces de un prometedor cineasta dedicado al género del Horror.

Título original: El Descenso (“The Descent”) / Año: 2005 / Director: Neil Marshall / Intérpretes: Shauna Macdonald, Natalie Jackson Mendoza, Alex Reid, Saskia Mulder, MyAnna Buring y Nora-Jane Noone.

2006-08-15T09:44:00.000-07:00

LA COBARDÍA EN

TIEMPOS DE GUERRA

En las películas de guerra estadounidenses usualmente se privilegian dos temas: el patriotismo y el heroísmo. La consigna está en ir feliz a la guerra, porque el sudor y la sangre, y las “acciones que enaltecen la bandera”, sobredimensionadas por palabras que evocan grandes ideales, son suficientes para justificar la matanza de cualquier tipo de inocencia. Sin embargo, pocos cineastas se atrevieron a escudriñar en la disciplina y los vicios de la jerarquía militar. Este punto se puede ver ejemplificado en dos excelentes filmes que son parte de la década del 50`: “Ataque” (1956) de Robert Aldrich y “Senderos de Gloria” (1957) de Stanley Kubrick. Ambas películas fueron la respuesta ante temáticas que hasta ese momento cabían sólo dentro de lo “políticamente correcto” y que habían agotado los recursos estilísticos del cine bélico. Aldrich y Kubrick aportaron originalidad y frescura a uno de los géneros más productivos de aquellos años.
“Ataque” es la historia de un pelotón comandado por un capitán (Eddie Albert), cuya alta condición social lo condujo a un puesto no deseado y odiado. Estamos ante un relato sobre la cobardía encarnada en la figura del supuesto líder, quien sólo conduce a sus hombres a la muerte, debido a su cobardía y traumas de la infancia. El único soldado capaz de hablar por los caídos es el teniente Joe Costa (Jack Palance en uno de sus mejores papeles), quien presencia el miedo en los ojos y en la verborrea vacía de su capitán. Aldrich, realizador de grandes películas de acción (“El Vuelo del Fénix”) y dramas protagonizados por estrellas que intimidarían a cualquier director novato (Bette Davis y Joan Crawfort en “¿Qué pasó con Baby Jane?”) establece el conflicto en los primeros minutos del filme. La primera escena muestra la negativa del capitán para salvar a sus hombres, quienes perecen ante un nido de ametralladoras alemanas. La caída de un casco, de uno de los maltrechos soldados, se desliza por un sendero, mientras el teniente Costa toma conciencia de la deslealtad de parte del oficial al mando.
Este es el punto de partida para que Aldrich dedique gran parte de la cinta a la moralidad de sus personajes. Además de Albert y Costa está el coronel trepador (Lee Marvin) que sólo desea capturar lugares estratégicos, sin tomar en cuenta la pérdida de vidas humanas o la irracionalidad de determinadas acciones. El filme se adentra en las situaciones que alientan a los soldados a cuestionar a sus superiores y en cómo la tensión origina enemigos entre los que pertenecen al mismo bando. Así, el filme gana fuerza acercándose a un impensado final, para el año de su estreno, pero que logra reivindicar el valor de los muertos en el campo de batalla. Aldrich nos demuestra que el honor se mancha con sangre y la justicia, si bien yace en un acto cercano al sacrificio, también suele dejar dudas en el camino.
“Ataque” se situaba en plena Segunda Guerra Mundial. En cambio, Kubrick decidió colocar su relato en la lucha de trincheras de la Primera Guerra Mundial. “Senderos de Gloria” contiene parte de las obsesiones del director de “El Resplandor”: los escalafones sociales, en este caso dentro del ejército, la locura detrás de los comportamientos tenaces del hombre y el lenguaje cinematográfico ejemplificado en la utilización geométrica y purista de los espacios. Kubrick muestra como tres soldados son enjuiciados y ejecutados injustamente por el ejército. Representan a los “chivos expiatorios” de una cúpula militar ensimismada con el poder. La bestialidad de los cuarteles, adornados de solemnidad, no es más que la ausencia de la compasión vista desde la perspectiva fría y calculadora de elementos de guerra fallecidos en acción. En esta película hay escenas memorables como la del traveling que sigue al coronel Dax (Kirk Douglas), el único oficial leal a sus hombres, en su paso por las trincheras o la de los soldados abriéndose paso por la “tierra de nadie” en dirección a las posiciones enemigas.
“Senderos de Gloria” dejó tan mal parada a la milicia francesa, lo cual provocó que el filme fuera prohibido en Francia durante varios años. En ello jugó un papel clave las descarnadas caracterizaciones de George Macready y Adolphe Menjou como unos descorazonados generales que no dudan en mandar a sus tropas a una muerte segura. Kubrick, quien ya había filmado “Casta de Malditos”, brilló aún más con esta gran obra, cuyas ideas volvió a profundizar décadas más tarde con “Nacido para Matar”. “Ataque” y “Senderos de Gloria” son dos estupendos filmes que en los atribulados y conflictivos tiempos de hoy cobran mucho significado. Vale la pena revisarlos tanto por su mensaje como por su astuto lenguaje audiovisual. ¡Imperdible en cualquier dvdteca!

2006-06-12T15:02:00.000-07:00

EL WESTERN Y

“LOS TRES FUNERALES DE MELQUIADES ESTRADA”

Siempre me han fascinado los western. Hay algo en este género cinematográfico que nos conecta con los sentimientos más íntimos del hombre: la amistad, el honor, la lealtad, la propiedad y la justicia. El cowboy solitario que recorre los agrestes paisajes de Texas es el máximo simbolismo de quien busca su identidad (y también de quien trata de esconderla huyendo de su pasado). Todo western es la simplicidad material máxima en contraste con la complejidad moral y el sentido del deber de sus protagonistas. Ford, Hathaway, Hawks, Sturges, Leone, Peckinpah, Zinnemann, Roy Hill y Siegel fueron apenas una pequeña fracción de los cineastas que se dedicaron a escenificar y estilizar las historias sobre vaqueros. Ellos sentaron cátedra sobre el western al igual que actores como John Wayne, Gary Cooper, Glenn Ford, Spencer Tracy, James Stewart, Henry Fonda, Charles Bronson, Clint Eastwood, entre otros. Sin los modismos, la rudeza y los silencios de sus personajes sería más difícil sopesar el valor y sugestión visual de los filmes en que participaron.
Pero han pasado varios años desde el esplendor del western. Antes era común ver las marquesinas con célebres títulos como “Río Bravo”, “La Pandilla Salvaje” o “Los Siete Magníficos”. La gente podía ir al parque o también ir al cine, en una tarde de domingo, a ver la colonización de oeste americano. Grandes y chicos soñaban con ser avezados vaqueros con rastros de pólvora en sus manos. Era la otra “profesión” que despertaba las inquietudes de los niños, aparte de ser bombero o astronauta. Sin embargo, en los setenta el western dejó de ser rentable. El público prefería ver filmes de catástrofes, ya sea sobre edificios en llamas, tiburones, abejas asesinas o trasatlánticos de cabeza sobre el mar. El sujeto de las espuelas ya no era rentable y menos una persona admirable. La juventud relacionaba al cowboy con el conservadurismo de Nixon de la era de Vietnam, contrario a la paz e imperialista en sus fines. Ver a Wayne ya no era Cool y quizá esa fue una de las razones, además del cáncer que padecía, que sentenció su prematura muerte.
Así, el western se fue apagando, convirtiéndose casi es una sombra que tapaba, a veces, la fiebre consumista de los ochenta. Por suerte aquel funesto ocaso terminó en los noventa con “Danza con Lobos” de Kevin Costner y “Unforgiven” de Eastwood, quien no olvidó las lecciones de sus maestros Leone y Siegel. Aquellas películas devolvieron al cowboy el sitial que se merece. Otra vez la bella escena del hombre montado sobre un caballo, mientas observa reflexivo la llanura y un cálido atardecer, cautivó a las nuevas generaciones.
“The Three Burials of Melquíades Estrada” (“Los tres funerales de Melquiades Estrada”) es el impresionante debut en la pantalla grande como cineasta de Tommy Lee Jones (antes ya había realizado otro western para la televisión: “The Good Old Boys”, en 1995, con sus amigos Sissy Spacek y Sam Shepard). El título de su filme es de por sí muy atractivo y recuerda al western urbano mezclado con Road Movie de Sam Peckinpah (“Bring Me The Head of Alfredo García”). Ambos filmes tienen algo en común: un personaje muerto juega el papel central de cada historia. En “The Three Burials...” Jones, quien además coprotagoniza el filme, da a conocer su versatilidad como director. Conoce los ritmos del género y sus infaltables panorámicas, y no duda en reactualizarlo con la fragmentación de los tiempos, donde los flashbacks y racontos desempeñan una importante función emotiva.
Jones surge como un certero “autor”, donde valores como la lealtad y amistad son ejes del relato. Tampoco deja indiferente temáticas como la inmigración de mexicanos y los primitivos mecanismos del gobierno norteamericano para detener a familias enteras en la frontera entre EE.UU. y México. La historia es la realización de una promesa entre dos amigos a través de un viaje, cuya última estación es el lugar de descanso final; la tumba en medio de la nada.
“The Three Burials...” no sólo es un acto de justicia. Su complejidad radica en que también estamos ante el funeral de un género, de un estilo de vida ajeno a la vida burguesa y digitalizada del ser humano contemporáneo, y que en el desierto apenas sobrevive como un mudo testigo de otros tiempos, ya sea en la imagen de un viejo abandonado o de pueblos fantasmas habitados sólo por el viento.

Título: The Three Burilas of Melquíades Estrada” (“Los tres funerales de Melquíades Estrada”) / Año: 2005 / Director: Tommy Lee Jones / Intérpretes: Tommy Lee Jones, Barry Pepper, Dwight Yoakam, Julio César Cedillo, January Jones, Melissa Leo y Vanessa Bauche.

2006-06-10T16:34:00.000-07:00

THE SQUID AND THE WHALE

Retratar en imágenes un drama familiar puede llegar a ser una difícil misión, sobre todo al tener en cuenta que las relaciones entre padres e hijos cada día están más sustentadas y definidas tanto por el entorno social como por la cultura popular. Hoy ver la clásica escena donde discute una pareja, entiéndase por fuertes gritos, lágrimas y agresión física, no logra convencer del todo. “Kramer contra Kramer” (de Robert Benton) y “Ordinary People” (de Robert Redford) cabían dentro del molde dramático, políticamente correcto, de fines de los setenta y principios de los ochenta. Eran grandes filmes con poderosas actuaciones, las que no dejaban indiferente a sus espectadores. Pero el sufrimiento que componía el núcleo de estas obras pertenecía a un melodrama intenso, casi “cebollento” y, para lo ojos de hoy, algo ajeno a la realidad contemporánea. Desde entonces, las películas sobre familias disfuncionales han modernizado sus temáticas, profundizando en los efectos colaterales del divorcio o, por ejemplo, la muerte de un hijo (“En El Dormitorio”).
“The Squid and the Whale” trata sobre el proceso de adaptación de dos jóvenes frente a la separación de sus padres, pero también es un estudio sobre la soberbia intelectual y vicios que los adultos traspasan a sus hijos. Estamos ante un determinismo, cuyo objetivo no es más que el egoísmo transmitido de generación en generación. Los protagonistas creados por el guionista Noah Baumbach, quien además oficia como director, son personas enceguecidas por la competencia (entre los padres). Derrochan sus faltas escondiéndolas detrás de libros repletos de retórica; pensamientos sublimes de connotados escritores que no se aplican a la frágil y, a veces, insensible realidad de la familia Berkman.
Uno de los aspectos que más sobrecogen en este filme son los diálogos que desnudan con mucha naturalidad los problemas entre padres e hijos, quienes deambulan por el Brooklyn y Manhattan de mediados de los ochenta, aspecto que se apoya en el exquisito acompañamiento musical con canciones de Pink Floyd y piezas incidentales que rememoran una parte de la exploración sexual retratada en “Negocios Riesgosos” (“Risky Business”). Baumbach dirige un profundo filme tanto por sus méritos interpretativos (del subvalorado Jeff Daniels y de la siempre versátil Laura Linney) como por su lenguaje audiovisual, cuyas cimientos están en el movimiento cinematográfico de la Nouvelle Vague de los sesenta. ¡Uno de los mejores y más auténticos filmes del 2005!

Título: “El Calamar y la Ballena” (“The Squid and the Whale”) / Año: 2005 / Director: Noah Baumbach / Intérpretes: Jeff Daniels, Laura Linney, Jesé Eisenberg y Owen Kline.

2006-06-04T15:14:00.000-07:00

NO MÁS REMAKES

La fragilidad creativa e intelectual del cine norteamericano es cada vez más grave. Siempre se ha dicho que faltan historias, debido a la escasez de buenos guionistas. Además, la excesiva orientación comercial, expresado en las superproducciones de parte de los estudios, ha generado la incertidumbre al interior de las salas de cine. Este fenómeno condujo a la industria a una reiteración de fórmulas cinematográficas, aspecto que se intensificó a fines de los años noventa. Resulta algo normal ver inversiones millonarias en remakes que tratan de recuperar el “brillo hollywodense” de antaño. Sin embargo, dichos intentos se han transformado en la basura audiovisual que suele abarrotar el exitoso mercado del dvd. Para 2006 y 2007 ya se anunciaron las nuevas versiones de “La Profecía”, “El Desastre del Poseidón”, “El Ente”, entre otras, mientras que en nuestro país ya se estrenaron “La Niebla”, “La Masacre en Texas”, “El Alamo” y “El Vuelo del Fénix”.
Esta situación nos lleva a reflexionar que tarde o temprano se anunciarán remakes de “Lawrence de Arabia”, “Caracortada” o “El Bueno, El Malo y El Feo”, lo que podría afectar, en parte, el legado fílmico de grandes directores. Esto no es una exageración, ya que las próximas generaciones terminaran sepultando el recuerdo de cineastas del calibre de Lean, Leone o Godard. Siempre se ha disfrazado el concepto “remake” como un homenaje, pero aquello no es más que una gran falacia. Me pregunto si aquellos “directores” dedicados al reciclaje, entiéndase por Michael Bay (“Pearl Harbor”), Brett Ratner (“Dragón Rojo”) y otros que no vale la pena ni siquiera nombrar, se sentirán culpables o algo mediocres cada vez que se van a dormir. Hay algo en ellos que huele a estafa y el problema está en que el público no se da cuenta de ello o quizá la dificultad radica en que tanto grandes y chicos están demasiado adormecidos bajo el hechizo de las explosiones de sus filmes.
Pero no todo el panorama es tan desesperanzador. Gracias a la televisión por cable aún podemos tener acceso a productos de gran calidad. Basta con presenciar el súper fenómeno de “Lost” o series que no tienen nada que envidiar a las películas oscarizadas de cada año. “Los Sopranos”, “C.S.I”, “24” y “House M.D”, con el gran protagonismo del británico Hugh Laurie, son algunos representantes de lo que puede ser un buen guión y de la fuerza interpretativa de actores que suelen ser relegados a papeles secundarios en el cine. Basta mencionar el ejemplo de “Justicia Ciega” (“Boston Legal”), donde James Spader, quien siempre fue encasillado en papeles de tipos degenerados, consigue uno de los mejores personajes que se han visto en la pantalla chica: el irónico y divertido abogado Alan Shore. La televisión por cable representa el nuevo edén para quienes desean revitalizar su carrera. Estas series logran con sus historias seducir a los espectadores. Se puede apreciar un trabajo audiovisual detrás cada capítulo, pero que no sólo se da en la forma, sino también en el contenido. El precursor de este auge televisivo de gran calidad fue “Los Archivos Secretos X”, debido a que originó un profundo cambio “cultural” y “técnico” en los televisores de cada hogar del mundo. Sólo queda esperar a que los estudios cinematográficos tomen conciencia y sepan equilibrar la balanza. Este consejo también va para las distribuidoras de cine que operan en Chile. Muchos estrenos, y de los buenos, nunca llegan al país. Hoy se privilegia tener más de 70 copias del “Código Da Vinci”, en vez de dar la oportunidad a títulos como “Broken Flowers”, “The Woodsman” o “Lord of War”. Gracias a Dios que en Europa existen leyes en beneficio del cine de autor y del cine arte. El psiquis del continente americano debe comprender que la pantalla grande no sólo significa tragar. También implica masticar, saborear y digerir con delicadeza para conservar en la memoria una grata y significativa experiencia audiovisual.

2006-05-21T14:47:00.000-07:00

“GRIZZLY MAN”

Timothy Treadwell deliraba por los osos hasta que uno lo devoró a él y a su novia. Uno de los animales más temidos, feroces y fuertes de la naturaleza era el objeto de estudio de un hombre que pasó trece veranos estudiándolos. Pero a diferencia de biólogos, naturistas y ambientalistas, Treadwell vivía, nadaba, comía, reflexionaba, soñaba y respiraba codo a codo con los osos grizzly. Quería ser uno de ellos, ya que consideraba que su condición de humano era a veces detestable, ya que los habitantes de la “civilización” no comprendían la importancia casi metafísica del ser viviente más primitivo de los bosques y parajes de Alaska. La locura desbordante de Treadwell, registrada en las más de cien horas de video que grabó durante sus estadías cerca de los osos, atrajo la atención del cineasta Werner Herzog, quien también conocía el significado de las obsesión del hombre.
El director de “Aguirre, La Ira de Dios” se sintió cercano a la historia del malogrado “guardián del santuario de los osos”, aspecto retratado en un documental que estructuró a partir del legado audiovisual de Treadwell. Incluso, Herzog relata en uno de los segmentos de su obra el haber visto y experimentado algo similar durante su vida. Aunque el realizador no lo menciona en forma explícita, Treadwell bien podría ser la reencarnación de Klaus Kinski en persona, debido a que ambos fueron personajes cuyas complejidades podían llevarlos tanto a la armonía como a la autodestrucción.

Está claro que ésta no es una pieza audiovisual fácil de digerir. Es demasiado cruda y hasta cierto punto la irracionalidad de los actos de su protagonista también dan cuenta de la belleza detrás del peligro. Sin embargo, Herzog, además de mostrarnos las motivaciones y orígenes detrás de Treadwell, nos advierte sobre su delirio. Aquí no estamos ante la imagen idílica del Quijote que cabalga raudo contra un molino. Al contrario, “Grizzly Man” representa la delgada línea entre la idealización y los sueños, que en definitiva no es más que el límite físico entre la vida y la muerte.

El director de “Fitzcarraldo” no sólo da cuenta de la meticulosidad como cineasta de Treadwell, si no que también nos conduce por su búsqueda de sentirse parte de algo, de su amor a la naturaleza y de la necesidad de un propósito en la vida, donde la cámara pasa a convertirse en el único confidente de su atrevido dueño. El lente registra osados acercamientos al mundo de los osos, pero también capta frustraciones, obsesiones y la fatalidad en carne propia. “Grizzly Man” es Aguirre que habla en boca de Treadwell y es Herzog llorando su muerte.

Título: Grizzly Man / Año: 2005 / Director: Werner Herzog.

2006-05-14T13:16:00.000-07:00

EL CINEASTA ROMÁNTICO

Hace años arrendé “La Hija de Ryan”. Era una de las cintas de David Lean que me faltaba ver y cuando encontré el VHS en un videoclub de barrio me emocioné mucho ante magno descubrimiento. Obviamente la película venía en malas condiciones. Apenas se distinguían los colores y algunas escenas estaban cortadas. Sin embargo, la experiencia fue espectacular y repleta de catarsis.

David Lean fue uno de los grandes narradores de la cinematografía. Su estilo, su delicadeza e intuición audiovisual era única. Sus películas son novelas repletas de simbolismos e historias que son más grandes que la vida misma. Los personajes dibujados por Lean poseen riquezas dramáticas, sobrenaturales y sueños que nunca han podido ser igualadas en la historia del cine. Mientras contemplaba las imágenes y los sublimes acompañamientos musicales de Maurice Jarre en “La Hija de Ryan” evocaron en mí los recuerdos de otros filmes del director inglés. El desierto de “Lawrence de Arabia”, los girasoles y la nieve de “Doctor Zhivago” o el silbido esperanzador proveniente de los soldados de “El Puente sobre el Río Kwai”.

Me quedé con ganas de volver a ver “La Hija de Ryan”, pero no podía resistir la idea de alquilar otra vez aquel roñoso video. Sin embargo, años más tarde mi cariño hacia el trabajo de Lean se vio renovado gracias al lanzamiento de sus cintas en formato DVD. Por fin se rescataba su obra, pero con la calidad y respeto que se le debía. Incluso, pensé que “La Hija de Ryan” demostraría a las nuevas generaciones la injusticia del pasado. Cuando se estrenó esta película en 1970 los críticos la destruyeron y Lean sintiéndose traicionado y muy triste no volvió a dirigir hasta 1983 (su último estreno fue “Pasaje a la India”). Al cineasta se le había coartado lo más noble del espíritu humano: su creatividad.

Lo anecdótico está en que “La Hija de Ryan” por años fue considerada uno de los trabajos menores de Lean, aspecto que cambió radicalmente en los años ochenta. Ahora, gracias a la edición de lujo que Warner Brothers lanzó al mercado a fines de 2005, “La Hija de Ryan” recuperó su majestuosidad. El filme no es sólo una historia de amor ambientada en los inicios de la lucha irlandesa contra la ocupación británica en Irlanda del Norte. Lean se dedicó a profundizar en tópicos como el adulterio y la falta de pasión. Son los sentimientos que se vuelven indomables en el corazón de hombres y mujeres, y que producen la realización de grandes obras y también de grandes bajezas.

“La Hija de Ryan” deslumbra por sus imágenes que en formato DVD permiten apreciar la destreza de la fotografía de Freddie Young, quien logró hacer de las inclemencias de la naturaleza uno de los personajes esenciales del trabajo de Lean.

Casi la totalidad de la filmografía del director de "Breve Encuentro" se basa en la estilización de la pintura romántica. Los paisajes de sus filmes tienen por antecedente las obras del pintor alemán, Caspar David Friedrich y del artista inglés, Willian Turner. Al igual que estos talentos del romanticismo, Lean permite que la dimensión humana supere lo consciente y racional. Las naturalezas extraordinarias de sus protagonistas nos permiten adentrarnos en sus soledades, las que alcanzan un estado metafísico cercano a lo incomprensible y a la fascinación absoluta por sus misterios.

"La Hija de Ryan" es un filme imperdible por su agudeza audiovisual y, lamentablemente, es un testimonio de un tipo de filmes que hace mucho tiempo dejaron de filmarse. Simplemente un testimonio de la vieja escuela cinematográfica.

“Me encanta hacer películas. Reboso en adrenalina cuando me paro detrás de la cámara. Me fascinan. Me encantan los lentes. Me gusta mirar a través de la cámara. Me gusta diseñar fotografías” (David Lean, 1908-1991).

Título: “La Hija de Ryan” (The Ryan Daughter) / Año: 1970 / Director: David Lean / Intérpretes: Sarah Miles, Robert Mitchun, Trevor Howard, Christopher Jones, John Mills y Leo McKern.

2006-04-21T17:25:00.000-07:00

“ILUMINADOS POR EL FUEGO”

Argentina ha sufrido muchos golpes durante su historia y uno de los más dolorosos fue La Guerra de las Malvinas. La derrota ante los ingleses en 1982 colinda con los recuerdos más sensibles de los trasandinos, quienes han preferido por años obviar el tema. “Iluminados por el Fuego”, cinta de Tristán Bauer basada en hechos reales y ganadora del premio Goya a la mejor película en 2005, pretende romper el silencio y lo consigue, si bien el resultado satisface a medias.
La industria del cine suele representar periodos históricos con sus particulares personajes. La mezcla entre cinematografía, biografía e historia puede llegar a ser un gran éxito. Sin embargo, debemos tener en cuenta que son pocas las cintas que hacen justicia al pasado, que lo dignifican de verdad y que se enmarcan dentro de un buen guión carente de incoherencias. “Iluminados por el Fuego” cumple la primera regla, debido a su acuciosa descripción, con lujo de detalles, acerca de la experiencia militar de los jóvenes argentinos que combatieron en Malvinas. Bauer, quien utiliza su experiencia en el género documental, pone en marcha escenas que no tienen nada que envidiar a las batallas de superproducciones estadounidenses. El frío se ve real al igual que la sensación de desamparo de los militares bajo el mando de Galtieri. Sobresalen los momentos en que se exhiben los malos tratos a soldados de parte de los oficiales y se retrata con eficiencia la precariedad anímica y material del ejército argentino, lo que ayuda a entender la derrota, la vergüenza y las ganas de olvidar el pasado.
El problema de “Iluminados por el Fuego” esta en que repite un tipo de narración recurrente en filmes que se basan en hechos reales: la utilización excesiva de flashbacks y racontos. Todo parte con Esteban Leguizamón (Gastón Pauls), quien se entera que su ex-compañero de lucha está a punto de morir, debido a un intento de suicidio. Esta premisa se convierte en el paso inicial, y necesario, para recordar. En este terreno aventurado vuelven a surgir las dudas, la rabia y la tristeza, cuyo desenlace es idéntico a muchos otros que han poblado el cine de los últimos veinte años. Además, cuesta encontrar, para los ojos foráneos ajenos a la vida en Argentina, momentos de genuina empatía. Pauls, quien tiene a su favor el poder lucir como un joven de 18 años o un hombre de más de cuarenta, se esfuerza en su rol, si bien no da con el registro adecuado al ser el protagonista de un filme épico. Las escenas en que observa a su amigo conectado a un respirador artificial son forzadas, siendo éstas lo más interesante de la película, ya que el drama no está en la sangre o en las explosiones, sino en los traumas de miles de soldados que continúan suicidándose y que lamentablemente aún son vistos como parias por sus compatriotas.
Bauer prefirió privilegiar el espectáculo visual antes que lo intimista, dejando de lado elementos que podrían haber sido más sublimes, más reales y más dignificantes para aquellos que continúan en el silencio. Filme interesante que nos reencuentra con el pasado, pero que apenas es una pequeña parte del traumático legado de lo que pasó en las inhóspitas tierras de Malvinas.

Título: Iluminados por el Fuego / Año: 2005 / Director: Tristán Bauer / Intérpretes: Gastón Pauls, César Albarracín, José Luis Alfonso y Arturo Bonín.

2006-04-14T16:36:00.000-07:00

"EL NUEVO MUNDO"

Con apenas cuatro largometrajes en más de treinta años de carrera, Terrence Malick ha creado la imagen del cineasta excéntrico. Apenas ha figurado en entrevistas y se conocen muy pocas fotografías de su rostro. Es uno de los realizadores más recelosos de su privacidad, manía que comenzó a principios de los setenta cuando debutó con un filme que con los años se ha transformado en una cinta de culto: “Badlands”. En esta película un joven Martín Sheen junto a Sissy Spacek eran una pareja que huía de la policía, debido a un cruento crimen. Después vino la consagración de la crítica y una lluvia de premios con “Días del Cielo”, en 1978. Aquel año fue el último estreno de Malick. Algo pasó, pero nadie supo la razón. Dijeron que se había aburrido del cine, que no le gustaba ningún guión y que le molestaba no tener libertad creativa. Tuvieron que pasar más de veinte años y el silencio, virtud casi inexistente dentro de la egolatría hollywodense, dio sus frutos. Malick estaba de vuelta y volvía con una megaproducción a los cines del mundo: “La Delgada Línea Roja”. Ahora tenía los medios, el tiempo, la madurez y los recursos para adaptar a la pantalla la novela del escritor James Joyce sobre la batalla de Guadalcanal en la Segunda Guerra Mundial. Esta vez no habían condiciones y todo fue gracias a la expectación...la misma que permitió a Kubrick haber sido Kubrick. Ahora, Malick podía ser Malick.
Pasaron otros siete años y una vez más se creyó que Malick iba a desaparecer después de algunas ingratas peleas con los productores de “La Delgada Línea Roja”, ya que estos le reprocharon el no haber concedido entrevistas sobre el filme. Así, los dueños de estudios entendieron la lección, ya que comprendieron que a Malick, para presenciar su avezado ojo cinematográfico, no se le debía exigir nada, ni siquiera decir ni pío y eso de a poco lo atrajo al proyecto de “El Nuevo Mundo”. Esta sería su cuarta odisea metafísica y existencial sobre el personaje histórico del británico John Smith, su llegada al continente americano y su relación con la nativa Pocahontas.
En la cinta se reiteran las ideas de Malick acerca del hombre que viene a perpetrar la destrucción de lo primitivo, de la naturaleza y de lo virginal entendido como lo que carece de corrupción. El estilo de su director se origina en la visualización onírica, en la percepción e interiorización en los ambientes. Su autoría descansa en la insinuación novelesca, donde las imágenes consiguen completar una efectiva simbiosis con las palabras. Todo se resume a un deleite visual, cuyo propósito es la emotividad reflexiva que colinda con lo operático. Los espectadores, tanto en su último filme como en los previos, logramos quedar absortos en las cavilaciones de los protagonistas. Las luces y sombras juegan un papel predominante en el poder estilístico de Malick.

“El Nuevo Mundo” es una historia de amor en que el afán de conquista y de sobrevivencia, de parte del hombre blanco, termina por acabar con aquellas cosas que fueron durante décadas y siglos. Lo único que queda es la evocación, el recuerdo, la culpa y la aniquilación de la inocencia a manos de la “modernidad” y sus “actos civilizados”. Sin duda una gran película que llega con retraso a Chile y que demuestra que el silencio, junto con el hermetismo, es una buena terapia para los cineastas que gozan de un corazón creativo.

Título: “El Nuevo Mundo” (The New World) / Año: 2005 / Director: Terrence Malick / Intérpretes: Colin Farrell, Christopher Plummer, Christian Bale, Q`Orianka Kilcher y Wes Studi.

2006-03-15T18:50:00.000-08:00

EL RETORNO DE UN ARTESANO

Roman Polanski probablemente es uno de los precursores de la crueldad en la pantalla. Sus personajes suelen escenificar la crapulencia del ser humano y sus imágenes deleitan los sentidos a través de la perversión y el horror. Ciertos hitos convergen en su filmografía: sus recuerdos en el gueto de Varsovia cuando era pequeño, en la Segunda Guerra Mundial; el asesinato de su mujer embarazada, la actriz Sharon Tate, a manos de Charles Manson y la orden de arresto que podría enfrentar en caso de pisar suelo estadounidense, debido a una supuesta relación sexual con una menor de 14 años (en 1974). Así, el realizador de “El Inquilino” se parece a un errante y trastocado vagabundo, ya que lleva a cuestas innumerables tragedias, deambulando de un lugar a otro. Emigró de Polonia cuando era joven, se escapó de EE.UU. y acostumbra vivir en distintas partes de Europa, si bien ha señalado que uno de sus lugares favoritos es Francia. Estas experiencias han formado un cineasta cuya obra ha entregado a los espectadores tanto grandes lecciones cinematográficas (“Cuchillo en el Agua”, “El Bebé de Rosmery” y “Chinatown”) como filmes imperfectos que han sido parte de los fracasos más emblemáticos en las boleterías de todo el mundo (“Piratas”).

Con “Oliver Twist”, Polanski aprovecha una novela de Charles Dickens para volver a encantarnos con ciertos tópicos recurrentes en su obra: la iniciación en el mal y la amoralidad que es pan de cada día en la vida de los mortales. En el joven Oliver (Barney Clark) está presente el muchacho bondadoso que por medio de la inocencia, simbolizada en un lacónico y desventurado rostro, sobrevive en la incivilizada Inglaterra de fines del siglo XIX. Sin embargo, aquella virtud termina siendo engullida por la maldad. Es un viaje desde lo rural, donde ya se ven vestigios del salvajismo que Polanski acostumbra mostrar en los adultos, hasta la ciudad; refugio de ladrones, estafadores, prostitutas y asesinos.

A primera vista, “Oliver Twist” es el filme más familiar de Polanski, pero detrás de algunas lúdicas y esperanzadoras escenas, que producen momentos hilarantes y enternecedores, se esconde una segunda lectura que colinda con los terrenos más destructivos del hombre . En esta densidad encubierta, que dista bastante de las correctas adaptaciones de la novela de Dickens a manos de David Lean y Carol Reed, se encuentra la esencia del director de “El Pianista”. Algunas imágenes que ilustran esta condición son las que muestran el halo vengativo y sangriento de Bill Sykes (Jamie Foreman), en especial cuando trata de matar a su perro.

Polanski nos ha entregado momentos de sublime perturbación, donde la fatalidad y un dejo de ironía son elementos esenciales en las estructuras de sus historias. El director de “Tess” pertenece a la última vanguardia vigente de aquellos directores-autores que dejaron huella en el cine de los sesenta y setenta (De Palma, Chabrol, entre otros). Quizá “Oliver Twist” no pertenezca al panteón de las obras que se citan al mencionar su nombre, pero podría clasificarse dentro de aquellas pequeñas grandes obras como “La Danza de los Vampiros” y “La Muerte y la Doncella”. Mención aparte merecen la estupenda caracterización de Ben Kingsley -quien sobresale por la dualidad y locura de Fanin- y la música incidental de Rachel Portman, quien es probablemente la compositora más subvalorada de los últimos años.

Título: Oliver Twist / Año: 2005 / Director: Roman Polanski / Intérpretes: Barney Clark, Ben Kingsley y Jamie Foreman.

2006-02-26T10:51:00.000-08:00

"La Marcha de los Pingüinos"

Este filme, nominado al Oscar 2006 como Mejor Documental, tiene el mérito de ser una de las más hermosas obras de los últimos años. Sus imágenes son sublimes, las que sobrecogen por su solemnidad, intensidad y pureza. Durante 80 minutos de metraje se muestran los esfuerzos de los pingüinos emperadores antárticos por la conservación de su especie. La cinta, dirigida por el francés Luc Jacquet, es una obra que sorprende por su acuciosa mirada hacia el instinto de conservación de los habitantes más antiguos de los hielos eternos del Polo Sur. Algunas de sus imágenes evocan escenas de cintas como “Los Diez Mandamientos” y “Lawrence de Arabia”. Pareciera ser que los pingüinos trataran de emular una extensa procesión de monjas. Caminan obstinados contra las inclemencias del viento y el frío. Al igual que un ejército que se pone en camino hacia la guerra, “La Marcha de los Pingüinos” denota interés por la disciplina, compañerismo y valentía de sus protagonistas. Jacquet desarrolla una historia que involucra tópicos humanos universales tales como la superación y el sacrificio, pero aquí no habla de hombres y mujeres, sino de animales que son capaces de resistir hasta 60 grados bajo cero.
El filme logra convencer al espectador que detrás de las costumbres de los pingüinos hay algo más que un simple instinto de conservación. También hay amor, cariño y sufrimiento; sentimientos que toman más fuerza en los parajes inhóspitos de la Antártica.
Jacquet recurre a la utilización de imágenes impresionantes, las que consigue armar con armonía y pulso en una historia cargada de suspenso. La mayoría de los documentales sobre animales suelen caer en la mera descripción, donde casi siempre es difícil lograr la empatía con la audiencia. En cambio, “La Marcha de los Pingüinos” conmueve, sorprende, dan ganas de estar presente en sus escenarios naturales y uno se siente parte de los eventos y de la crueldad inherente en la vida de las especies. Lloramos, nos reímos y conectamos con aquellos seres largos y de caminar medio torpe. Estamos frente un una obra familiar, pero que a la vez es seria, adulta y que contiene mucha complejidad y dobles lecturas.
Sin embargo, el filme no estuvo ajeno a la polémica, ya que varios naturistas y biólogos señalaron que algunos datos fueron cambiados con la finalidad de hacer una pieza audiovisual más comercial. A pesar de dichas quejas que podrían ser ciertas, y de incluir la voz en off de un actor de renombre como Morgan Freeman en la narración para EE.UU., “La Marcha de los Pingüinos” sobresale tanto por sus méritos narrativos como por su mensaje medioambientalista. Esta es una de las grandes experiencias cinematográficas del 2005, donde la naturaleza sorprende más que cualquier efecto especial hollywodense.

Título original: “Marche de l'empereur, La” (“La Marcha de los Pingüinos”) / Director: Luc Jacquet / Año: 2005.

2006-02-09T06:31:00.000-08:00

"Munich"

Spielberg ha sido uno de los cineastas que más clasificaciones ha recibido de parte de la prensa mundial, si bien aún no ha inspirado connotaciones enigmáticas como las que tuvo en su momento Kubrick o Bergman. Al cineasta lo han catalogado de taquillero, fanático de la lágrima fácil, creador oscarizado vendido a los estudios, efectista y ahora traidor a la causa judía. Su última cinta, “Munich”, no podía quedar ajena a la polémica. El filme describe la masacre de varios deportistas judíos a manos de terroristas palestinos en las Olimpiadas de Munich de 1972. Sin embargo, el eje central de la historia se basa en las operaciones secretas de un grupo de hombres formados por el Mossad, cuyo máximo objetivo es la desarticulación de los altos mandos del grupo subversivo Septiembre Negro. El realizador de “E.T, El Extraterrestre” pone casi en una misma balanza los asesinatos tanto a manos judías como palestinas. Se examinan tópicos como la venganza y el ajusticiamiento carente de grandes lecciones de moralidad. Sólo se describe la crudeza de las explosiones pertenecientes a una batalla casi milenaria entre dos religiones, dos estilos de vida que confluyen en una guerra santa.
Varios representantes del gobierno israelí y personas partidarias de la causa semita atacaron la “falta de posición de parte de Spielberg”. Dijeron que el realizador de “La Lista de Schindler” cuestionaba la matanza y persecución de los integrantes de Septiembre Negro. A pesar de las críticas, el cineasta se defendió al decir que su último trabajo mostraba sin tapujos hechos reales, cuyos protagonistas son prisioneros de las circunstancias. Lo cierto es que “Munich” tiene un punto de vista, ya que deja mal parado tanto a palestinos como israelitas. Las imágenes muestran la desidia sectaria entre dos pueblos obcecados por la venganza.
“Munich” contiene todo lo que debiera tener una buena película de intrigas: distintas locaciones de Europa, sofisticados atentados con explosivos y grandes cuotas de suspenso. Spielberg montó una cinta que rinde culto a filmes clásicos de los setenta como “El Día del Chacal” (1973), “The Parallax View” (1974) y “Maratón de la Muerte” (1976), pero más allá de los homenajes, la cinta sobresale por su descarnada imagen de la realidad. La obra contiene uno de los elementos spielbergreanos más recurrentes: el hombre de familia que vive acosado por la culpa de sus actos y que se debate entre el deber de su trabajo y el deber moral.

El hacedor de sueños

Spielberg ha sabido construir una filmografía que siempre ha provocado reacciones en el público. Su mayor mérito ha sido su contribución a la imaginería colectiva, lo cual ha permitido que los espectadores de todo el mundo pudiéramos comprender sus obsesiones y miedos. A partir de su filmografía, la cultura popular se alimentó de los cuestionamientos hacia la vida extraterrestre (“Encuentros Cercanos del Tercer Tipo”), el triste legado de la guerra (“Rescatando al Soldado Ryan) y el holocausto judío (“La Lista de Schindler”) y la clonación de especies extinguidas (“Parque Jurásico”). Tampoco podemos olvidar sus aportes al género de matiné (“Indiana Jones”) y del horror (la producción de “Poltergeist”).
El director de “El Color Púrpura” simboliza al creador que se rehúsa a ser adulto. Es el niño que viene a contar sus fantasías, logrando transportarnos a su universo de sueños. Sin embargo, Spielberg en los últimos años también se ha atrevido a mostrar su lado más oscuro y desencantado hacia la vida (“La Guerra de los Mundos”). Pareciera ser que “Munich” es la extensión de aquella faceta, la que por cierto es más prolija, reflexiva, adulta, real y escalofriante.
Título: “Munich” / Año: 2005 / Director: Steven Spielberg / Intérpretes: Eric Bana, Daniel Craig, Mathieu Kassovitz, Ciarán Hinds, Hanns Zischler, Geoffrey Rush y Michael Lonsdale.

2006-01-28T13:16:00.000-08:00

"Broken Flowers"

Bill Murray se ha consagrado como uno de los actores favoritos del cine independiente norteamericano. En los últimos cinco años ha trabajado con Sofía Coppola (“Perdidos en Tokio”), Wes Anderson (“Rushmore”, “Los Excéntricos Tenenbaums” y “Vida Acuática”) y Jim Jarmusch (“Coffee and Cigarettes”). Ahora se repite el plato con el director de “Dead Man”. Su nueva colaboración, “Broken Flowers”, fue catalogada como una de la mejores cintas de 2005, si bien fue ignorada en la entrega de los Globos de Oro, entre otras premiaciones. Sin embargo, dicho detalle es menor, sobre todo al tener en cuenta que Murray supo escapar de la etiqueta de actor de comedias. Su caso, en cierta forma similar al de Tom Hanks, no es casual, debido a que el protagonista de “El Día de la Marmota” (1993) consiguió demostrar una arista interpretativa más cercana al drama. Sus dotes actorales se apoyan en su sugestiva expresión facial, la que entrega a sus personajes un sentido trágico-cómico. Los ojos de Murray logran llenar la pantalla con la tristeza y la melancolía en manos de un buen actor de carácter (una de las películas que aventuraba esta faceta fue la desapercibida y estupenda "The Razor's Edge" de 1984). Sus últimos papeles tienen en común el hecho de representar a hombres maduros, en plena crisis existencial, cuya principal característica está en ver al mundo y a sus habitantes como algo ajeno.
“Broken Flowers” es uno de los proyectos más intimistas y “silenciosos” de Jim Jarmusch. Murray personifica a Don Johnston, un don juan cincuentón, millonario y soltero, que en el ocaso de su vida visita a algunas de sus antiguas novias. Estamos ante un road movie en que Johnston, después de recibir una misteriosa carta, busca indicios sobre la posible existencia de un hijo suyo. Jarmusch construye una cinta crepuscular, donde los pequeños detalles son parte esencial del metraje. La cinta está impregnada de momentos íntimos gracias a la utilización de los espacios comunes -la carretera, los suburbios y pequeños pueblos rurales-, los que están sustentados por la utilización de encuadres sobre el rostro de Murray. También se puede apreciar la predilección del director de “El Camino del Samurai” por la economía en los diálogos, ya que las estrellas de sus filmes suelen comunicarse con las acciones y las actitudes en respuesta a situaciones embarazosas. Para Jarmusch el silencio es primordial. No cansa al espectador con eternas explicaciones, ya que su filmografía se sustenta en la comunicación de los estados anímicos. Estamos ante un cineasta que no tiene nada que envidiar a los directores europeos. Quizá Jarmusch es uno de los cineastas norteamericanos más puristas y experimentales de las últimas dos décadas (el otro es John Sayles), ya que tiene la habilidad de transmitir la fragilidad, agonía y miedos del hombre.
“Broken Flowers” no entrega soluciones redentorias ni grandes moralejas. Sólo desnuda la inconmensurabilidad tanto de la rutina como del tedio, demostrando que la vida, para muchas personas, se acerca más a un eterno padecimiento existencial. Johnston carga con el peso de ser un sujeto solitario que duda si vale la pena cambiar, sobre todo al reencontrarse con las mujeres de su pasado. Probablemente Jarmusch y Murray nos quieren decir que a veces es mejor ser tal cual somos.

Título: “Broken Flowers” / Año: 2005 / Director: Jim Jarmusch / Intérpretes: Bill Murray, Jeffrey Wright, Sharon Stone, Frances Conroy, Jessica Lange, Tilda Swinton y Julie Delpy.